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DOSSIER DE PRENSA
Espectáculos y Compañías de Olmedo Clásico 2006
Palacio Caballero de Olmedo. Plaza San Julián, 3. 47410 Olmedo (Valladolid)
Tel: 983601274 - Fax: 983601284 - info@palaciocaballero.com
info@olmedoclasico.es– www.olmedoclasico.es
OLMEDO CLÁSICO 2006
Espectáculos
DOMINGO 13
Espectáculo gratuito de inauguración
Cómicos en el camino, Miguel Murillo y José Prieto (España)
LUNES 14
Espectáculo de inauguración oficial
D’amore Rapito, Venecia Inscena (Italia)
MARTES 15
El Buscón, Quevedo. Compañía Morfeo (España)
MIÉRCOLES 16
Solo Hamlet solo, Miguel Murillo. Compañía E de Estreno (España)
JUEVES 17
Príncipe Fin, Claudio Hochman. Shakespeare Women Company
(Portugal)
El enfermo imaginario, Molière. Compañía Morboria (España)
VIERNES18
SÁBADO 19
Don Gil de las Calzas Verdes, Tirso de Molina. Teatro Corsario
(España)
Lugar:
Hora:
Precio:
Venta de entradas:
Venta anticipada:
Patio del Palacio del Palacio del Caballero de Olmedo
22:30
6,00 euros; abono, 21,00 euros (6 espectáculos)
Taquilla del Palacio del Caballero
Torre del Reloj, Palacio del Caballero (Olmedo)
Reserva por Internet en www.olmedoclasico.es
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DOMINGO 13
Cómicos en el camino, Miguel Murillo y José Prieto
Compañía Al Suroeste Producciones. Director
Pedro Antonio Penco
Acopio de dichos y jaranas, entremeses, romances, farsas y refranes, un retablo por el que
desfilan “la verdad fingida, lo falso verdadero y la mucha disimulación”, llevado de plaza en
plaza en plaza por un Carro de Comedias con ánimo de agradar a sus gentes. En él se
representan La canción de Pitas Payas, del Arcipreste de Hita; la farsa de Los Pícaros del
Camino, del gallego José Prieto, y el divertidísimo entremés de Quiñones de Benavente Los
sacristanes burlados, en versión de Miguel Murillo.
Hora: 22:30. Entrada gratuita
La Compañía
Formada por Pedro Antonio Penco y Javier Leoni, pioneros del teatro profesional en
Extremadura, con más de 20 años de dedicación al teatro, fundaron en 1983 la Compañía
Suripanta Teatro. Al Suroeste Teatro llega años más tarde y se consolida como una de las
Compañías profesionales más importantes de las artes escénicas en Extremadura.
Basan su trabajo fundamentalmente en el actor como eje de sus creaciones; abordan
todo tipo de propuestas, desde el teatro de texto a pasacalles temáticos, danza
contemporánea, teatro infantil o teatro en la calle. Los cómicos del carro, tras 10 años sobre
las tablas, constituyen una auténtica escuela de formación para nuevos actores.
En estos últimos diez años, de una actividad muy intensa y con más de un centenar de
representaciones anuales, Al Suroeste Teatro es un centro estable de producción y
distribución. Con Pedro Antonio y Leoni como piezas básicas del engranaje pero con todo un
equipo de colaboradores habituales, entre los que hay que mencionar de una manera muy
especial al director asturiano Etelvino Vázquez (Teatro del Norte) quien ha dirigido un buen
número de espectáculos de la Compañía: Aqui no paga nadie, Retablo de la Avaricia, la
Lujuria y la muerte, Perfume de mimosas .
Otros profesionales asiduos en los montajes de Al Suroeste son: Mariano Lozano (música),
Maite Álvarez (vestuario), Pepa Casado (caracterización), Chus Pérez (iluminación), Jorge
Rubio (técnico), Miguel Murillo (Autor), que se suman al equipo fijo: Marisol Cirujano
(ayudante de producción), y Helena Narváez (ayudante de distribución).
Una formula que está dando muy buenos resultados en Al Suroeste Teatro es la
coproducción con otras Compañías del resto del país y de Extremadura; con Cambaleo
(Madrid), Eolo Teatro (Euskadi), Fuegos Fatuos (Guadalajara), Samarkanda (Extremadura), I
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Piau Teatro (Cuenca), Cachivache (Madrid). Un planteamiento que permite acercarse a otras
experiencias y formas de trabajo; la idea básica es no cejar en la búsqueda de una línea
propia, sin olvidar el aprendizaje a partir de las experiencias de los demás.
En la actualidad, Al Suroeste Teatro ha llegado a consolidarse como punto de referencia de
la realidad teatral extremeña con una amplia proyección en todo el territorio nacional, con
unas 150 representaciones por año, con sus dos espectáculos y con presencias en el
mercado latinoamericano cada vez mas frecuentes; Caracas, Bogotá, Cali, Sto. Domingo, La
Habana. Este año han sido invitados en México en el Festival de Monterrey y en Argentina,
en la Sala Teatral La Pañoleta de Buenos Aires
Producciones
Pedro A. Penco y Javier Leoni, el uno como director, el otro como productor y en la mayor
parte de espectáculos, como actores, han participado en los siguientes montajes:
La isla de los Sapos (1984), de J. Manuel Sito. Dirección, Pedro A. Penco.
El Crimen de Don Benito (1985), de Jesús Alvíz con el Centro Dramático de Extremadura.
Dirección, Antonio Corencia.
Misa Negra (1985) de Jesús Morillo con la Compañia La Chambra. Dirección, Jesús Morillo.
Aqui no paga nadie (1986), de Darío Fo. Dirección, Etelvino Vázquez.
Retablo de la Avaricia, la Lujuria y la Muerte (1987), de Valle Inclán. Dirección, Etelvino
Vázquez.
Pasacalles, Pregón, Mercado Medieval, Fiesta infantil (1988), para el Festival Medieval
de Cáceres, dirigido por Pedro Antonio Penco y Carlos Sarrió (1987).
El Despertar a quien duerme de Lope de Vega, versión de Rafael Alberti. Dirección,
Francisco Suárez (1988).
Perfume de Mimosas (1989), de Miguel Murilllo. Dirección, Etelvino Vázquez (1989).
Pasacalles de Inauguración para el Festival de Alcántara (1990).
Tragicomedia de Don Cristobal y la Señá Rosita (1990), de García Lorca. Dirección, P.
Antonio Penco
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El Gorgojo (1992), de Plauto, para el Festival de Teatro de Mérida. Dirección, G. Carlo
Sanmartano.
Othello, (1992),de W. Shakespeare, para el Festival de Cáceres. Dirección, Jordi Mesalles y
Pedro A. Penco
A finales de 1992 dejan SURIPANTA Teatro para montar su propia productora Al Suroeste
Teatro, con la que han producido los siguientes montajes:
Retablo de Maese Rodrigo de Plasencia (1993), de Miguel Murillo, con textos de
Cervantes, Berceo, Arcipreste de Hita y el romance popular La Serrana de la Vera, con
dirección de Pedro A. Penco.
Recordanzas: Extremadura un mar sin orillas (1994), de Pedro A. Penco y Alfonso
Cortés. Dirección, Pedro A. Penco.
Los Dioses y los Cuernos (1995), de Alfonso Sastre, dirección de Etelvino Vázquez.
Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín (1996), de García Lorca.
Lastre de Cómicos Pícaros (1997), de Miguel Murillo, con textos de Cervantes, Berceo y
Calderón. Dirección, Pedro A. Penco.
Pasacalles Cervantino (1997), .para Alcalá de Henares. Dirección, Pedro A. Penco.
El Pájaro de Plata (1998), de Miguel Murillo. Dirección, Etelvino Vázquez.
Pasacalles Extremadura (1999), para la Exposición de Lisboa. Dirección, Pedro A. Penco.
Princesa Pétalos de Margarita sin más (1999), de Vicent Vila y Tomas Martín. Dirección,
Pedro A. Penco.
El Caballero de Olmedo, (2000), de Lope de Vega, en versión de Francisco Rico. Dirección,
Etelvino Vázquez.
Cara de plata (2002), de Valle-Inclán, en coproducción con Cía Teatro i Piau. Dirección,
Etelvino Vázquez.
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Premios
1991.- Premio Juana Sujo. Premio Nacional de la Crítica al mejor espectáculo de la
temporada en Caracas (Venezuela), con el espectáculo Perfume de Mimosas, de Miguel
Murillo. Suripanta Teatro.
1995.- Premio a la Mejor Arquitectura Escénica para el espectáculo Retablo de Maese
Rodrigo de Plasencia, en el XVII Certamen Nacional Arcipreste de Hita (Guadalajara).
1997 - Premio a la Mejor Puesta en Escena: Amor de Don Perlimplín con Belisa en su
Jardín, en el XVII Certamen Nacional Arcipreste de Hita (Guadalajara).
1999.- Premio al Mejor Vestuario y Caracterización: Princesa Petalos de Margarita sin
más, en la Feria Nacional de Teatro FETEN (Gijón).
2001.- Premio a la Mejor Dirección a Etelvino Váquez: El Caballero de Olmedo, en el
certamen Garnacha de Haro ( La Rioja).
2002.- Nominado Mejor Espectáculo del 2001 en la Comunidad de Castilla- la Mancha
para los Premios Max 2002: El Caballero de Olmedo.
2002.- Premio del público al mejor espectáculo de la temporada 2001-2002 en el Teatro
Guerra de Lorca (Murcia) por El Caballero de Olmedo.
2002: Premio al Mejor Espectáculo en el Certamen Nacional de Haro (La Rioja) por Cara
de plata.
2002: Premio al Mejor Actor Protagonista en el Certamen Nacional de Haro (La Rioja)
para Rafaél Núñez, por su interpretación del Abad de Lantañón en Cara de plata.
2003: Cara de plata, .nominado a los Premios Max, como mejor espectáculo revelación en
su edición 2003.
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LUNES 14
D’ Amore Rapito, Commedia dell’ Arte
Compañía Venecia Inscena
Director: Adriano Iurissevich
Clásica Commedia dell’Arte con amores, intrigas, transformaciones, gags escénicos, y, en el
escenario, las máscaras clásicas de la comedia: Arlequín, Pantalón, el Capitán, los
Enamorados, en un contexto mágico y fabulado, enriquecido con la música, la danza, la
pantomima y con momentos de poesía y sátira social, personajes inesperados, como los
piratas, las beatas, los turcos, las odaliscas Dentro de los cánones tradicionales, la trama
contiene elementos de sorpresa, innovadores y cierta audacia en el contenido; duelos,
emociones, sorpresas y matrimonios… pero no los previstos. La Compañía Venecia Inscena
recomienda el espectáculo para un público de 7 a 107 años
Hora: 22:30. Entrada, 6,00 euros.
.Ficha
Dirección
Máscaras
Pantomimas
Danzas
Dirección de los coros
Dramaturgia
Intérpretes
Música
Técnica
Adriano Iurissevich
Stefano Perocco
Andrzej Leparski
Nelly Quette
Celine Valadez
Adriano Iurissevich (con la colaboración de los actores),
Andreapietro Anselmi, Francesca Bindelli, Giorgia Gorreri, Alessio
Nardin, Sharon O’Doherty, Nicola Olivieri, Celine Valadez,
Asuncion Ruiz Villen
Chiara Favero
La Compañía
Con ocasión del carnaval 2005, Venezia Inscena creó una Compañía seleccionando a
actores de distintos países (Francia, España, Canadá, Italia), entre los alumnos del
laboratorio internacional de la Comedia del Arte, que Adriano Iurissevich y sus colaboradores
tienen en Venecia desde 1996. El éxito de los cursos y la complicidad profesional y persona
que se ha creado entre los ex alumnos, ahora ya actores profesionales, les ha animado a
crear la Compañía y este espectáculo. La obra se ha puesto en escena varias veces dentro
del programa oficial de los Carnavales de Venecia este año y el año pasado; también se ha
representado en Milán, y en otras localidades italianas, así como en los festivales de teatro
de Madrid, Lisboa, Almería y Olite.
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La variedad lingüística y cultural de la Compañía -Comedia del Arte como “armonía de varias
lenguas”-, y la experiencia de más de veinte años del director y de sus colaboradores,
aportan a la obra calidad, energía, ritmo y diversión.
El director
“Me he dedicado a la Comedia del Arte, desde hace casi 25 años; desde que fui miembro y
director musical del Tag Teatro de Venecia, hasta mi más reciente participación como actor
en la magistral puesta en escena de El amor de las tres melarance, obra de Benno Besson.
Desde entonces la Comedia del Arte ha tenido una presencia constante en mi trayectoria
teatral y ha sido guía y punto de referencia, madre, padre… y amante, a la vez. De vez en
cuando, abandonada por mis viajes, por otras experiencias artísticas, pero siempre con un
posterior reencuentro lleno de un nuevo vigor, una curiosidad nueva, y una gratitud nueva.
¿Dónde mejor que en la comedia se enfrenta el actor con su propia vocación, con la
necesidad de sentirse en escena? ¿Dónde mejor que en la comedia, se representan y se
critican ferozmente los límites y las miserias humanas, sin condenas morales, sino con una
risa como arma y una sonrisa de comprensión? ¿Dónde mejor que en la comedia, el juego
del Teatro se declara y se comparte dentro de la fiesta y la celebración en un sentimiento
común (actor y espectador), actores y víctimas de las vicisitudes humanas? La Comedia del
Arte es la comedia en su estado esencial y de energía primordial.
De este modo, cada vez que afronto una nueva trama, quizá asumiendo ya el cansancio de
las convenciones y los estereotipos, descubro movimientos inesperados y soluciones
impensables, y me encuentro, de nuevo, encantado de gozar del juego siempre fresco y de
la vitalidad imperante de la Comedia del Arte, así como del refinamiento técnico y de la
sabiduría teatral de los cómicos que la definieron. Entonces, me sorprendo a mí mismo
riéndome como un niño de un teatro muy adulto”.
Adriano Iurissevich
La trama
Pantalón, mercader y especulador veneciano al borde de la ruina, cultiva grandes sueños:
transformar Venecia en un gran parque de atracciones y, de este modo, ganar dinero a
mansalva. Para ello, piensa en un matrimonio de conveniencia entre su hijo Florindo y
Beatriz, hija no tan joven de Begonia, la beata, rica y hacendada.
Florindo, artista y sin vocación, no acepta el matrimonio y huye en barco. Náufrago, es
rescatado por unos piratas guiados por la temible Platessa la Pirata, quien ya saborea un
suculento rescate, cuando la nave pirata es asaltada por los Turcos. Florindo es secuestrado
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y conducido a Estambul. El Sultán igualmente pide un rescate; si no, Florindo será castrado y
convertido en eunuco.
Pantalón no quiere pagar y planea una estrategia: disfrazar a Arlequín de mujer, venderlo en
el mercado de los esclavos y, de esa manera, poder introducirse en el harén del sultán. Se
van los dos, seguidos a cierta distancia de Beatriz, que está enamorada de Florindo, y de la
sierva Francisquita, prometida de Arlequín. Entra en juego otra presencia, la de la maga
Circe, que desde hace tiempo actúa para arruinar a Pantalón.
Tras varias peripecias, Florindo y Arlequín consiguen huir, seguidos también por Zairo, hijo
del Sultán, príncipe sensible, pacifista e incomprendido. Ya de vuelta en Venecia, gran fiesta
para anunciar el matrimonio, cantos y danzas. La fiesta es bruscamente interrumpida por
Platessa, y Florindo se ve envuelto en una polémica entre la pirata, que se ha enamorado de
él, y la maga Circe. Duelos, emociones, sorpresas y matrimonios…..pero no los previstos.
MARTES 15
El Buscón, Quevedo
Compañía Morfeo
Director: Francisco Negro
Desde su estreno en el Festival de Almagro 2005, esta adaptación teatral de El Buscón ha
recorrido los escenarios españoles con una buena acogida de crítica y público. La versión
reduce a lo fundamental la trama novelesca y saca a flote los mejores recursos del lenguaje
y del humor de Quevedo. Todo esto, unido a una buena interpretación, lo convierte en un
espectáculo adecuado a la mejor tradición verbal de la cultura española.
Hora: 22:30. Entrada, 6,00 euros.
La Compañía
Morfeo es una Compañía, especializada en teatro clásico, que nació en Madrid en el año
2000, con el afán de adaptar obras de la literatura clásica universal, tanto del teatro como de
la novela. Sus puestas en escena tratan de sintetizar con rigor lo mejor del texto original, y se
presentan con la estética de la época en que se concibieron las obras, tanto en vestuarios
como en escenografía. Esta Compañía apuesta por un teatro clásico que respeta la tradición
y que lleve al espectador a otra época y, al mismo tiempo, le haga disfrutar del texto clásico.
Entre sus últimos montajes, destaca un romántico español, que se ha estrenado en el festival
clásico de Alcalá de Henares, Bufonadas de caballeros y damas; el Cándido, de Voltaire, una
comedia barroca que sigue en gira; y el último montaje puesto en escena en el festival de
Almagro, El buscón, de Quevedo. En el 2005 la Compañía fijó su sede en Burgos.
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En sus inicios sus propuestas estuvieron dentro del entorno del Siglo de Oro español: como
un ñaque de Lope de Rueda Chanza del Santero Desollado, que se representó por primera
vez frente a la casa natal de Cervantes en la Semana Cervantina de Alcalá de Henares; o
una garnacha de Jerónimo de Cáncer, Los putos, en la celebración de Alcalá como Ciudad
Patrimonio de la Humanidad. Dentro del mismo estilo de representación, a la antigua usanza
de cómicos de la legua, se presentó una folía del Siglo de Oro, Los desamores de Toribio,
que recogía textos clásicos de Agustín de Rojas, Calderón y Quevedo a la vez que piezas
musicales (romances, mojigangas y jácaras).
Su repertorio se fue ampliando con una adaptación de Los dos hidalgos de Verona, de
Shakespeare, representada como lo hacían las Compañía italianas a finales del XVII, con
ciertos vestigios de Commedia dell´Arte; una adaptación para dos piezas de Enrique Gaspar
Bufonadas de caballeros y damas, al estilo del teatro romántico español del XIX; y una
adaptación de la novela Cándido, de Voltaire, presentado dentro de la escuela de la
comedieta musical del barroco francés.
Por último, El buscón de Quevedo -estrenado en el festival de Almagro, así como en los
festivales de Alcántara, Real Coliseo del Escorial, Ceutí, y Yepes- es el resultado de una
síntesis de la célebre novela, presentado con una sencilla y efectiva anécdota, que nos
muestra al pícaro universal en lo que sería una posada castellana a principios del XVII,
haciendo uso de sus argucias y engaños para convencer a una descreída posadera de que
es el célebre protagonista de la obra de Quevedo.
Ficha técnica
Dirección y dramatización
El Buscón, Pablos
La Posadera, Gracia
Francisco Negro
(sobre la novela El Buscón de
Francisco de Quevedo)
Francisco Negro
Mayte Bona
Francisco Negro
Actor madrileño y director de Morfeo, formado en Oxford y con posgrado en Varsovia; ha
puesto en escena como director quince obras, en Inglaterra, Polonia, México y España,
desde versiones de Shakespeare, Byron, Milton, Voltaire a clásicos del Siglo de Oro
Español.
Mayte Bona
Actriz formada en la escuela ORFEO de teatro ruso y el Foro Artístico Europeo, con gran
experiencia teatral en obras como Angelina o el honor de un brigadier, Yerma, Las mujeres
sabias, La quinta columna, o Las Polópidas.
Desde 2003 es gerente de MORFEO, en la que ha protagonizado los montajes de
Bufonadas de Caballeros y Damas y el Cándido de Voltaire.
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La obra
El Buscón, de Quevedo es un montaje que parte de la célebre novela de la picaresca, donde
las peripecias de este truhán universal, príncipe de embustes y engaños, el buscón Pablos,
recorre campos y ciudades de Castilla ofreciendo la más singular semblanza de la vida del
siglo XVII en España. Un personaje único, en la obra más refinada e ingeniosa del genial
Quevedo, y en la que el espectador podrá a la vez disfrutar de una panoplia de los más
significativos autores del Siglo de Oro con fragmentos de sus obras más emblemáticas,
como Cervantes, Lope de Vega, Agustín de Rojas y Calderón de la Barca. Una puesta en
escena apta para todos y divertida.
Aprovechando que en el penúltimo capítulo de la novela, el buscón Pablos se hace actor de
comedias, se ubica la ficción:
En un aposento de una fonda castellana de principios del XVII, un desaliñado cómico gime
alegando dolores de barriga ante una desconcertada posadera. La misma le recrimina no
haber pagado su hospedaje en las últimas semanas, amén de echar en falta ciertas viandas
de la alacena, y quiere cobrar su deuda o dará cuentas a la justicia. El falso enfermo alega
esperar el cobro de su trabajo como actor:
“Pablos me llamo señora, y no soy sino aquél que al mismísimo Quevedo la fama ha dado
por su novela del buscón, que aunque él dulce gloria ha recibido por sus letras, fueron mis
espaldas las que acogieron quebrantos como demonios...”
Entre aspavientos, engaños, riñas y alguna que otra purga, cuenta el pícaro su vida a la
posadera, esperando éste seducirla con sus artes, y ella, le amenaza con escarmiento, si no
demuestra ser con convicción... el buscón de Quevedo.
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MIÉRCOLES 16
Solo Hamlet solo, Miguel Murillo
Compañía “E” de Estreno
Director: Jesús Manchón
Versión para un solo actor del drama de Shakespeare que representa a Hamlet y a los
distintos personajes mostrados como imágenes mentales de éste, a partir de reflejos en
espejos y apoyo audiovisual. Como elementos escenográficos se presentan dos ambientes
que se corresponden con el mundo de los muertos, campo de batalla, donde todo es
desolación y zozobra, y con el mundo de los vivos, fuente de visiones de Hamlet y resquicio
de esperanza.
Hora: 22:30. Entrada, 6,00 euros.
La Compañía
Autor
Dirección
Hamlet
Ayudante de Dirección
Realización Audiovisual
Producción Audiovisual
Coreografía
Regiduría
Diseño de Escenografía
Construcción de Escenografía
Diseño de Iluminación
Composición Musical
Diseño de Vestuario
Confección de Vestuario
Diseño y realización de atrezzo
Diseño y Realización de maquillaje
Diseño Gráfico
Impresión
Fotografía y Web
Miguel Murillo.
Jesús Manchón.
José Vicente Moirón.
Johnny Delight.
Rubén Prieto.
rovideo.
Lola Prieto.
Elena Márquez.
Mikelo.
Brikomérida y Sidoforma.
Fran Cordero.
Tutxi.
Eva León.
Luisi Penco e Isabel Gama.
Isabel Borrallo.
Pepa Casado.
Marino González.
Indugrafic.
Pedro Gato.
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El Director
Virgencita, Virgencita
“Hacía tiempo que este Hamlet venía calentándome la cabeza. Sólo, porque por muchas
veces que leyera el original de Shakespeare siempre lo percibía solo, con sus miedos, su
incertidumbre, su impotencia, su inseguridad y sus paranoias, pero solo a fin de cuentas.
Siempre lo veía un tanto paranoico porque ¿a quién se le presenta el espíritu de su padre
para exigirle vengar su muerte? A nadie. Y si alguien hubiera sido testigo de semejante
prodigio ¿tardaría ciento ochenta páginas en hacer el recado? Con esto no digo que su tío
no fuera un indeseable y su madre una lista y que todo se cociera en su ático con vistas al
Mar del Norte pero el hecho de que fuera el único que vio y oyó al espectro de su padre ya
es para empezar a leerlo, como mínimo, con un poco de prudencia que es justamente lo que
le sobra a este personajillo.
Y desde la primera lectura, por aquello de compartir mi perturbación, fui calentándole la
cabeza, a su vez, a mi compañera en mil dos batallas. Y así seguimos soportándonos la
enfermedad y su rutina, el qué bonito sería si… hasta que aceptamos que teníamos un
problema y a través de un amigo en común nos pusimos en manos de un especialista en
terapia teatral. “Yo os la escribo”. Terapia de shock creo que se llama. El diagnóstico y su
tratamiento pudimos intuirlo con sólo ver su entusiasmo.
Al día de hoy hemos conseguido estabilizarnos, que no es poco, gracias al trabajo de un
fantástico gabinete artístico y técnico y no nos deja de sorprender el interés que suscita
nuestra alteración en los principales centros de salud escénica con sólo explicar los
síntomas. Ahora que preparamos la exposición de S.H.S., las enfermedades importantes se
conocen por las iniciales de sus términos, no siento la necesidad de dirigir un tratado de
psicología aplicada, ni de sociología, ni de política, ni de religión, y bien que el asunto se
presta a ello, líbrenme de meterme en la cabeza de nadie desde un escenario, cosa que se
puede, sino de mostrar el resultado de una experiencia vital tan común y placentera como la
de leer con tus propios ojos y subirla con todo el cuidado que sea posible para que cada
espectador vea y oiga lo que necesite ver y oír que a fin de cuentas es lo que hace quien
más y quien menos con su vida desde que se levanta hasta que se acuesta.
Espero que después del dieciséis de junio no tenga la sensación de haber sanado sino la de
haber sido capaz de convivir, sin llevarme a nadie por delante, con esta bendita enfermedad.
Mientras corramos buscando un trozo de goma espuma la ciencia no nos alcanzará.”
Jesús Manchón
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El actor
Cara a cara con Hamlet
“Enfrentarme a Hamlet desde el sillón de mi casa, es algo que practiqué en más de una
ocasión, dejándome envolver siempre por el hechizo del texto de Shakespeare. Los
conflictos que Hamlet presenta son de una vigencia y universalidad absolutas, que hacen
que uno, como actor, se sienta muy cercano al sentir del personaje y muy atrapado en el
deseo de poder darle vida y recrearlo en el escenario. Darle vida desde el corazón,
intentando entender lo que pasa por la cabeza de este Príncipe de Dinamarca, al que se le
aparece el espectro de su padre, ordenándole venganza por su cruel asesinato.
Todos los oficios dirigidos al arte, como el de la interpretación, poseen atractivos que te
gustaría llegar a afrontar. Que consideras un reto. A veces el destino, como le ocurre al
personaje de Hamlet en Solo Hamlet Solo, no brinda esa oportunidad, y otras veces, como
me ha sucedido a mi, te deja que lo intentes. Acabo de entrar de la mano de Jesús Manchón
dirigiendo y de E de Streno, durante una semana de trabajo de mesa, en el mundo de este
apasionante personaje que Miguel Murillo ha retratado de una manera bellísima en un texto
original, lleno de ritmo, que día a día me sorprende, no sólo por la poética de la obra, fiel a la
esencia del texto de Shakespeare, sino por lo que tiene de original: un monólogo en donde
diez personajes más se ajustan en la cabeza del protagonista, encargado de atraparlos y
mostrarlos en el escenario. Doble reto. Observar bajo la mirada de Hamlet, escuchar por
medio de sus oídos, sentir a través de su corazón, desplazarse adoptando su figura, es algo
que ya no practicaré desde el sillón de mi casa. Ahora deberé enfrentarme a Hamlet sobre
un escenario, solo. Cara a cara con él. Es verdad, produce vértigo y genera, como en
Hamlet, muchas dudas... pero a fin de cuentas, no deja de ser teatro... ¡Puro Teatro!”
José Vicente Moirón
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El autor
Solo Hamlet solo
“Una frase de Albert Camus pudiera ser la clave: “Todos somos, en algún momento,
conscientes de que hemos nacido; ninguno de nosotros se entera de su muerte”. Entre estas
coordenadas, Hamlet, siempre Hamlet.
Si aceptamos el reto de Shakespeare y nos dirigimos hacia el territorio en el que un espectro
indica la dirección del mundo y sus acciones, estamos en la patria de Hamlet, en ese lugar
en el que se inicia la búsqueda. Hamlet está solo allí. Ninguno de sus camaradas, nadie de
su familia, tampoco el amor de Ofelia, han sido testigos del terrible secreto que le impele a
buscar una respuesta. Todos ellos asisten a su locura, sufren su locura, mueren por esa
locura. Todos ellos están en Hamlet y Hamlet está en cada uno de ellos.
Pienso que Shakespeare escribió un suceso narrado desde el interior de un hombre. De ahí
el inmenso error de dejar hablar a un espectro ante un único testigo, su hijo. En el nombre
del padre, Hamlet debe ejecutar su venganza. Y para comparecer ante el padre, esa
venganza debe haber sido ejecutada. Estamos, pues, ante un conflicto universal que sucede
desde que el mundo empieza “en el nombre del padre”. Los graves asuntos que al ser
humano afligen desde su creación, son herederos de ese mandato original. Y no nos extraña
ya la exhibición de atrocidades que desfila ante nuestros ojos y que obedecen a un mandato
espectral que sólo un iluminado escucha y que acepta la locura de difundir por su mundo,
esa patria de Hamlet, inmenso cementerio sobre el que nuestros pies descansan ¿o no está
fabricado el suelo que nos sustenta con los restos de mil batallas?.
Un actor solo, Hamlet solo, real, material como sólo saben ser materiales nuestros despojos.
Alguien habló del fin de la materia en forma de mineral. Se equivocó. La materia, aquella con
la que nos hicieron a los hombres, aún mineral, no termina jamás de pudrirse porque
siempre le quedará su proyección infinita: la memoria. Hamlet muere y renace en la literatura
para abrir y cerrar, cerrar y abrir un ciclo…ese ciclo que desde la verdad revelada nos
enseñaron que era eterno y que jamás tendría fin”.
Miguel Murillo Gómez
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JUEVES 17
Príncipe Fin, Claudio Hochman
Compañia: Shakespeare Women Company
Director: Claudio Hochman
Adaptación de la obra de William Shakespeare, A buen Fin no hay mal Principio se vale de la
música como elemento organizador, y recrea un mundo enorme con los mínimos recursos.
Dos actrices interpretan a los diferentes personajes: una niña, que se llama Principio, y un
joven, que se llama Fin. Principio está perdidamente enamorada de Fin, pero Fin no quiere
saber nada de Principio. ¿Llegará Principio hasta Fin o aceptará Fin a Principio?
Hora: 22:30. Entrada, 6,00 euros
La Compañía
Shakespeare Women Company
Shakespeare, actor, poeta y autor teatral ingles (1564-1616) ocupa un lugar privilegiado
en la literatura universal. Nació en Strafford-Upon- Avon. Formó parte de varios grupos
teatrales y terminó ocupando un lugar importante en la King´s Men, Compañía teatral al
servicio del Rey. Autor fecundo escribió en 20 años 37 obras de teatro, más de 150 sonetos,
además de poemas, en los que se muestra extremadamente versátil como poeta, narrador,
humorista e pintor de caracteres.
Women, mujeres, pl. fem. Personas adultas del sexo femenino. El estatuto de mujer en
determinada sociedad define uno de los caracteres esenciales de la cultura y/o de la
civilización a la que la sociedad corresponde. Mujer,"contrario" de Hombre, cuenta la leyenda
que surgió de la costilla de éste, pero su cuerpo presenta grandes diferencias, pechos más
evidenciados, diferentes órganos reproductores; puede tener hijos. Algunas características
que la definen son: una gran sensibilidad y una capacidad de hacer muchas cosas al mismo
tiempo.
Company, Compañía, s. Fem., acción de acompañar. Reunión de personas para un fin
común. Personal artístico de un teatro. Surge y se desenvuelve en la edad media con un
significado idéntico al de sociedad; en la que dos personas o más hacen entre si, juntando
todos sus bienes o parte de ellos para un mejor negocio. Compañía de Teatro, sociedad de
teatro; en el Siglo de Oro del Teatro Español, sólo tenían nombre de Compañía los grupos
con determinado número de elementos, entre artistas y personal agregado (“dieciséis
personas que representan, treinta que comen, uno que cobra y Dios sabe el que hurta”, A.
de Rojas).
Shakespeare Women Company, así como en la época Isabelina no dejaban
actuar a las mujeres, en esta Compañía no dejamos actuar a los hombres, entonces las
mujeres interpretan tanto los papeles femeninos (que conocen como su propio cuerpo),
como los masculinos (que conocen más que a su propio cuerpo). Esta Compañía hace sólo
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obras de Shakespeare o piezas inspiradas en sus textos, esta compañía tiene espectáculos
unipersonales y multipersonales y se propone investigar las más variadas formas teatrales,
siempre con una dinámica acorde a los tiempos que corren (y corren de verdad!). Esta
Compañía no es feminista, ni machista, ni persigue ninguna orientación ideológica, política,
reivindicativa, ni nada que se le parezca, sólo se propone contar historias que peguen en el
corazón de los espectadores, que los sorprendan, que les hagan pensar, que los diviertan,
que los emocionen…
Esta Compañía hace sus obras en tres idiomas, portugués, español e ingles.
El Director
“Adaptar Shakespeare es como escribir de mi mismo”
Cláudio Hochman
(Buenos Aires, 1958)
En Portugal, en el Teatro Trindade: Fungaga, El Ultimo Tango de Fermat , Proof , Navio dos
Reveldes, Las Bodas de Fígaro. Comedia de Enganhos, Cyrano.
Con la Compañia Paulo Ribeiro: Anfitriones. sobre textos de Camões, Plauto y Moliere;
En el CCB Jose, musical de Tim Rice y Andrew Lloid Weber.
En España, Noche de Reyes, La Vuelta al Mundo en 80 Dias, Llego el Cartero, Mil grullas,
Sueño de una Noche de Verano, Medida por medida.
En Argentina, en el Teatro San Martín: El Sr. Puntila y Su Criado Matti, de Bertolt Brecha;
Cyrano, de Edmond Rostand; El Tacaño, sobre El Avaro de Moliere, Alan en Vulcania, de su
autoría, La Comedia de las Equivocaciones y La Tempestad, de Shakespeare;
En otros teatros de Argentina dirige: La Nona, de Roberto Cossa; Sinvergüenzas, sobre la
película Full Monty; Lo que me costo el amor de Laura; opereta de Alejandro Dolina, El Collar
de Perlita y Hazme un Sitio, de su autoria; El Violinista en el Tejado, musical; Las Alegres
Mujeres de Shakespeare, sobre Las Alegres Mujeres de Windsor de Shakespeare; Dedos,
de Borja Ortiz de Gongra; Las Troyanas, de Eurípides, Noche de Reyes y Otelo, de
Shakespeare.
Con sus espectáculos ha participado en Festivales de Yugoslavia, España, Bulgaria,
Uruguay,Costa Rica, Venezuela, México, Colombia, Bulgaria, Portugal, Francia, EEUU, Perú,
Bolivia y Brasil.
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Premios
La Tempestad - Premio ACE (Asociación de Críticos de Espectáculos) 1996
Premio Teatro del Mundo de la Universidad de Buenos Aires
Primer Premio Certamen Metropolitano de Buenos Aires, Cyrano, 1992
Primer Premio Bienarte, Córdoba 1993
Premio ACE 95, El Collar de Perlita
Premio ACE 99, Las Alegres Mujeres de Shakespeare,
Premio Estrella de Mar, 2000, El Zorro
7 nominaciones a los premios ACE 2002, El Violinista en el Tejado
Primer Premio Festival de Títeres de Albaeda 2002, Llegó el Cartero
Premio Revelación 2002 Feria Palma del Río, Sevilla, España
Mejor actuación y manipulación- Festival Internacional de Títeres De Plovdiv - Bulgaria.
Mención Especial, Mejor espectáculo - Festival Internacional de Títeres De Plovdiv Bulgaria.
Primer Premio FETEN Gijón al mejor espectáculo de pequeño formato 2004. La Vuelta al
Mundo en Ochenta Días
Premio Revelación 2003 Feria Palma del Rio, Sevilla, España, Mil Grullas
Premio Maria Guerrero a su trayectoria en 1999.
Obras de Shakespeare realizadas por Claudio Hochman
La Comedia de las Equivocaciones (dirección e adaptación), 1988
La Tempestad (dirección y adaptación), Teatro San Martin,1996/97/98/02
Otelo (dirección y adaptación), Grupo Caos de Bahía Blanca, Argentina,1995
Otelo (nueva adaptación y nueva puesta), Comedia Cordobesa,1998
Las Alegres Mujeres de Shakespeare sobre Las Alegres Mujeres de Windsor,
(dirección y adaptación), Teatro Broadway, Buenos Aires
Noche de Reyes, (dirección y adaptación), Comedia Cordobesa,1999
Comedia de Enganhos (versión portuguesa y dirección), Teatro Trindade, 1999
Otelo (fragmentos y emociones), Teatro Trindade, 2002
Cimbellino, Teatro Trindade, 2003
Sueño de una Noche de Verano (dirección), Compañía El Retablo, España, 2004
Noche de Reyes (nueva versión y dirección), Compañía Cómicos de Albacete,
España, 2004
Medida por Medida (dirección y adaptación), Compañía Cómicos de Albacete. 2005
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VIERNES 18
El enfermo imaginario, Molière
Compañía Morboria
Directora: Eva del Palacio
La Compañía de teatro Morboria, con más de 20 años de experiencia teatral a sus espaldas,
ha obtenido con este espectáculo, desde su estreno en Almería, el aplauso de crítica y
público, y varios premios. Molière la estrenó hace exactamente 333 años y fue su último
trabajo, ya que el dramaturgo y actor francés murió sobre las tablas representando a Argan,
ese hombre que se imagina continuamente enfermo sin estarlo. El montaje, una comedia
ballet que se organizaba en el siglo XVII para animar los festejos del Rey Sol en el siglo XVII,
cuenta con música en directo y goza de la impronta de Eva del Palacio y Fernando Aguado.
Hora: 22:30. Entrada, 6,00 euros.
Reparto
Argán, el enfermo
Toñita, su sirvienta
Fernando Aguado
Eva del Palacio
Belina, su mujer
Ana Burrel
Angélica, su hija
Beralda, su hermana
Alejandra Llorente
Malena Gutiérrez
Cleanto, enamorado de Angélica
Señor Diafoirus
Señor Purgón, médico
Diego Morales
Félix Casales
Tomas Diafoirus, médico
Félix Casales
Tomas Diafoirus, pretendiente
Señor Fleurant, boticario
Señor Buena fé
Santiago Nogués
Lacayo y Turco
Músico clavicordista
Francisco Sánchez
Carlos Pérez Mántaras
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Ficha artística y técnica
Espacio escénico
Oficina
Producción
Miguel Brayda
Eva del Palacio
Fernando Aguado.
Ana del Palacio
Carlos Pérez Mántaras
Charpentier
Javier Botella
Kiko García
Francisco Sánchez
Carlos Bandrés
Javier Puyol
Miguel Brayda
Ana del Palacio
Fernando Aguado´&
Eva del Palacio
Fernando Aguado
Alvaro Aguado
Ana del palacio
Julia Sancho
MORBORIA S.L.
Traducción,
Versión y Dirección
Eva del Palacio
Realización Atrezzo
Música Original
Diseño Iluminación
Luz y Sonido
Banda sonora
Fotografía
Gerencia
Diseño Gráfico
Diseño Vestuario
Caracterización y máscaras
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La directora
Volver a encontrarnos...
“La Compañía de teatro Morboria tiene el placer de presentar de la mano del inmortal autor
Jean Baptiste Poquelín Molière El enfermo imaginario.
Hace veintidós años que nuestra trouppe inició su andadura, y once ya desde que estrenamos
El burgués gentil- hombre Con el genio francés comenzamos nuestra aventura con el teatro
del Siglo de Oro. Con el tiempo llegaron otros autores como Shakespeare, Tirso de Molina,
Agustín Moreto
Con cada obra una experiencia distinta, con buenos y malos momentos, pero siempre
gozando a la hora de subirse al escenario y sentir que formas parte de ellos y tienes el
privilegio de hacer que sus obras sigan vivas en las tablas y el público ría o llore con ellas.
Hoy, hemos querido reencontrarnos con Molière y compartir con él nuestras vidas, cruzar
nuevamente nuestro destino y para ello elegimos su última obra El enfermo imaginario, una
comedia ballet en tres actos y una ceremonia final con música y danza”.
Eva del Palacio
Argumento
“El enfermo imaginario” Argán se cree muy enfermo y no puede vivir sin estar rodeado de
médicos. Para conseguir tener uno en la familia que le haga ahorrar la ingente cantidad de
dinero que destina a sus curas, medicamentos y potingues, no duda en concertar un
matrimonio de conveniencia entre su hija Angélica con el hijo de su médico preferido el señor
Diafoirus. Entretanto, Belinda su segunda esposa se comporta como una perfecta madrastra...
Pero Toñita, su fiel criada, descarada, impertinente, bondadosa, lianta y trapacera, hará lo
necesario para ayudar a su joven señora y salvar al señor Argán de los médicos que le
sangran y de la hipocresía de su esposa. Con la complicidad de la hermana de Argán, la
señora Beralda, maquinarán una ceremonia esperpéntica que transformará al enfermo en
doctor.
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SÁBADO 19
Don Gil de las Calzas Verdes, Tirso de Molina
Teatro Corsario
Director: Fernando Urdiales
Se ha dicho de ella que es la comedia de enredo más perfecta del Siglo de Oro, capaz de
mostrar una faceta primordial del teatro clásico de la que se ha hablado menos: su decidida
intención de divertir y su poderosa capacidad de conseguirlo. Tirso de Molina juega con todas
las posibilidades de la comedia al más puro estilo de Lope de Vega, añadiendo pinceladas a
los personajes para dotarlos de complejidad. Comedia total, en la que el engaño, el disfraz, la
maraña de conflictos provocada por la protagonista, denotan un exquisito tacto a la hora de
componer la trama. Su triunfo final es el triunfo de las mujeres. Hora: 22:30. Lugar: Patio del
Palacio del Caballero. Entrada: 6.00 euros.
La Compañía
El Teatro Corsario se forma en 1982 y desde entonces el equipo artístico y técnico ha
permanecido estable prácticamente en su totalidad. A lo largo de todos estos años el
repertorio de la Compañía ha sido muy diverso, caracterizándose sus últimos montajes por el
tratamiento de temas y autores clásicos en lengua castellana, por un lado, y, por otro, por la
puesta en escena de títeres de terror para adultos.
El repertorio clásico se inicia a finales de 1985 con un trabajo sobre las primeras piezas
cómicas del teatro castellano, que desemboca en el montaje estrenado en 1986 con el título
de Sobre Ruedas, a partir de los pasos de Lope de Rueda. Un año después se estrena
Pasión, que viene a inspirarse en el trayecto que, desde los misterios medievales hasta el
teatro religioso del Siglo de Oro, recorre la imaginería procesional barroca.
En 1989 la Compañía monta El Gran Teatro del Mundo, de Calderón de la Barca. Este
montaje supuso, por un lado, la revisión de un género tan particular como es el Auto
Sacramental, expresión genuina de la Contrarreforma y del Barroco español, y por otro, el uso
del verso como herramienta formal que configura todo el espectáculo.
Asalto a una ciudad (1991), de Lope de Vega, en versión de Alfonso Sastre, recupera para
nuestro repertorio una de las obras menos conocidas de Lope, aunque no por ello menos
vigente. La crítica antibelicista que contiene y los sucesos que describe en torno al asedio de
la ciudad flamenca de Maastrich, hacen que el espectador actual pueda realizar una lectura
próxima a la de los sucesos y a la coyuntura económica por la que pasa Europa en este
momento.
Amar después de la muerte (1993), de Calderón de la Barca, es también una obra poco
conocida pero que está a la altura de las mejores de Calderón. En ella se cuentan los amores
desgraciados entre dos moriscos inmersos en los conflictos étnicos y religiosos que tienen
lugar entre las comunidades cristiana y musulmana, años después de la toma de Granada por
los Reyes Católicos. Los desgraciados sucesos conducen a la guerra de La Alpujarra,
auténtica guerra civil, y a la expulsión de los moriscos de los reinos de España.
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Clásicos Locos (1994), es una recopilación de entremeses barrocos, más concretamente de
los denominados de figuras, cuyos personajes populares y estrafalarios se mueven en un
contexto cuya comicidad reside en la burla y en la trasgresión de las proporciones, la armonía
y el decoro. Nuestra antología, El timo del sombrero, de Francisco de Castro; El retrato
vivo, de Agustín Moreto; Los sordos, anónimo; El reloj y las figuras de la venta, de
Calderón de la Barca; Los poetas locos,, de Sebastián de Villaviciosa, y Las visiones de la
muerte, de Calderón de la Barca), ofrece una pintoresca galería de figuras agrupadas en
torno a enredos de carácter surreal, absurdo, loco, en el límite entre lo creíble y lo irreal, lo
que les aproxima a ciertas formas dramáticas contemporáneas como el teatro del absurdo y el
teatro dentro del teatro.
También en 1994 la Compañía estrena un montaje de marionetas: La maldición de Poe
(Tíiteres de Terror) basado en los relatos de Edgar Allan Poe y cuya técnica de manipulación
es el bunraku, en la que cada articulación de los muñecos es movida por actores -casi
invisibles en la frontera de la luz-. La historia que se cuenta es la de una pareja de amantes
adolescentes, Edgar y Annabel, que sufren un destino terrorífico y tratan de escapar de los
macabros juegos que la muerte inventa. Con este montaje el Teatro Corsario enriquece su
campo de trabajo a la vez que trata de diversificar la oferta teatral a programadores y público.
La vida es sueño (1995), de Calderón de la Barca, es el tercer montaje que el Teatro
Corsario realiza sobre este autor. El hecho de que la Compañía había adquirido cierto grado
de madurez tras más de diez años trabajando con los clásicos españoles les animó a ello, a
sabiendas de que se trata de una de las cumbres del teatro español y también una de las
obras más difíciles del repertorio clásico.
Coplas de la muerte (1997), no ha sido construido con un texto teatral determinado, sino a
partir de textos poéticos a caballo entre la Edad Media y el renacimiento: El Libro de Buen
Amor, del Arcipreste de Hita (escrito hacia 1340); la Danza de la Muerte, (finales del s. XIV), y
las Coplas por la muerte de su padre, de Jorge Manrique, (hacia 1478). Tres visiones sobre la
muerte complementarias que mostramos a través de una visión innovadora, en absoluto
arqueológica, a la luz de la simbología y de los signos escénicos propios de este fin de siglo
en el que tanto se ha enriquecido el desarrollo de la puesta en escena.
Vampyria (1998), es el segundo trabajo de marionetas de terror de la Compañía. A partir de
un texto de Jesús Peña, el montaje está inspirado en la literatura y el cine de vampiros.
Concebido como espectáculo para adultos, Vampiria se caracteriza por la acción trepidante,
los voluminosos muñecos y decorados, la amplitud del espacio escénico y la contundente
música compuesta para la obra.
Estrenada en el mes de febrero de 1999, Edipo Rey, de Sófocles, es la primera tragedia
griega que la Compañía lleva a la escena, en el convencimiento de que la vigorosa propuesta
de Sófocles conmoverá sin duda al público de hoy.
En abril del año 2000, se estrenó El mayor hechizo amor de Calderón de la Barca, en
coproducción con el Teatro Calderón de la Barca, de Valladolid. El texto es una mezcla de
formas teatrales y la puesta en escena sorprende tratando de dar acomodo a esta historia
mágica de Ulises y Circe. Es la recuperación de un texto que, como se ha podido comprobar,
agradece el público de hoy.
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En julio de 2001, y en el marco del Festival de Almagro, la Compañía estrena Titus
Andronicus de William Shakespeare, en lo que podríamos llamar su “bautismo
shakesperiano”.
El verano de 2002 conoció el estreno de Don Gil de las calzas verdes, de Tirso de Molina;
esto es, la incorporación al repertorio de la Compañía de la forma comedia en toda su
dimensión.
En diciembre de 2003 la Compañía estrenó su último trabajo, Celama, de Luis Mateo Díez,
dando un salto nuevamente hacia el teatro y las historias de ahora mismo.
En octubre de 2005 la Compañía abre una nueva línea de actuación con el estreno de La
Barraca de Colón, un texto de Fernando Urdiales en el que, mediante el recurso
escenográfico de una barraca de feria, desfila una troupe de artistas de circo y variedades,
marginales y defectuosos, que representan a su modo la vida del Almirante, aportando una
visión iconoclasta del héroe que nos acerca a su perfil más humano y a su faceta de
engañador engañado, de perdedor, en definitiva, que es la alegoría más común del héroe
contemporáneo.
El director
Fernando Urdiales nace en Valladolid en 1951, donde finaliza sus estudios de Medicina.
Desde los años setenta colabora como actor en el TEU de la Universidad de Valladolid, en el
Corral de Comedias, en Teloncillo y en el Teatro Estable de Valladolid. Su dedicación al teatro
se consolida con la creación del Teatro Corsario (1981), del que es fundador. A partir de este
año abandona la práctica de la medicina e inicia su trayectoria profesional en el teatro.
En el Teatro Corsario se hace cargo de la dirección escénica, dramaturgia, adaptaciones y
versiones y, diseño escenográfico.
A partir de 1986 inicia una serie de montajes de raíz clásica y popular como Sobre Ruedas,
basada en los Pasos de Lope de Rueda y Pasión, espectáculo inspirado en la imaginería
barroca castellana.
Ha recibido muchos reconocimientos, entre los que destacan la Medalla de Oro de Teatro
Provincia de Valladolid, en 1992, instituida por la Diputación Provincial de Valladolid; El
Premio Valladolid de Teatro por Coplas por la muerte, con el que fue finalista, en 1996, del
Premio a la mejor dirección escénica, de la Asociación de Directores de Escena de España;
el Premio Norte de Castilla” y Premio Ciudad de Palencia, a la mejor dirección-adaptación por
la puesta en escena de Edipo Rey.
Con Celama, una adaptación de la obra de Luis Mateo Díez, recibió varios premios tanto por
el montaje como por la adaptación.
El año pasado ha sido reconocido por la Junta de Castilla y León con con el Premio Castilla y
León de las Artes.
Ha impartido numerosos seminarios acerca de la puesta en escena de los clásicos españoles
y participa habitualmente en ciclos sobre el Siglo de Oro español. Es miembro de la
Asociación de Directores de Escena de España (A.D.E.) y de la Unión de Actores de Castilla y
León.
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Reparto
Doña Juana.
Don Martín
Doña Inés
Don Pedro
Doña Clara
Don Juan
Quintana
Carabanchel
Osorio
Don Diego
Alguacil
Don Antonio
Doña Valdivieso
Criados
Rosa Manzano
Pedro Vergara
Ruth Rivera
Jesús Peña
Mercedes Sáiz
Javier Juárez
Borja Semprún
Luis Miguel García
Jaime Rodríguez
Julio Lázaro
Luis Miguel García
Jaime Rodríguez
Teresa Lázaro
Manuel Alonso
Julio Lázaro
Teresa Lázaro
Ficha técnica
Escenografía
Vestuario
Iluminación
Tramoya
Ayudante de Dirección
Adaptación del texto
Música
Dirección
Fernando Urdiales
Lupe Estévez
Juan Carlos Andrés
Manuel Alonso
Javier Juárez
Fernando Urdiales
Javier Semprún
Juan Carlos Martín
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Apoteosis de la mentira
“Habitualmente, mis preferencias a la hora de elegir un montaje sobre un clásico español se
decantan por géneros diferentes al de la comedia. Considero que los argumentos y los hilos
de la trama de la mayoría de las comedias están sujetos en exceso a las convenciones del
decoro, de la retórica amorosa y al típico juego entre damas y galanes. En definitiva, se
trasladan con dificultad a una lectura dramatúrgica que tenga interés en la actualidad.
Don Gil de las calzas verdes, sin embargo, está entre la docena de comedias que, desde mi
punto de vista, se salvan de las objeciones antes mencionadas. En primer lugar, por sus
propias características argumentales y en segundo lugar por el peculiar estilo de su autor.
Tirso de Molina es, sin duda, el más mordaz, irónico y satírico de los dramaturgos del Siglo de
Oro. El escarnio con el que trata valores propios del género tales como el honor, el heroísmo,
la caballerosidad, así lo atestiguan.
En Don Gil todos estos valores se subvierten y la obra es un gran monumento construido
sobre la mentira, el engaño y el embrollo. Todos los personajes mienten en el ámbito de esa
Babel que es la corte madrileña. El amor es aniquilado por los intereses egoístas y avaros de
los padres sin escrúpulos, secundados por sus hijos, galanes casamenteros, no menos
avariciosos y egoístas que ellos. Como contraste, las mujeres, verdaderas protagonistas de la
obra, actúan con valentía, inteligencia y al margen de las cortapisas sociales.
El personaje protagonista (Doña Juana-Don Gil), defiende a lo largo de la comedia el derecho
a fabricar su propio destino, aun a costa de vengarse con saña de su burlador. Esta
“vengadora de las mujeres”, disfrazada de hombre, lleva a cabo sus propósitos en medio de
una trama cargada de situaciones picantes, casi inverosímiles, surreales. El embrollo
sustentado en un juego teatral extremo y apasionante cargado de suspense, hace que Don Gil
sea la máxima expresión de la “comedia de enredo”.
En definitiva, una comedia diferente, con ambiente urbano, en que Tirso coloca a sus
personajes en la impunidad casi clandestina de esa Babel que es la ciudad. Los ambientes
nobles, palaciegos o rústicos están ausentes. La comedia, a pesar de su potente aire de farsa,
se hace humana. Está presente en la calle. Su sabor grotesco nos recuerda la mediocridad de
los tipos, intereses y ambiciones de nuestros VIPS de hoy.
Además, el rompecabezas de la trama transita por situaciones límite plenas de comicidad que
hacen que sea una de las comedias más graciosas del repertorio clásico español”.
Fernando Urdiales
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