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Mentira la verdad
Tercera temporada
Capítulo 5: El arte
Filosofía
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Estamos acostumbrados a tener una particular
mirada sobre el mundo y, en ocasiones, nuestra forma de pensar nos parece inobjetable. Sin
embargo, ¿qué sustenta nuestras ideas? ¿Hay
una sola forma de pensar la realidad?
Con el discurso filosófico como aliado, Darío
Sztanszrajber desafía el sentido común y pone
en tensión diferentes supuestos en torno a la
política, la angustia, lo religioso, entre muchas
otras problemáticas filosóficas más.
Introducción
¿Cómo definir el arte en tiempos en que la estética configura el modo en que se manifiestan todas las cosas? ¿Cómo pensar el arte en un período en que la mercancía
misma –es decir, aquello que consumimos– pretende atribuirse los rasgos que tradicionalmente identificábamos con una obra de arte como, por ejemplo, la belleza? ¿Y
cómo distinguir la producción artística en contextos donde las publicidades se apropian de las técnicas que eran propias del arte de vanguardia?
Tras las reconstrucción de las distintas perspectivas filosóficas y artísticas que definieron el arte como mímesis, como expresión, como producción de belleza o como
ruptura, este capítulo retoma estas preguntas y reflexiona acerca de las condiciones
de posibilidad del arte en las sociedades contemporáneas, bajo la hipótesis de que
el arte, en la medida en que no sea exclusivamente identificado con la experiencia
estética, puede conservar su potencialidad crítica en contextos donde el reinado de
la mercancía hace creer que lo único que “vale” es aquello que es considerado “útil”.
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Actividades
Ciencias Sociales - Filosofía / Nivel Medio - Nivel secundario
Contenido del capítulo
Capítulo 5: El arte
Arte y experiencia estética: una identificación problemática. La estetización de la existencia como rasgo característico de las sociedades
posmodernas. Alcances y límites de las distintas definiciones históricas
del arte: el arte como mímesis, el arte como expresión, el arte como
producción de belleza y el arte como ruptura. Dilemas del proyecto vanguardista: entre la conciliación del arte y la vida, y la marginalidad o la
refuncionalización mercantilista del arte. Danto y la definición “contextualista” del arte. La tesis del “fin del arte” y sus potenciales consecuencias críticas.
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ACTIVIDADES DE SISTEMATIZACIÓN DEL CONTENIDO
El arte no tuvo siempre la misma función social. Walter Benjamin
señalaba en un ensayo célebre, “La obra de arte en la época de su
reproductibilidad técnica” (1936), que, en la Modernidad –y más
específicamente, con la aparición de nuevos modos de producción
artística como, por ejemplo, el cine–, el arte y las obras consideradas “artísticas” comenzaban a perder su “aura”. ¿Qué significaba esta tesis? Básicamente, que el arte comenzaba a dejar de ser
apreciado a partir de su “valor cultual”, esto es, que el arte dejaba
de ser expresión de algún principio considerado “sagrado” o “absoluto”, para convertirse en un “valor de uso”, capaz de cumplir
funciones diversas según el tipo de apropiación de la obra de arte
por parte del público, las masas modernas.
Esta tesis de Benjamin puede ayudarnos a pensar algunas ideas
desarrolladas en este capítulo. Antes de la Modernidad, el arte tenía como fin expresar aquello que una sociedad consideraba como
parte de su propia ley, ya sea humana o divina. Esto quiere decir
que el arte estaba, a su modo, subordinado a la política y
a la religión de su tiempo: basta con pensar a los artistas que
pintaban a reyes o escenas divinas, o incluso las tragedias griegas, que aleccionaban a los ciudadanos acerca de las calamidades
que podían desatarse cuando los hombres incurrían en hybris, es
decir, cuando actuaban de manera “desmesurada” (atribuyéndose
rasgos de dioses) y transgredían las leyes de la polis. El “aura” de
la obra de arte, en este contexto, estaba ligada al hecho de que
expresaba o vehiculizaba sentidos considerados “sagrados”.
En la Modernidad, en cambio, y dentro de lo que –como vimos
en el capítulo sobre lo religioso– el sociólogo Max Weber ha denominado como un proceso de “desencantamiento del mundo”, el
arte se liberó de la función social de transmitir algo ligado
a lo sagrado, justamente, en un contexto donde –como señalaba
Nietzsche en El ocaso de los ídolos– “los dioses han huido”. Al liberarse de esta función social, se suele decir que el arte se “auto-
nomizó”. ¿Qué significa esto? Que son las propias instituciones
artísticas –en la que participan los propios artistas, pero también
los críticos e instituciones ligadas al mercado o al Estado como,
por ejemplo, las editoriales o los museos quienes van a definir
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qué es el arte, y las que, a través de estas definiciones, intentarán
repensar una nueva vinculación entre arte y sociedad. Pensemos,
por ejemplo, en los concursos que se organizan para seleccionar
la mejor novela del año: allí en general participan otros artistas,
críticos, editores ligados al mercado, o también agentes estatales,
quienes deliberan siguiendo criterios, por ellos mismos legitimados, sobre qué es el arte, qué obra merece ser destacada como
“bella”, etc. Es decir, ya no es una institución que pretenda representar una “instancia trascendente” –por ejemplo, el rey o la
Iglesia– la que legitima la obra, sino criterios –muchas veces enfrentados– decididos por una serie de instituciones sociales que
buscan definir qué es el arte, qué obra debe ser consagrada y a
quiénes se les reconoce el atributo de ser un “artista”.
Es en este contexto donde el arte se convierte en un espacio diferenciado de otras esferas, pero al mismo tiempo se torna un espacio problemático. En efecto: ¿cuáles son los criterios para considerar una obra artística? ¿Por qué “estos” criterios y no “otros”?,
¿por qué asociar el arte, por ejemplo, con lo bello? ¿Y qué es lo
bello? ¿Es completamente cierto que el arte es autónomo si en la
definición del arte participan actores con intereses en el mercado
o en el Estado, es decir, con intereses que no necesariamente son
“artísticos”? ¿Cómo hablar de autonomía si, por ejemplo, el artista debe vender, como otro trabajador, su trabajo al mercado? Por
otra parte: ¿la autonomía contribuye a potenciar la obra artística
o, por el contrario, hace que la obra de arte se disocie de la vida
cotidiana?
Estos son algunos de los problemas que aparecen asociados con
el arte a partir de la Modernidad. A lo largo del capítulo, las distintas definiciones del arte que se presentan pueden considerarse
como intentos de dar cuenta de estos problemas. Son problemas
relativos a la autonomía del arte, pero también se relacionan con
la crisis de la autonomía del arte en tiempos de la posmodernidad, en la que el mercado busca expandir su alcance apropiándose de mecanismos atribuidos, paradójicamente, al arte.
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Para pensar estos problemas, sugerimos que los estudiantes respondan en
grupo las siguientes consignas:
1) El capítulo comienza con una pregunta que apunta al público: “¿Qué es y
qué no es arte?”. Sugerimos que los estudiantes expongan sus ideas previas
sobre el arte, es decir, que intenten una definición del arte y que expresen
un ejemplo de una obra de arte y de un objeto que, aunque parezca artístico, no lo sea en virtud de la definición ofrecida.
2) Para pensar una definición del arte, Darío advierte al inicio que dicha
tarea se complica “si asociamos el arte a nuestras experiencias estéticas”
(1:35). ¿Por qué? ¿Cómo es definida la experiencia estética?
3) La estética, en el sentido estrictamente filosófico, es un área de la filosofía que reflexiona acerca de las condiciones de posibilidad de la belleza.
¿Cuál es el origen etimológico del término y por qué esta área de la filosofía
se ha volcado a reflexionar sobre el arte?
4) Durante el capítulo, se ve que el arte parece, en la actualidad, en tensión
con dos fenómenos: la estetización de la existencia y la mercantilización
de las relaciones sociales, lo que incluye las relaciones sociales mediadas
por el arte.
a) Recomendamos que los estudiantes expliquen cada uno de estos fenómenos tal como aparecen desarrollados en el capítulo.
b) La tensión del arte con la estetización de la existencia y con el fenómeno de la mercantilización de las relaciones sociales no solo es un
tema del capítulo explicitado por el discurso del locutor, sino que se revela en las tensiones entre los personajes. Sugerimos que los estudiantes
expliquen cómo estas tensiones se manifiestan en las relaciones entre
Romina, Darío y Grinberg.
5) Darío sugiere que hay una relación estrecha entre la posmodernidad y la
estética: “Nuestras sociedades, que algunos llaman posmodernas, se caracterizan por haber hecho de la estética un valor determinante. Lo estético se
ha vuelto el lugar de acceso a cualquier experiencia” (03:08). Y agrega más
adelante (3:51): “Vivimos tiempos donde la distinción entre la imagen y su
contenido se difumina. La imagen dejó de ser algo aparente para convertirse en lo real mismo”.
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Sugerimos que los estudiantes propongan ejemplos de la vida cotidiana en
los que se verifica esa relación.
6) A lo largo del capítulo, se ensayan diversas definiciones del arte y se
señalan algunas de las limitaciones o problemas que generan esas definiciones. Proponemos que los estudiantes completen el siguiente cuadro para
comprender los debates que ha suscitado la pregunta “¿Qué es el arte?”. En
algunos casos, completamos los casilleros para facilitar la reconstrucción
de ideas y argumentos.
Definición del arte
Explicación de la definición Críticas a esta concepción
y ejemplos
del arte
El arte como
1. ¿Pintamos la realidad o la
mímesis (imitación)
idea de la realidad que imaginamos? Según Platón, en
verdad la mímesis hace aparecer como real algo que sin
embargo es aparente.
2.
3.
El arte como
El arte no expresa la reali- 1.
expresión
dad, sino estados de ánimo
del artista, su forma de per- 2.
cibir el mundo; en síntesis, la
riqueza del mundo subjetivo.
1. ¿Cómo definimos la belleza?
2. ¿Solo lo bello es susceptible
de convertirse en arte? Y viceversa: ¿todo lo que es bello
es, por eso mismo, artístico?
El arte como
ruptura y como
choque (arte
vanguardista)
El arte es aquello que resis- 1.
te, que propone una ruptura
con el orden establecido, que
busca la transformación, no 2.
solo de las formas artísticas,
sino también del mundo.
El objetivo principal de las
vanguardias es reconectar el
arte con la vida misma.
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7) Teniendo en cuenta estas definiciones del arte, proponemos que los estudiantes señalen cuáles son los presupuestos estéticos del discurso de Marina, la artista de “Arteterapia”.
8) Del mismo modo, a la luz de estas definiciones del arte, sugerimos que
los estudiantes reflexionen y revisen la definición que habían ofrecido en el
primer punto.
•
•
¿A cuál de estas definiciones del arte se asemeja su concepción inicial?
¿Siguen pensando lo mismo o creen necesario revisar sus concepciones previas? ¿Por qué?
9) Uno de los problemas que aparece ante la dificultad de conseguir algún
consenso sobre aquello que es arte es el relativismo: dado que todo puede
ser considerado arte, entonces nada lo es específicamente. ¿Cómo intenta
resolver este dilema el crítico de arte Arthur Danto según Darío?
10) ¿Qué significa la tesis de Danto que sostiene que “el arte ha muerto”?
¿Por qué Darío concluye que, lejos de ser apocalíptica, esta tesis puede resultar productiva para conferir al arte un rol relevante en la crítica a las
sociedades en las que prima la mercantilización de las relaciones sociales?
ACTIVIDADES DE INVESTIGACIÓN Y PROFUNDIZACIÓN
11) Sugerimos que los estudiantes indiquen, para cada pintura, cuál de las
concepciones del arte –entre las vistas en el cuadro– las reivindicaría como
obras de arte ejemplares y por qué.
Manifestación. Antonio Berni (1936)
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Guernica. Pablo Picasso (1937)
Tres pares de zapatos. Vincent van Gogh (1886)
La Gioconda. Leonardo da Vinci (1517)
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12) Una de las vanguardias artísticas más radicales fue el dadaísmo, un movimiento cultural que nació en Suiza y se expandió por Europa entre 1916
y los años veinte. Como argumenta Peter Bürger en Teoría de la vanguardia,
las vanguardias no pretendían meramente poner en cuestión las técnicas
artísticas vigentes para reemplazarlas por otras más novedosas, sino que
buscaban destruir la “institución arte”, es decir, la serie de instituciones
que convertían al arte en una esfera disociada de la vida cotidiana como,
por ejemplo, los museos, que tienen la función de delimitar cuáles son las
obras consideradas artísticas –las que están dentro del museo– de todo lo
que ocurre fuera del museo, es decir, la vida misma. Las vanguardias históricas, por ende, no reclamaban el título de “artísticas”, porque justamente
buscaban, en sus versiones más radicales, “destruir” el arte.
A continuación, transcribimos el séptimo manifiesto dadaísta. Sugerimos
que los estudiantes respondan las consignas que se agregan después del
texto:
PARA HACER UN POEMA DADAÍSTA
Coja un periódico.
Coja unas tijeras.
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle
a su poema.
Recorte el artículo.
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que
forman el artículo y métalas en una bolsa.
Agítela suavemente.
Ahora saque cada recorte uno tras otro.
Copie concienzudamente
en el orden en que hayan salido de la bolsa.
El poema se parecerá a usted.
Y es usted un escritor infinitamente original y de una
sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo.
Consignas:
a) Este manifiesto cuestiona ideas centrales de la “institución arte”
como, por ejemplo, la idea de que el artista es un genio, es decir, una
figura única capaz de producir, por este motivo, una obra “original”. ¿Por
qué? ¿De qué modo aparecen cuestionadas en este manifiesto las ideas
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de “autor” y de “obra de arte”?
b) En este manifiesto aparece un procedimiento distintivo de las vanguardias: el montaje. ¿En qué consiste este procedimiento? ¿Se trata de
un procedimiento según reglas o según el azar?
c) ¿De qué modo puede encontrarse, en este manifiesto dadaísta, uno
de los objetivos fundamentales de las vanguardias históricas, a saber, el
intento de reconectar el arte con la vida?
d) ¿En qué sentido se le puede aplicar a este manifiesto una de las críticas que Darío enumera contra las vanguardias? ¿Cuál de esas críticas?
e) Finalmente: ¿creen que un poema dadaísta es un “poema”?
13) A continuación, transcribimos un fragmento de Historia de cronopios y
de famas (1962), de Julio Cortázar. ¿Puede considerarse vanguardista este
pasaje? ¿Guarda alguna relación con el manifiesto dadaísta de la consigna
previa?
INSTRUCCIONES PARA SUBIR UNA ESCALERA
Nadie habrá dejado de observar que con frecuencia el suelo se pliega de manera tal que una parte sube en ángulo recto con el plano del suelo, y luego la
parte siguiente se coloca paralela a este plano, para dar paso a una nueva
perpendicular, conducta que se repite en espiral o en línea quebrada hasta
alturas sumamente variables. Agachándose y poniendo la mano izquierda
en una de las partes verticales, y la derecha en la horizontal correspondiente, se está en posesión momentánea de un peldaño o escalón. Cada uno de
estos peldaños, formados como se ve por dos elementos, se sitúa un tanto
más arriba y adelante que el anterior, principio que da sentido a la escalera,
ya que cualquier otra combinación producirá formas quizá más bellas o pintorescas, pero incapaces de trasladar de una planta baja a un primer piso.
Las escaleras se suben de frente, pues hacia atrás o de costado resultan
particularmente incómodas. La actitud natural consiste en mantenerse de
pie, los brazos colgando sin esfuerzo, la cabeza erguida aunque no tanto
que los ojos dejen de ver los peldaños inmediatamente superiores al que se
pisa, y respirando lenta y regularmente. Para subir una escalera se comienza por levantar esa parte del cuerpo situada a la derecha abajo, envuelta
casi siempre en cuero o gamuza, y que salvo excepciones cabe exactamente
en el escalón. Puesta en el primer peldaño dicha parte, que para abreviar
llamaremos pie, se recoge la parte equivalente de la izquierda (también
llamada pie, pero que no ha de confundirse con el pie antes citado), y lle-
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vándola a la altura del pie, se le hace seguir hasta colocarla en el segundo
peldaño, con lo cual en este descansará el pie, y en el primero descansará el
pie. (Los primeros peldaños son siempre los más difíciles, hasta adquirir la
coordinación necesaria. La coincidencia de nombre entre el pie y el pie hace
difícil la explicación. Cuídese especialmente de no levantar al mismo tiempo
el pie y el pie).
Llegado en esta forma al segundo peldaño, basta repetir alternadamente
los movimientos hasta encontrarse con el final de la escalera. Se sale de ella
fácilmente, con un ligero golpe de talón que la fija en su sitio, del que no se
moverá hasta el momento del descenso.
14) A continuación, exponemos dos clásicas intervenciones del artista pop
norteamericano Andy Warhol, en las que, de algún modo, puede detectarse
el fracaso de los movimientos históricos de vanguardia. ¿Por qué? ¿De qué
modo estas intervenciones dan cuenta de la mercantilización del arte y de
la estetización global de la existencia?
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15) Proponemos que los estudiantes elijan un tango o una canción de rock,
hip-hop, punk, cumbia, etc., en donde se cuestione la mercantilización de la
vida social y/o la estetización de la existencia.
16) En “El autor como productor” (1934), Walter Benjamin rechaza una forma
usual de entender la politización del arte como mera denuncia. Proponemos
que los estudiantes lean el pasaje de ese texto que transcribimos a continuación y que expliquen por qué, según Benjamin, cierta manera de retratar la
miseria puede convertirse en un acto reaccionario o conservador.
“He hablado del procedimiento de una cierta fotografía que está de moda:
hacer de la miseria objeto del consumo. Al aplicarme a la ‘nueva objetividad’ como movimiento literario, debo ir un paso más adelante y decir que
ha hecho objeto del consumo a la lucha contra la miseria. De hecho, su significación política se agotó en muchos casos en la transposición de reflejos
revolucionarios, en tanto aparecían estos en la burguesía, en temas de dispersión, de diversión, que sin dificultad se ensamblaron en la práctica cabaretística de la gran urbe. Lo característico de esta literatura es transformar
la lucha política de imperativo para la decisión en un tema de complacencia
contemplativa, de un medio de producción en un artículo de consumo”.
ACTIVIDADES DE DISCUSIÓN Y DEBATE
17) Proponemos que los estudiantes discutan la siguiente pregunta: ¿hay
que considerar a las selfies, el piercing y los tatuajes como fenómenos que corroboran la estetización general de la existencia en las sociedades posmodernas (en las que la distinción entre la imagen y el contenido se difuman)?
¿O son intentos de convertir al cuerpo propio en una obra de arte?
18) Sugerimos que los estudiantes debatan en torno al siguiente interrogante: “La mercantilización de las relaciones sociales, ¿afecta del mismo modo
al arte que a la filosofía?”
ACTIVIDADES DE PRODUCCIÓN
19) Proponemos que los estudiantes busquen la obra de un artista de su
propia comunidad y que expliquen, en un ensayo, cuáles son las ideas en
torno al arte que se desprenden de esta obra y de qué modo esa búsqueda
tiene que ver con preocupaciones comunitarias.
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20) Sugerimos que los estudiantes analicen distintas experiencias de arte
callejero en su propia comunidad y que reflexionen acerca del modo en que
este tipo de arte reformula las concepciones tradicionales de “autor”, “obra
de arte” y “espectador”.
21) Proponemos que los estudiantes investiguen en revistas de moda o actualidad bajo qué estereotipos se combinan los fenómenos de la estetización de la existencia y de la mercantilización de las relaciones sociales.
Pueden optar por focalizar su análisis:
•
•
•
en la selección de algún caso en particular,
a través de la forma común de producción de las notas de este tipo
de publicaciones,
analizando el discurso y la iconografía publicitaria que sostiene a
estas revistas.
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