Download TEMA 3 segundo cuatrimestre

TEMA 3
LA MÚSICA CLÁSICA DESDE EL SIGLO XX
HASTA LA ACTUALIDAD. MÚSICA
CONTEMPORÁNEA. NUEVAS
TENDENCIAS COMPOSITIVAS.
EVOLUCIÓN Y CREACIÓN DE NUEVOS
INSTRUMENTOS. PRINCIPALES
COMPOSITORES
TERESA UGIDOS
LA MÚSICA VOCAL: (TEMA 2)
EL LIED
El Lied será la denominación genérica de la canción alemana.
LIED: composición para voz y piano donde el texto suele tomarse de obras de los
filósofos y poetas más importantes del momento (Schiller, Heine, Holderlein, etc) y
la música de piano adquiere la misma importancia que la letra.
Su estructura es variada:
*
Estrófica: A-A'-A".
*
Binaria y Tripartita: A-B-A
*
Lied Rondó: A-B-A-C-A
Autores:
-Schubert: es el más importante, tanto por el número de lieder (más de 600) como
por conseguir una unión perfecta entre la música y el texto.
https://www.youtube.com/watch?v=iJETtWr47PY
-Schumann: Tras el anterior, es el más importante, con más de 200 lieder.
Expresan por lo general los sentimientos amorosos del autor como podemos deducir
de los títulos de sus ciclos: "Amor y Vida de mujer" o "Amor de Poeta".
LA ÓPERA
Se convierte en uno de los grandes géneros con la capacidad de responder a las
diferentes necesidades de los autores
La Ópera en Italia
La ópera italiana va a ser la preferida de la burguesía de toda Europa
-Prima lo vocal sobre todo los demás aspectos.
-Cierta superficialidad.
-Virtuosismo vocal tanto en arias como recitativos y los dúos: "bel canto” :
malabarismo vocal. Supone el gusto de lo difícil por lo difícil para demostrar el
dominio técnico vocal.
-Las voces más apreciadas, por ser las más virtuosas, serán las agudas: tenores y
sopranos.
Dentro de la ópera italiana podemos diferenciar tres períodos:
1º Período: de transición entre finales del siglo XVIII y el Romanticismo. El artista
más representativo es Rossini (1792-1868)
https://www.youtube.com/watch?v=k9ZddMufCxk
Obras: Guillermo Tell y El barbero de Sevilla.
Otros autores serán:
Vivenzo Bellini (1801-1835): Norma y Los puritanos
Gaetano Donizetti (1797-1848) : LÉlisir d´Amore y Don Pascuale
2º Período: Guiseppe Verdi (1813-1901)
Supone el gran genio de la ópera italiana.
Características:
Arte espontáneo y natural, partiendo de una larga tradición operística italiana
Parte de temas de interés para el pueblo italiano, muchas veces relacionados con Il
Risorgimento: la exaltación del pueblo italiano para conseguir su unificación
Predominio de la voz humana sobre la orquesta.
Importancia del coro como en casi toda la ópera romántica
Obras: Nabucco, La fuerza del destino, Aida y Otelo...
https://www.youtube.com/watch?v=wX93BytFfkk
Verismo: corriente de finales de siglo
Se pretende exponer y representar la realidad tal como es. Se relaciona con el
Realismo literario y la influencia de Emile Zola. Por lo general los protagonistas son
gente humilde y la obra es casi un estudio psicológico de éstos.
El autor más representativo es Giacomo Puccini (1858-1924):
La orquestación es muy rica y compleja.
Sus melodías son de gran belleza y fuerza expresiva.
Obras: Tosca, Turandot o Madame Butterfly
https://www.youtube.com/watch?v=_HBcvE8PB6I
La ópera en Alemania
La ópera romántica en Alemania hunde sus raíces en el SINGSPIEL: obra dramática,
en alemán, con tema fantástico y partes cantadas y habladas.
Carl María von Weber (1786-1826)
Su obra El cazador furtivo, asentará las bases de la ópera Alemana:
- El uso de lo sobrenatural y maravilloso
- Grandes arias para los protagonistas y romances para los personajes menores
-Gran evolución armónica
RICHARD WAGNER (1813-1883)
- Se basa en la mitología alemana, época del sentimiento de nacionalidad alemana.
- Intento de Arte total, es decir, en que se den la unión de poesía, música, arquitectura,
literatura...
- La orquesta es el punto crucial de sus óperas, enriqueciendo el lenguaje musical con
nuevas armonías, cromatismos y timbres y creando la "música infinita".
- Invención del Leitmotiv: elemento orquestal que caracteriza, representa y anuncia a
los principales personajes. Es el elemento unificador de todas sus óperas.
Periodos:
- Tannhäuser.
-Tetralogía: El anillo de los nibelungos con cuatro partes: El oro del Rin, La Walkiria,
Sigfrido y El ocaso de los dioses.
https://www.youtube.com/watch?v=TAEQMp4soOw
La ópera en Francia
Grand Opera: obra de gusto naturalista y entretenido. Características:
- Profusión de efectos escénicos, danzas, vestuario ostentosos, etc...
-Temas suelen ser históricos o fantásticos
- Género preferido de la burguesíapor la ostentación.
Giacomo Meyerbeer: Los Hugonotes o Roberto el Diablo.
Ópera Lírica
Autores: Charles Gounod: Romeo y Julieta o George Bizet, que se opondrá a las
teorías wagnerianas como en Carmen, de ambiente español.
https://www.youtube.com/watch?v=KJ_HHRJf0xg
La Lírica en España
Hay dos corrientes para crear una ópera nacional:
- siguiendo la línea italiana: Ramón Carnicer, Hilarión Eslava y Vicente Cuyás.
– Línea propiamente española: Felipe Pedrell o Tomás Bretón (La Dolores).
No tuvieron éxito.
Así renace la Zarzuela.: Composición con partes cantadas y habladas, de temática
popular o castiza con un acto (Zarzuela chica) o con más de uno (Zarzuela grande).
- Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894) : El barberillo de Lavapiés.
https://www.youtube.com/watch?v=kotrDE7HOl0
- Tomás Bretón: La verbena de la Paloma.
- Ruperto Chapí: La Revoltosa.
-Federico Chueca LaGran Vía
https://www.youtube.com/watch?v=1YgKKQyKmrs
EL NACIONALISMO
Va a ser un medio de apoyar a los movimientos nacionalistas políticos, de
independencia o unificación
Características musicales
- Búsqueda de una identidad personal a partir de la música autóctona. Fuente de
inspiración: folklore.
- Huye de las formas convencionales.
-Recursos nuevos: escalas (pentafónicas), armonías (orientales) e instrumentos.
Rusia
País pionero gracias a su riqueza folclórica.
Precursores: Glinka y Dargomijski.
Autores de referencia: "Grupo de los Cinco" formado por Cui, Balakirev, Borodin
(El príncipe Igor, En las estepas del Asia Central), Mussorgsky (Una noche en el
Monte pelado, Cuadros para una exposición) y Rimski-korsakov (Scherezade,
Capricho Español)
https://www.youtube.com/watch?v=iIQFb9PRbmk
https://www.youtube.com/watch?v=Lh6mDL-VwYw
INTRODUCCIÓN
Por un lado vamos a encontrarnos nuevas músicas que utilizarán nuevos parámetros,
Por otro estarán los estilos conservadores, que mantienen la música del XIX
LOS CAMBIOS EN EL LENGUAJE MUSICAL
1.1. La melodía
Sigue siendo uno de los parámetros fundamentales.
Novedades:
- Prescinde de la búsqueda de la belleza formal y de la efusión lírica de los clásicorománticos.
- Evita la simetría y la repetición.
- Contiene amplios saltos interválicos dando origen a un contorno angular.
1.2. La armonía
Supone la ruptura con lo anterior:
-Gran uso de la disonancia
1.3.La tonalidad
-El concepto de tonalidad se va a diluir y se utilizarán los doce sonidos de la escala
cromática de manera libre.
También, se buscan nuevos recursos y con ello, se echa una mirada a las músicas
medievales y folklóricas donde se tienen otros conceptos de centro tonal.
Otras veces, se mezclan dos tonalidades diversas (bitonalismo) o varias
(politonalismo)
1.4. El ritmo
Es una de las grandes novedades del siglo XX que se inspirará en:
- Los propios ritmos de la vida moderna.
- La música extraeuropea y los ritmos primitivos a través del jazz.
- los ritmos libres del gregoriano o del motete medieval.
- Se tiende a no sujetar la obra al mismo ritmo, sino a un cambio continuo.
- El concepto de compás se diluye y el pulso pasa a un nuevo concepto.
- Nacen los polirritmos y los multirritmos.
1.5. La textura
Es otro de los elementos que cambian:
Por un lado hay autores recuperan el contrapunto de la época de Bach.
En otros primará la melodía y se buscará un sentido lineal
Otros utilizarán la textura en bloques e incluso músicas texturales
1.6. La orquestación
Huye del sonido de la orquesta romántica: se buscan nuevos timbres
Se introducen nuevos instrumentos, sobre todo en la sección de percusión.
Cada compositor diseñará una orquesta. Ya no es un conjunto definido.
La música electrónica contribuirá con nuevos sonidos
1.7. La forma
Será un aspecto muy importante para los compositores, pero donde cada compositor
creará sus propias formas.
2. LA MÚSICA DEL SIGLO XX HASTA LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL
2.1. Las primeras rupturas: Impresionismo
Toma el nombre del movimiento pictórico creado por un grupo de pintores .
Claude Debussy:
Usará una nueva visión de la melodía, la armonía y el ritmo
-La línea melódica se difumina.
- usará escalas diferentes a la Mayor o menor
-La disonancia se resaltará
El objetivo es crear “impresiones” sonoras en el oyente
Una de las principales fuentes de inspiración es la naturaleza
Autores:
Claude Debussy (1862-1918)
https://www.youtube.com/watch?v=-ip64cG7gK4
Maurice Ravel (1875-1937):
https://www.youtube.com/watch?v=GKkeDqJBlK8
Otros autores que, en algún momento mostrarán tendencias impresionistas son:
FAURÉ; DUKAS o D'INDY.
https://www.youtube.com/watch?v=HhiVuIRw4tM
2.2. Viena: El Atonalismo o Expresionismo
visión desesperada del mundo, que genera un lenguaje crítico, distorsionante y feo
de la realidad, como puede observarse en los cuadros de Munch y otros.
La figura principal: Arnold Schönberg (1885-1951).
aportará a la música europea uno de los mayores cambios: el Atonalismo:
- Nuevo concepto de armonía que niega las leyes tradicionales. Todas las notas son
iguales, se pueden relacionar libremente, es decir, no hay unas notas más
importantes que otras.
- presencia continua de la disonancia.
-Melodía es libre; no tiene lógica armónica. Está compuesta de saltos muy grandes.
-La música no se somete a ninguna forma.
- Música con carácter de fatiga, dolor y tensión
El público no recibirá bien estas obras y se comienza a asistir al divorcio entre
creador y público.
Las obras más características de este período son: Tres piezas para piano, Op. 11,
Cinco piezas para orquesta, Op. 16, sus pequeñas óperas Erwartung y, la obra
cumbre del Expresionismo, Pierrot Lunaire.
https://www.youtube.com/watch?v=bd2cBUJmDr8
3. LA MÚSICA DESDE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL:
3.1. El Neoclasicismo
No busca una ruptura con el XIX, sino que buscan una música expresamente
agradable y aceptable por el público:
Características:
La búsqueda de la belleza externa
La vuelta a las formas barrocas y clásicas: concierto, sinfonía, suite, tocata, etcétera.
Huida del cromatismo wagneriano.
Igor Stravinski (1882-1971),
Sus primeras obras están influidas por los nacionalistas rusos. Pronto
experimentará con el ritmo, armonía, melodía, etc. En obras tempranas, como El
pájaro de fuego, Petruchska y, sobre todo, la revolucionaria La Consagración de la
primavera (1913), explora muchas de las facetas de la modernidad mencionadas.
Una de sus grandes influencias será el Neoclasicismo.
https://www.youtube.com/watch?v=nFNl6D75Jxo
El Neoclasicismo influirá en muchas músicas:
En Francia, inspiró la música del «Grupo de los Seis»: Erik Satie (1866-1925):
https://www.youtube.com/watch?v=oOTpQpoHHaw
En España, la denominada Generación del 27: Manuel de Falla (1876-1946)
https://www.youtube.com/watch?v=yqZCTfHkVbA
También el JAZZ influirá en el Neoclasicismo: El uso de síncopas y polirritmias
George Gershwin (1898-1937)
https://www.youtube.com/watch?v=uj158c_4e0M
3.2. Francia y Alemania: la música utilitaria
Francia:
Los músicos franceses no solo reaccionarán contra la música romántica, sino también
contra el Impresionismo.
Se constituye un grupo llamado de «LOS SEIS», integrado por Milhaud, Auric,
Honegger, Tailleferre, Poulenc y Durey. Están patrocinados por Erik Satie;
Honegger: compone una obra donde se ve la influencia del maquinismo moderno,
Pacific 231, que describe el sonido de una locomotora.
https://www.youtube.com/watch?v=svFA-m62iks
Francis Poulenc, son importantes sus obras religiosas.
https://www.youtube.com/watch?v=e2ubBODy4N0
Alemania:
«música utilitaria»: lenguaje que entienda el pueblo y sea utilizable.
Kurt Weill, que colabora con el dramaturgo Bertolt Brecht.
https://www.youtube.com/watch?v=SHFXEPYU0FQ
Carl Orff, destaca su música de carácter pedagógico y rica rítmicamente, como se ve
en Carmina Burana.
https://www.youtube.com/watch?v=GRjyxr1ysKw
El Dodecafonismo
La teoría dodecafónica fue inventada por Arnold Schónberg con la obra Cinco
piezas para piano (1923). Él mismo lo definió como composición con doce sonidos
sin relación entre ellos, es decir, un sistema de componer partiendo de los doce
sonidos de la escala cromática estableciendo una serie. Esta «serie original» sería
como el tema a partir del que se construye sufrirá las siguientes variaciones:
La retrogradación.
La inversión.
La retrogradación de la inversión.
El resultado sonoro se parece a que hemos denominado Atonalismo;
Al ser todas las notas iguales, se pueden relacionar libremente sin que haya unas
más importantes que otras.
Ello lleva a la presencia abundante de la disonancia.
La melodía es libre; no tiene lógica armónica.
Se crea una música de claro carácter melódico y no armónico.
Esta revolución iniciada por Schönberg, fue seguida por dos de sus alumnos, Alban
Berg y Anton Webern. Así se creará la ESCUELA DE VIENA.
Obras:
https://www.youtube.com/watch?v=0mrhmaHv4ZQ
Las obras de estos autores se imponen con dificultad en los auditorios del siglo XX,
pero que marcan definitivamente la música, puesto que fue seguida por números
discípulos en todo el mundo.
3.4.Los lenguajes independientes y los nacionalistas nuevos
No podemos considerar corriente, sino autores.
Charles Ives (1874 1954): el primer músico que desarrolla una actividad musical
de gran originalidad, sobre todo rítmica; en su England symphony superpone dos
marchas distintas, con ritmos diferentes.
https://www.youtube.com/watch?v=1MMkP3aZIxw
Edgar Varése (1883-1965): aporta grandes novedades en la experimentación
con el ritmo y con la orquesta, sobre todo en los instrumentos de percusión.
https://www.youtube.com/watch?v=a9mg4KHqRPw
https://www.youtube.com/watch?v=cCFk0f8szes
Serguei Prokofiev (1891-1953): que crea un lenguaje orquestal muy personal
https://www.youtube.com/watch?v=p5jL6Ma9tvk
Dimitri Shostakovich (1906-1975): en un principio seguidor del régimen
comunista, la ópera Lady Macbeth, fue duramente criticada por «Pravda». La
Quinta sinfonía, estrenada el año siguiente, era como el canto de arrepentimiento.
https://www.youtube.com/watch?v=MZ9l_VQBJ5Y . 12´45´´
https://www.youtube.com/watch?v=0FF4HyB77hQ
Nacionalismo vanguardista
Béla Bartók (1881-1945): marcará la música mundial con sus innovaciones.
Usará el folklore de su tierra uniendo la música moderna con la tradicional.
Se dedica, en compañía de Kodaly, a estudiar el folclore.
https://www.youtube.com/watch?v=rFsvgYmSDeM
https://www.youtube.com/watch?v=E_XNfKk-Qbs
LA MÚSICA DE LAS VANGUARDIAS
La Segunda Guerra Mundial dejó a Europa destrozada, por lo que las artes en
general sufrieron una fuerte conmoción. Surgen nuevos caminos expresivos, un
nuevo espíritu experimentador que hace que a partir de 1945, hablemos de
«vanguardia», mientras que hasta entonces sólo se hablaba de «modernidad».
LOS PRIMEROS MOVIMIENTOS DE LA POSGUERRA:
1. Muchos compositores europeos buscaron nueva vida en Norteamérica, que pasa a
ser el gran centro de la actividad musical.
2. Las interrelaciones y movimientos son más rápidos.
3. El compositor viaja a todos los lugares del mundo presentando e interpretando su
propia música.
4. La superindustrialización, concretamente la electrónica, deja sus huellas en la
música.
5. La mezcla de estilos: serialismo, indeterminación, música textual, minimalismo,
música étnica, música ambiental, neotonalidad, produjeron una situación frecuente
de crisis entre los autores.
4.1. Los movimientos de los cincuenta:
La música electrónica, al igual que la concreta, se hace en laboratorio.
Música concreta:
Se define por ser la producida por cualquier objeto.
Pierre Schaeffer, su inventor, defiende la música producida por objetos concretos y
no por los abstractos, que serían los instrumentos tradicionales.
Una vez recogidos los sonidos en cintas magnetofónicas, los elabora con todo tipo de
trucos, de tal forma que se desnaturalizan y conformen una nueva realidad sonora.
Pierre Henry: Sinfonía para una puerta y un suspiro.
https://www.youtube.com/watch?v=XJq3jItducg
https://www.youtube.com/watch?v=DEDE0oMFP40
Música electrónica:
Aquélla en que se utilizan solamente sonidos producidos electrónicamente: Los
producidos por sintetizadores o aparatos electrónicos.
El primer concierto tiene lugar en Darmstadt (1951). Uno de los autores más
importantes será: Karlheinz Stockhausen, que compone en 1953 el Estudio 1 y
otras muchas obras, como Estudio 11 y el Canto de los adolescentes.
https://www.youtube.com/watch?v=2IgtbuetWjA
Surgió una música de la mezcla de ambos: la «MÚSICA ELECTROACÚSTICA».
Autores: Luciano Berio, con Mutaziones, y Bruno Maderna, con Nocturno
https://www.youtube.com/watch?v=E0TTd2roL6s
Tenemos, además, la MÚSICA DE ORDENADOR Y CIBERNÉTICA, en la que
destacan los norteamericanos Illiac e HiIler, y el francés Pierre Barbaud.
4.2. El serialismo integral o el ultrarracionalismo
Se organizan y serían otros parámetros además de la altura: SERIALISMO INTEGRAL
La duración (las secuencias métricas y rítmicas).
La intensidad (las dinámicas serialmente ordenadas).
EI timbre (valores tímbricos ordenados serialmente).
Autores:
Olivier Messiaen (1908-1992).
Destacan su estudios de ritmos partiendo del canto de los pájaros, y de las riquezas
rítmicas de la música de la India.
Obras: Modos de valor e intensidad (1949); Turangalila y Pájaros exóticos.
Destacan sus obras para órgano: El banquete celeste, Aparición de la Iglesia eterna.
https://www.youtube.com/watch?v=jXxmvsllhCg
https://www.youtube.com/watch?v=PkGEt8iClRE
Pierre Boulez: El martillo sin dueño.
Stockhausen: Kontrapunkte.
Luciano Berio: Serenata
Bruno Maderna: Música sue due dimensioni
Luigi Nono: ll canto sospeso.
4.3.La música aleatoria o la indeterminación
Como contraposición, surge en Norteamérica la música aleatoria:
Aquélla en la que el autor no escribe o determina la música que hay que tocar, sino que
los músicos -en el momento de ejecutar la- tienen, diríamos, que inventar o completar
la partitura. Por ello tiene un carácter antirracionalista dependiente del azar.
John Cage:
Búsqueda de nuevos materiales sonoros.
Invento de nuevos sistemas de escritura musical, para adaptar a su música.
Concepción de cada unidad del sonido como independiente: no deriva de los que le
preceden o siguen y, por ello, sin propósito ni conexiones con otros.
Obras: Construction, realizada con objetos no convencionales; Paisajes imaginarios
con curiosos recursos eléctricos.
https://www.youtube.com/watch?v=pUTXNxFvjDw
Otros autores: Morton Feldman, Earle Brown y Christian Wolff
Indeterminación:
Esta corriente sirvió para dulcificar el Serialismo, e incluso para introducir ciertos
métodos aleatorios en la interpretación de las obras.
Stockhausen: Pieza para piano XI: permitía que los 19 fragmentos de que constaba
fuesen tocados en un orden u otro, según los impulsos del intérprete.
Boulez también uso estos métodos en obras como Sonata para piano n.° 3,
Estructures ll o Pli selon Pli.
5. EL POSTSERIALISMO
A partir de mediados de los años cincuenta del siglo XX, se inician vías diferentes:
5.1. Música grupal
La obra de Stockhausen, Gruppen da nombre a esta técnica donde la textura es el
centro. A este autor le siguen:
Krystof Penderecki: Lamento por las víctimas de Hiroshima (1960), para
cincuenta y dos instrumentos de cuerda o Atmósferas. Allí lo que importa son las
masas, los grupos de sonido o clusters, sin importar conceptos como melodía, etc.
La obra de Penderecki tiene una fuerte carga de religiosidad: Stábat Máter y, Pasión
según San Lucas (1963), de una importancia trascendental
György Ligeti: con obras como Atmosphères o Luz Aeterna
https://www.youtube.com/watch?v=JWlwCRlVh7M
5.3. Citas y colages
Surge en los años 60 y se basa en el uso de citas de la música tonal tradicional en las
nuevas composiciones. Son usadas como objetos externos, que se elaboran, se
distorsionan y se usan a lo largo de toda la obra.
Autores:
Alois Zimmermann, Luciano Berio, Lukas Foss, H. Werner Henze.
Una variedad de esta corriente es el empleo del rock, jazz y músicas populares; sobre
todo, el rock progresivo. La música clásica de concierto y el rock se influyeron
mutuamente; quizá el mejor símbolo de ello sea Frank Zappa.
https://www.youtube.com/watch?v=B9DqykUsqRY
pero también Tierry Riley, Philip Glass, Glenn Branca y Laurie Anderson.
https://www.youtube.com/watch?v=6kjBZJ1-bok
También esas citas se producen con el jazz y las músicas populares, por ejemplo en
Leonard Bernstein y, en general, los compositores de musicales americanos.
https://www.youtube.com/watch?v=xxb7yNG0DGc
5.4. Minimalismo y nueva tonalidad
Como es lógico, esta tendencia es una reacción a la complicación de la música
contemporánea y, también, a la huida de buena parte del público. Su meta es
componer una música más sencilla y directa. Parte de los siguientes presupuestos:
Sencillez de medios y estructuras.
Uso de nuevo de la tonalidad de una manera estática y repetitiva.
Ritmos repetitivos y aditivos.
Uso de temas bellos, transparentes y con una textura clara.
En su inicio, esta tendencia parte de nuevo de Norteamérica, movida por una serie de
jóvenes músicos:
Tierry Riley compone una música unida ya modelos repetitivos, como se ve en
obras tales como Keyboard Studies (1963) o In C (1964).
https://www.youtube.com/watch?v=QE2CEh66gTg
Philip Glass se ha hecho muy famoso fundamentalmente a través de sus óperas
Einstein en la playa, Satyagraha y Akhnaten; todas de gran éxito popular. También,
de sus músicas repetitivas que han invadido exitosamente el mundo de la música de
masas.
https://www.youtube.com/watch?v=kDmfNsSI1ao
EL JAZZ
6. EL JAZZ. ORIGEN Y EVOLUCIÓN
Es una forma de expresión musical nacida hacia 1900 en Estados Unidos. Es la
síntesis musical del encuentro de dos comunidades a lo largo de trescientos años: la
comunidad procedente de África y la europea, instalada en América del Norte.
6.1. ANTECEDENTES:
En el siglo XIX la religión cristiana fue impuesta a los esclavos que encontraron en la
música una forma de expresión y liberación de su situación. Estos cantos corales,
salmos dieron lugar al GOSPELL.
Por otra parte, las canciones de plantación, baladas y otras formas de expresión
popular dieron lugar al BLUES: música que usa una estructura de doce compases
que utiliza las llamadas “bllue notes”, alteraciones de la tercera y séptima notas de la
escala. Del Blues se destaca la expresión: “Blues is a feeling”
En 1870, en Saint Louis nace un estilo pianístico: RAGTIME: superposición de un
ritmo regular tocado con la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la
mano derecha. Su origen está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a
sus amos.
https://www.youtube.com/watch?v=Q6WDci6ewok
6.2. CARACTERÍSTICAS:
Superposición de ritmos regulares e irregulares con la utilización de notas a
contratiempo y síncopas
La improvisación
6.3. INSTRUMENTOS
Los que marcan el ritmo:
Batería
Contrabajo
Melódicos:
Piano
Trompeta
Saxofón
Bajo/guitarra
6.4. AGRUPACIONES
Existen muchos tipos, pero las más comunes son:
- TRÍO: dos instrumentos rítmicos (batería y contrabajo) y uno melódico (piano o
guitarra)
- CUARTETO: se añade al trío un instrumento de viento: trompeta o saxofón
- BIG BAND: las más comunes cuentan con una sección de ritmo (piano, contrabajo,
batería y guitarra) y otra de viento (saxofones, trompetas y trombones)
6.5. EVOLUCIÓN Y ESTILOS
https://www.youtube.com/watch?v=tw7y_8tnMgA
NUEVA ORLEANS
La música aún guarda mucha relación con la música de pasacalle y con el ragtime
Tras la clausura del barrio Storyville por prostitución y juego, los músicos emigran a
Nueva York y Chicago
https://www.youtube.com/watch?v=ohOVX6CMm4A
AÑOS 20: NUEVA YORK Y CHICAGO
Louis Armstrong será su representante más popular. Consiguió que el jazz diera un
salto en su evolución al imponer la expresión personal del solista frente a la
improvisación colectiva.
Época de esplendor de las grandes orquestas :Duke Ellington
LOS AÑOS DE DEPRESIÓN
->consecuencia :desplazamiento a Europa en busca de trabajo. Enseguida lograron
gran éxito.
Los músicos europeos crearán sus propias bandas
LA ERA DEL SWING
En 1923 se deroga en EEUU la prohibición del alcohol. Esto unido al éxito de
músicos blancos como Glenn Miller hace que el jazz deje de ser algo marginal.
A mediados de los años 30, se considera el gran florecimiento: “mainstream”. Época
intermedia entre el jazz tradicional y el jazz moderno. Aquí surgen grandes cantantes
como Billie Holiday y Ella Fitzgerald.
JAZZ TRAS LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
BEBOP: C.Parker y D.Gillespie vuelven a los orígenes.
Época de Miles Davis con la trompeta o de Ella Fitgerald y su técnica de “scat”
hythm and blues vivirá un momento de explendor: Ray Charles o Chuck Berry.
https://www.youtube.com/watch?v=yiKF_5XoapQ
LOS AÑOS CINCUENTA
COOL JAZZ: supone una música más lírica. Es un movimiento amplio que abarca
desde el “jazz de cámara” hasta la música más intimista de Miles Davis.
https://www.youtube.com/watch?v=5dolybUlRhU
LOS AÑOS SESENTA.
Aparece la primera casa discográfica dirigida por un negro, la Tamla Motown,
lanzando numerosas estrellas del rhythm and blues y el soul como Aretha Frnaklin
Aparece el free jazz radical alteración de los principios musicales del jazz
LOS AÑOS SETENTA.
Desaparecen las grandes figuras y los jóvenes se vendían al rock. Surgen nuevas
formas como la “salsa” neoyorkina, heredera de la tradición afrocubana e
impregnada de influencias del jazz y del solud o el funk
VUELTA A LOS ORÍGENES Y NUEVAS PERSPECTIVAS
Los años 80 : El jazz recibía apoyo institucional. Seguía siendo una música
minoritaria, pero con un público consolidado.
Los años 90: numerosas corrientes dispersas: recuperación del bebop, el “revival”
del soul, aparición de nueva bandas al más puro estilo de Nueva Orleans… y toda la
FIN