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Animaciones
La animación es un proceso utilizado por uno o más animadores para dar la
sensación de movimiento a imágenes o dibujos o a otro tipo de objetos
inanimados (figuras de plastilina, por ejemplo). Se considera normalmente
unailusión óptica. Existen numerosas técnicas para realizar animación que van
más allá de los familiares dibujos animados. Los cuadros se pueden generar
dibujando, pintando o fotografiando los minúsculos cambios hechos repetidamente
a un modelo de la realidad o a un modelo tridimensional virtual; también es posible
animar objetos de la realidad y actores. Entre los formatos de animación (o que
soportan animación) se encuentran el GIF, el SWF (animación Flash), etc. Las
animaciones en GIF son guardadas imagen por imagen, pero existen animaciones
que no se logran así, sino que son interpretadas y "armadas" en tiempo real al
ejecutarse (como las de formato SWF).
Concebir una animación tiende a ser un trabajo muy intensivo y tedioso. Por esto
la mayor parte de la producción proviene de compañías de animación que se han
encargado de organizar esta labor. Aún así existe la animación de autor. Ésta
surge del trabajo personal de uno o de unos pocos animadores. Algunos se valen
de las nuevas tecnologías para simplificar la tarea. Se comienza el proceso de
animación al hacer un modelo del personaje o la cosa que se va a animar. Este
modelo puede ser un dibujo, o puede ser también en plastilina.
Animación completa frente a animación limitada
La animación es una ilusión óptica en la que una serie de objetos o de imágenes
estáticos, al ser visionados unos detrás de otros a una cierta velocidad, crean la
ilusión del movimiento natural. Esta ilusión óptica se basa en el principio
de persistencia de la visión (también llamado «principio de persistencia de
la retina»), establecido en 1829 por el físico belga Joseph Plateau. Aunque
Plateau estableció que según el principio de persistencia de la visión hacía falta un
mínimo de 10 «visionados» por segundo para que la realidad apareciese a
nuestros ojos con una fluidez natural (y no como una sucesión abrupta de
imágenes fijas) en el cine y en otras artes que usan tecnología visual o audiovisual
se ha establecido un estándar de captura y proyección de imágenes de 24
fotogramas por segundo. Este estándar es la tasa con la que graban las cámaras
y proyectan los proyectores. De todos modos, tal como lo establece el principio de
persistencia de la retina, hace falta una cantidad mínima de imágenes por
segundo para que una animación parezca fluida y natural y no una sucesión
abrupta de imágenes claramente diferenciadas unas de otras. Sea cual sea esa
cantidad mínima se habla de animación limitada cuando la animación está
constituida por una frecuencia de imágenes inferior al mínimo (sensación visual de
una sucesión abrupta de imágenes fijas). Se habla en cambio de animación
completa cuando se cumple o se sobrepasa el mínimo de imágenes por segundo
(sensación de fluidez y de movimiento natural). La Pixilación, por ejemplo, técnica
de animación mencionada a continuación, es un ejemplo de animación limitada.
Los dibujos animados, ya mencionados, y las técnicas conocidas como stop
motion o go motion, descritas más adelante, son ejemplos de animación completa.
Los dibujos animados se crean dibujando los fotogramas uno por uno, 24 de ellos
por cada segundo de animación, siguiendo la técnica desarrollada principalmente
por los animadores en Disney a principios del siglo XX. El proceso comienza con
el animador dibujando cada fotograma en papel. Después el dibujo se realiza de
nuevo con tinta y se pinta en láminas de acetato. Finalmente el dibujo se fotografía
con una cámara estática. Las fotografías se colocan en secuencia para dar la
ilusión de movimiento. Esta práctica, sin embargo, ha estado cayendo en desuso
desde hace dos décadas, debido a la aparición de la computadora y las facilidades
que ésta provee para la creación de animación de una manera más rápida y
barata.
Stop motion
A la animación en volumen se la conoce también con los términos animación
fotograma por fotograma, animación cuadro por cuadro, parada de imagen, paso
de manivela o animación foto a foto. En los últimos años también se ha
popularizado su nombre en inglés: stop motion. En ella no se animan dibujos o
imágenes planas sino objetos estáticos e inmóviles colocados delante de una
cámara. Consiste en aparentar el movimiento de dichos objetos capturando
fotogramas: en cada fotograma se ha movido ligeramente el objeto y en cada
nuevo cambio de posición debe haberse siempre orientado el objeto en una cierta
dirección en relación al cambio de posición y fotograma anteriores, guardando, en
la medida de lo posible, la mayor continuidad lógica del movimiento que se quiere
imitar.
Más tarde, al reproducir los fotogramas uno detrás de otro, como se hace de
hecho con cualquier proyección cinematográfica obtenida mediante filmación real,
la proyección en pantalla crea la ilusión óptica de que el objeto se mueve por sí
mismo. Se puede animar de este modo cualquier objeto tridimensional pero en
general se animan muñecos (en general dotados de un esqueleto metálico interno
articulado, como los muñecos de dinosaurios utilizados en el documental de
televisión Dinosaurios), marionetas, figuras de plastilina (como los gatos de la
serie italiana Mio Mao) u otros materiales. También suelen animarse maquetas de
modelos a escala (como los gigantescos vehículos cuadrúpedos AT-AT de El
Imperio contraataca, que en realidad fueron realizados mediante modelos a
escala, o el robot ED-209 deRoboCop).
Por otro lado la animación en volumen tiene un realismo fotográfico
completamente ausente en un dibujo animado. Efectivamente en un dibujo
animado la profundidad de campo es una simple ilusión óptica, realizada con
mayor o menor verosimilitud, mientras que en la animación en volumen la
profundidad de campo es auténtica puesto que se obtiene mediante filmación
convencional. La única diferencia es que el stop motion es una filmación obtenida
manualmente, fotograma por fotograma, y no automáticamente y en tiempo real
como es el caso en una filmación convencional. En general las animaciones que
no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni
pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad, son referidas
como animaciones en volumen o stop motion. Tradicionalmente hay dos grandes
grupos de animaciones stop motion: la animación de plastilina (o cualquier
material maleable), en inglés claymation, y las animaciones de objetos (más
rígidos).
La animación con plastilina puede hacerse al «estilo libre», cuando no hay una
figura definida sino que las figuras se van transformando en el progreso de la
animación (como lo hacen los gatos Mio y Mao en la serie italiana Mio Mao); o
puede orientarse a personajes, que mantienen una figura constante en el
transcurso de la película.
Go motion
En la animación en go motion es una variante de la animación en stop motion.
Inventado por Phil Tippett para la película de N 980 El Imperio contraataca el go
motion consiste en obtener cada fotograma E E mientras se sacude ligeramente el
o una parte del objeto fotografiado. El efecto borroso resultante sobre las partes en
movimiento (en inglés, el blur, la borrosidad) aumenta de este modo la sensación
de realismo en la animación resultante. En las filmaciones realizadas en tiempo
real, cuando un objeto es más rápido que la velocidad de obturación de la cámara,
el objeto aparece borroso en algunos fotogramas, a pesar de que la proyección de
la película sea de un realsimo impecable, y este es el efecto buscado por la
técnica de animación por go motion.
Pixilación
Es una variante del stop motion, en la que los objetos animados son personas y
auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas). Al igual que en cualquier
otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y
desplazados ligeramente entre cada fotografía. Norman McLaren popularizó esta
técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours pero ya en 1908 el
aragonés Segundo de Chomón utilizaba en su obra Hotel eléctrico la misma
técnica para animar objetos. Es ampliamente utilizada en los video clips.
Rotoscopia[editar]
Artículo principal: Rotoscopio
La rotoscopia es una técnica de animación que recurre a una máquina
llamada rotoscopio. El rotoscopio tiene una placa de vidrio sobre la que se pueden
colocar láminas transparentes (llamadas cels [en] en inglés). Debajo, un proyector
ilumina el fotograma de una filmación realizada en tiempo real y en imagen real.
De este modo se puede dibujar el contorno de los objetos filmados calcando a
través de la transparecia resultante. Koko the Clown, del estudio Fleischer estaba
animado con rotoscopía. Se especula que en Blancanieves de Walt Disney se
utilizó rotoscopía, pero los artistas sólo usaban modelos de acción real como
referencias, no se dibujaba encima del material filmado.
En animación por computadora la técnica análoga a la rotoscopia es la técnica
por captura de movimiento.
Animación de recortes[editar]
Más conocido en inglés como cutout animation, es la técnica en que se usan
figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los
personajes se construyen con los recortes de sus partes. Moviendo y
reemplazando las partes se obtienen diversas poses, y así se da vida al
personaje. Un ejemplo muy claro de esta técnica lo encontramos en el vídeo
musical "Live for the moment", de la banda Irlandesa Verona Riots, realizado por
Alberto Serrano y Nívola Uyá en 2014.
Animación por computadora[editar]
Artículo principal: Animación por computadora
La animación por computadora (también llamada animación digital, animación
informática o animación por ordenador) es la técnica que consiste en crear
imágenes en movimiento mediante el uso de ordenadores o computadoras. Cada
vez más los gráficos creados son en 3D, aunque los gráficos en 2D todavía se
siguen usando ampliamente para conexiones lentas y aplicaciones en tiempo real
que necesitan renderizar rápido. Algunas veces el objetivo de la animación es la
computación en sí misma, otras puede ser otro medio, como una película. Los
diseños se elaboran con la ayuda de programas de diseño, modelado y por último
renderizado. En la animación, sin embargo, las imágenes no se toman sino que se
producen individualmente, y por ello no tienen que cumplir necesariamente con el
estándar del cine. Una película de animación tiene siempre 24 fotogramas por
segundo, pero no necesariamente todos esos fotogramas muestran imágenes
diferentes: en la animación, las imágenes suelen repetirse en varios fotogramas.
Así pues, tenemos varias tasas de animación:
En unos: cada imagen es diferente, sin repetición. 24 imágenes por segundo, 1
imagen cada fotograma.
En doses: cada imagen se repite dos veces. 12 imágenes por segundo, 1 imagen
cada 2 fotogramas.
En treses: cada imagen se repite tres veces. 8 imágenes por segundo, 1 imagen
cada 3 fotogramas.
Gracias a nuevas tecnologías surgen otros estándares. Por ejemplo, en oriente,
donde hay capacidad de reproducir 30 fotogramas por segundo, se pueden
encontrar animaciones en las que los fotogramas se repiten tres veces,
suponiendo un ahorro en el número de dibujos a la larga sin que el espectador
perciba la diferencia.
Animación completa es cuando se anima en unos o en doses. Es el estándar de la
animación estadounidense para salas de cine, principalmente las películas de Walt
Disney, y también los largometrajes europeos. Generalmente, se animan las
escenas con muchos movimientos rápidos en unos, y el resto en doses (la pérdida
de calidad es imperceptible).
Animación limitada es cuando se anima en una tasa inferior. El estándar
del anime o animación japonesa es en treses. La pérdida de calidad ya es
perceptible si se es observador. El concepto de animación limitada también afecta
a otros aspectos diferentes de la tasa. Por ejemplo, es animación limitada cuando
se repiten ciclos: pensemos enPedro Picapiedra corriendo mientras al fondo
aparecen una y otra vez las mismas casas en el mismo orden.
Hay que tener en cuenta que diferentes elementos de la imagen (un personaje,
otro personaje, un objeto móvil, un plano del fondo, otro plano del fondo) se
animan por separado, y que por tanto dentro de la misma escena puede haber
elementos con diferentes tasas de animación.
Se puede considerar el aporte de la tecnología informática en dos campos:
como herramienta de creación y como medio de representación.
Para las animaciones dibujadas o pintadas a mano hay programas que asisten a
la creación de los cuadros intermedios. Cabe recordar que se necesita una gran
cantidad de éstos para dar la sensación de movimiento. En las animaciones
hechas con gráficos vectoriales y con modelos tridimensionales el programa
mismo calcula la transformación (interpola) de una pose a otra.
Diversos formatos de archivo permiten representar animación en una
computadora, y a través de Internet. Entre los más conocidos
están SWF, GIF, MNG y SVG. El archivo puede contener una secuencia de
cuadros, como gráficos rasterizados (o la diferencia entre un cuadro y el anterior),
o puede contener la definición de trazos y sus deformaciones en el tiempo, en
un formato vectorial. Hay formatos de archivo específicos para animaciones, y
también se utilizan formatos genéricos que pueden contener diversos tipos de
multimedios.
Otras técnicas
Virtualmente cualquier forma de producir imágenes, cualquier materia que pueda
ser fotografiada, puede utilizarse para animar. Existen muchas técnicas de
animación que sólo han sido utilizadas por unos y que son desconocidas para el
gran público. Entre éstas se incluyen: pintura sobre cristal, animación de
arena, pantalla de agujas, pintura sobre celuloide, tweening. Pero también es
posible reproducirlo por ordenador.
Animación es la técnica o noción de movimiento que se aplica sobre un elemento
o individuo. Hoy en día, el término animación está muy ligado a la producción
gráfica de dibujos animados, pero en términos generales son muchas las
situaciones en que la animación ocurre por fuera de aquella. En este sentido, un
animal o individuo puede pasar del reposo a la animación a la hora de realizar
cualquier tipo de actividad. ‘Estar animado’ es una expresión que implica la
existencia de una actitud activa.
La animación como técnica artística podría describirse como la forma de generar
secuencias gráficas en diferentes soportes para representar, a través de la
alternación de unas y otras de modo continuo, la ilusión de movimiento aunque en
realidad sean todas imágenes estáticas. La animación puede ser entonces
entendida como una ilusión óptica ya que a los ojos humanos parece ser algo
cuando en realidad no es más que la aplicación repetida de las diferentes
imágenes lo que le da la condición de dinamismo y movilidad.
Los artistas que crean una animación, o animadores, como se los llama
popularmente, son los que llevan a cabo el proceso de la animación y como tales
con capaces de atribuirles la sensación de movilidad a diversas imágenes, dibujos
y hasta a objetos inanimados. Vale destacarse que la ilusión óptica incide de
manera determinante en la apreciación de este fenómeno creado por los
animadores.
Existe una enorme variedad de técnicas para generar animaciones, por ejemplo,
los diversos cuadros pueden crearse dibujándolos o pintándolos en cada
minúsculo cambio que protagoniza un modelo real o un modelo tridimensional
virtual.
Vale mencionarse que la animación es un trabajo complejo, intenso y por caso es
que es necesaria una enorme infraestructura para concretarla. Entonces, la mayor
parte de la producción animada disponible es producto de compañías
especializadas. Ahora bien, esto de ningún modo ha hecho desaparecer la labor
del animador de autor pero sí es menor en relación a la producción de la anterior.
Cuando se habla de animación no se puede hacer referencia solamente a los
dibujos animados ya que hay miles de elementos con los cuales hacer animación.
En este sentido, la técnica de stop motion es aquella que permite generar
animación con objetos reales más que con dibujos. Esta técnica se realiza a través
de la captura de miles de minúsculos cambios en un objeto como puede ser una
manzana, una taza o un libro. Su nombre proviene del hecho de que parte del
estado de no animación, es decir de quietud.
Los dibujos animados
¿Quién no ha crecido viendo las aventuras de sus dibujos animados favoritos, no?
y ¿cuántas veces de niño nos hemos preguntado cómo es que lo hacen?
A los dibujos animados se los ha creado desde comienzos del siglo pasado con la
técnica que desarrollaron para ello los más importantes animadores de la
compañía de animación por excelencia como es Disney. Se dibujan uno a uno los
fotogramas, en papel, 24, por cada segundo de la animación. Luego el dibujo se
vuelve a hacer con tinta y se pintará con láminas de acetato y al resultado final se
lo fotografiará con una cámara estática. Acto seguido, las fotografías tomadas se
disponen en secuencia cronológica para dar la ilusión del movimiento.
Ahora bien, las nuevas tecnología han cambiado ciertamente
este procedimiento en las últimas dos décadas y hoy toma ventaja en la creación
la computadora, que lo hace todo de modo más rápido y económico.
El cine animado
En el cine de animación se utilizan las técnicas de creación instaladas para el
desarrollo de los dibujos animados, a diferencia del cine de imagen real que
registra imágenes reales, que suceden en movimiento continuo, en el cine
animado no existe tal movimiento sino que cada movimiento es generado a partir
de un dibujo de modo tal que al proyectar los dibujos de manera secuencial se
genere la ilusión del movimiento.
Animé: animación con sello japonés
Si bien en todo el mundo se producen dibujos animados, sin lugar a dudas, ha
sido el Japón el país que más se ha distinguido en la producción animada como
consecuencia de las particularidades que ha sabido imprimirle y que han
trascendido a sus propias fronteras inclusive.
En el Japón el anime ha sabido alcanzar un desarrollo tremendo y su impacto ha
alcanzado a todos los públicos: los niños, adolescentes y hasta adultos, con
contenidos de anime especialmente destinados para ellos y claro, con temáticas
asociadas a sus intereses.
Su base de inspiración ha sido el manga o historieta japonesa.
Tradicionalmente se lo dibujó siempre a mano, pero con el avance de la
computación, hoy, prácticamente se genera a través de ordenadores.
En tanto, entre esos rasgos particulares e inconfundibles no podemos soslayar
las características físicas de los personajes: ojos enormes, narices y bocas muy
finas, cabellos singulares y una expresividad descomunal.
STOP MOTION
(técnica de animación que consiste en dar vida a un objeto
inanimado mediante la filmación del movimiento fotograma a
fotograma).
Stop motion es una poderosa técnica de animación que hace que objetos
estáticos parezca que se mueven. Trabajar con esta técnica dirige la
atención al emplazamiento, encuadre, dirección y velocidad del
movimiento. Existen muchos tipos de técnicas Stop motion en medios 2-D
(bi-dimensionales) y 3-D (tri-dimensionales) como: pixilación*1
, dibujo a
mano, recortes, cel, arena y Claymation (personajes de arcilla o barro).
Conceptualización:
Los mejores proyectos son el resultado de las ideas más fuertes y bien
cimentadas. Para generar trabajo e ideas fuertes, vale la pena estimular a
los estudiantes a ver la animación críticamente, e impulsarlos a tener una
“lluvia de ideas” y a hacer un esfuerzo de síntesis de estas mismas ideas.
Apropiarse de los conceptos ayudará a que los estudiantes se sientan
comprometidos, interesados y dedicados durante el proceso de animación.
Elaboración del guión:
Los estudiantes, después de una sesión de “lluvia de ideas”, deberán
escribir sus pensamientos para determinar qué interacciones y acciones se
llevarán a cabo. La mayoría de la gente prefiere empezar escribiendo
guiones, una historieta que es completamente textual. La descripción
escrita de las acciones ayuda a determinar cómo y en qué orden se
animará cada toma ya adelantados en el proceso.
Elaboración de la historieta dibujada:
La hechura de la historieta es el componente más importante de cualquier
proyecto de animación ya que asegura que las ideas estén bien
desarrolladas antes de ejecutarlas, ahorrando tiempo, por consiguiente, al
resolver por adelantado los problemas técnicos y del relato que puedan
presentarse. El propósito de los dibujos de la historieta es planear y
visualizar la animación completa. Es aquí donde los estudiantes empiezan a
pensar en el “trabajo de la cámara” dibujando cada escena clave en la
animación. Para todos los proyectos de Stop motion deberá requerirse la
elaboración de la historieta dibujada.
1 *Esta técnica consiste en un persona manteniendo una postura fija para
cada fotograma que es grabado, convirtiéndose en una marioneta humana.
(Nota de la traductora).Montaje:
La técnica Stop motion requiere de una cámara o videocámara para hacer
tomas individuales o tomas múltiples de imágenes que, cuando se ven a
velocidad normal, parezca que están en movimiento continuo. Se puede
hacer un montaje de cualquiera de las siguientes maneras:
• Usando una cámara de video para grabar cada toma,
apagándola y prendiéndola lo más rápido posible entre cada
toma;
• Usando una cámara digital para fotografiar cada escena y
después importando las imágenes a una computadora en
donde, con un programa específico, podrán mostrarse en una
sucesión rápida, o
• Conectando la cámara de video, cámara digital o webcam
directamente a una computadora con programas para
animación, como iStopmotion de Boinx. Al usar una
videograbadora para las tomas, ésta deberá mantenerse
totalmente estática con un trípode o soporte para animación.
Sugerencia para el uso de la técnica Stop Motion:
• La calidad del dibujo en la elaboración de la historieta no es muy importante,
sin embargo, una historieta bien ejecutada es la mejor herramienta de
planeación que hay. Se pueden hacer flechas para indicar el movimiento de la
cámara o de los personajes entre los dibujos de la historieta.
• Cualquier cosa que distraiga la atención del espectador respecto al objeto
animado, está en contra de la película. Es por esto que el fondo del escenario
o telón deberá ser simple y sin movimiento.
• Usar un soporte para animación requiere que uno trabaje de cabeza, debido a
la manera en que debe montarse la cámara; debe tenerse en cuenta que esto
puede ser inconveniente o confuso para los estudiantes.
Objetivos:
Los estudiantes usarán técnicas de Stop motion para crear una animación
simple que puede ser bi-dimensional y/o tri-dimensional, y que deberá
comunicar una idea. Los estudiantes deberán ser capaces de definir los
conceptos de: emplazamiento, encuadre, dirección y velocidad.
Introducción:
Se mostrarán algunos ejemplos de animación hecha con la técnica Stop
motion. Algunos discos DVD de animación incluyen documentales de
“Cómo se hace”, que pueden ser una excelente opción para empezar a
conocer y debatir acerca de las técnicas y estrategias que se usan en Stop
motion.
¿Como crearán los estudiantes la narrativa de una animación en
Stop Motion?
Lluvia de ideas:
Es necesario introducir a los estudiantes en un tema o presentar los
parámetros del proyecto, algunas ideas pueden ser: una anuncio de 30
segundos de algún servicio público o que reseñe alguna problemática
social, o la demostración de “cómo se hace” algo en animación, o contar un
relato conocido de una manera nueva. Los estudiantes deberán pasar al
menos una hora debatiendo, en una “lluvia de ideas” y escribiendo sus
ideas. Es muy positivo retar a los estudiantes a elaborar ideas nuevas
sobre las ya existentes; ¡incluso una idea débil puede tener gran potencial!
Elaboración de la historieta dibujada:
Con un pliego de cartón rígido, preferiblemente grande, y un paquete de
hojas adheribles Post-it-notes, clasificar las ideas e imágenes que se
usarán; dividir las páginas, determinar la secuencia de tomas y dibujar las
escenas clave de transición, haciendo notas al respecto de ser necesario.
Etiquetar cada sección de la historieta dibujada con la secuencia, ángulo de
la cámara, temporalidad y otra información de dirección, según se va
trabajando.
Accesorios:
Ya que los grupos hayan decidido cuál relato animarán, y hayan creado sus
historietas dibujadas, empezarán a buscar sus accesorios y personajes y
deberán tener todo listo para filmar su animación. Hay material que puede
usarse como: papel, plastilina, alambre, juguetes o cualquier otro material
que se pueda colocar y que quepa en el escenario, y que pueda moverse.Telón de
fondo:
Los telones de fondo para animación en Stop Motion pueden hacerse con
cualquier material que se tenga a la mano como:
1. Materiales para actividades artísticas como crayones, marcadores,
cartoncillo, papel de colores, acuarelas, cajas de cartón, un pizarrón
blanco o negro, témpera, barro o arcilla, etc.
2. Objetos reales, por ejemplo, una roca pequeña puede parecer una
roca grande, o una rama puede representar a un árbol, etc.
3. Paisaje distante en la colocación de la cámara: el mundo real que se
ve al fondo puede ser el telón de fondo de la animación.
Recordar: acomodar un espacio tridimensional con objetos en primer
plano, le puede dar a la animación un sentido de profundidad muy
interesante. Es necesario asegurarse de que el telón de fondo está a la
misma escala de los personajes y de que quepa en el campo de visión de la
cámara que se use para capturar la imágenes.
Edición:
Para ver el producto final se deberán ver las imágenes en una sucesión
rápida; existen programas de computadora como powerpoint, iStopmotion,
iMovie, MovieMaker u otras aplicaciones que pueden usarse para reproducir
la animación. Si se cuenta con un programa de edición como iMovie, se
podrán añadir títulos, efectos de sonido y otros toques finales como se
desee. Usualmente los programas de computación para editar animaciones
tienen secciones de Tutoría en la pestaña de Ayuda del menú principal.
Evaluación:
El instructor(a) supervisará la producción de principio a fin, valorando cada
paso y el producto final. Se debe poner especial atención en la manera en
la que el grupo trabaja como tal; quién hace qué trabajo y si todos(as)
cooperan apropiadamente. Es necesario asegurarse de que la historieta
esté completa antes de iniciar la filmación, supervisar el progreso de la
filmación para asegurarse de que el equipo se use apropiadamente, de que
las posiciones sean las correctas, de que la animación se reproduzca fluida
y suavemente y al término del proceso, verificar que el producto final
tenga fluidez y esté completo.
El go motion es una variante de la técnica de animación stop motion, para la
animación de modelos en frente de una cámara cinematográfica. En el stop
motion los objetos o modelos son fotografiados estando completamente inmóviles.
En cambio, en el go motion, al modelo u objeto al que se está animando se le
aplica un movimiento mientras se lo está fotografiando. De este modo se obtiene
en el fotograma una distorsión por movimiento (en inglés motion blur), que está
presente en las filmaciones convencionales de objetos en movimiento. La ilusión
de movimiento del objeto gana, así, en realismo.
Tanto en el stop motion como en el go motion el resultado, una vez proyectado en
pantalla, tiene que producir en el espectador la ilusión, no sólo de que el modelo
se mueve por sí mismo, sino de que en vez de ser un modelo es un objeto real.
El go motion es una técnica inventada en 1979 por Phil Tippett (entonces técnico
de efectos especiales de Industrial Light & Magic) para animar los tauntaun y
los AT-AT de la película Star Wars: Episode V - The Empire Strikes
Back (estrenada al año siguiente, en 1980).
Explicación técnica
Cuando se emplea stop motion el objeto animado se ve perfectamente definido en
cada fotograma, ya que cada fotograma de la animación se realizó disparando la
cámara cuando el objeto o personaje a animar estaba completamente inmóvil. En
cambio, en una película no animada, obtenida mediante la filmación de una
cámara tradicional, los objetos en movimiento tienen, en cada fotograma, un rastro
o distorsión característico ya que se movían mientras el obturador de la cámara
estaba abierto.
Como en la animación tradicional obtenida mediante stop motion, se fotografía al
modelo para obtener uno de los fotogramas de la animación final, pero a diferencia
del stop motion, en el go motion se mueve al modelo durante la toma del
fotograma. De este modo el objeto aparece, en el fotograma, con una «distorsión
debida al movimiento» (en inglés, motion blur).
El go motion fue diseñado para simular el realismo de las imágenes tomadas de
forma tradicional. Para ello se mueve ligeramente el modelo articulado durante la
exposición de cada fotograma de película, . La diferencia con el stop
motion tradicional es que mientras la cámara no captura ninguna imagen se hace
uso de unas varillas metálicas que fijadas en un extremo coinciden en la posición
en tiempo real con cada una de las posiciones fotografiadas por la cámara. En el
otro extremo de cada varilla se encuentra un motor con un captor que transmite
esas mismas posiciones a la memoria de un ordenador. Una vez el animador ha
terminado una secuencia de animación, el ordenador tiene en memoria todos los
movimientos necesarios que poder transmitir a los motores para que el animador
pueda repetirlos tantas veces como quiera, colocando y retirando las varillas a
medida que fotografía el modelo, de modo que éstas nunca sean visibles en
fotogramas obtenidos.
Motion blur
Dos imágenes infográficas en las que la cámara se desplaza alrededor de una
figura. La imagen de la izquierda presenta motion blurla de la derecha no.
Motion blur o desenfoque de movimiento es un efecto óptico o una distorsión de la
imagen que se produce al observar objetos en movimiento debido a la velocidad
del objeto o a un tiempo largo de exposición. La técnica stop motion cuando se
aplica sobre escenas dinámicas no obtiene un resultado realista al no presentarse
este efecto. A continuación se detallan diferentes métodos para obtener esta
distorsión en go motion.
Vaselina en el objetivo[editar]
Esta técnica, básica pero razonablemente eficaz, se consigue aplicando vaselina
en la lente de la cámara para crear un efecto borroso en el modelo. La aplicación
de vaselina se realiza antes de cada disparo. Esta técnica se utilizó para el
endoesqueleto metálico de The Terminator.
Golpear el modelo[editar]
Golpear suavemente o agitar el modelo antes de tomar el cuadro para producir un
ligero efecto borroso. Se ha de tener cuidado de que el modelo no se mueva
demasiado, o de golpear o desplazar otros modelos o piezas del decorado.
Agitar la base[editar]
Agitar la base sobre la que descansa el modelo durante el tiempo de exposición
crea un ligero y realista efecto de desenfoque. Esta técnica fue utilizada por
Aardman para la persecución en el tren en The Wrong Trousers y, de nuevo en la
persecución en camión en Un esquilado apurado. En ambos casos se movió
físicamente las cámaras durante exposiciones de 1-2 segundos.
Ejemplos de go motion en el cine[editar]
Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (1980): Phil Tippett usa por
primera vez el go motion para los tauntaun y los AT-AT de este episodio de la
saga Star Wars.
Dragonslayer (1981): Vermithrax, el dragón, fue animado mediante esta técnica.
Prehistoric Beast (1984): Phil Tippet usó su técnica para esta secuencia
de dinosaurios (de 10 minutos de duración) en la que un Tyrannosaurus daba
caza a unMonoclonius.1
The Terminator (1984): el terminator interpretado por Arnold
Schwarzenegger acaba en la película desprovisto de su piel exterior. El
endoesqueleto metálico fue animado mediante go motion.
Dinosaurios (1985): la secuencia Prehistoric Beast, de 1984, sirvió de base a este
largometraje documental, presentado en la televisión estadounidense
por Christopher Reeve en 1985.
Howard the Duck (1986): el monstruo del final de la película está animado
mediante go motion.
The Golden Child (1986): el demonio alado está animado mediante go motion.
RoboCop (1987).
Willow (1988): el dragón bicéfalo, en el castillo de Tir Asleen, fue animado
mediante esta técnica.
RoboCop 2 (1990).
Jurassic Park (1993): a pesar del gran número de dinosaurios realizados mediante
computadora algunos planos en go motion fueron rodados con modelos
articulados para esta película. Un ejemplo es el plano en el que el tiranosaurio
muerde violentamente el tubo de escape y los neumáticos del jeep invertido en el
que se encuentran los niños Timmy y Ellie.
RoboCop 3 (1993).
Go motion en la actualidad[editar]
Hoy en día, esta técnica rara vez se utiliza, ya que es más complicada y costosa
que los efectos generados por computadora. Sin embargo, la técnica aún tiene
potencial real en películas de stop motion en la realización de escenas con efectos
de imagen a cámara lenta. Con go motion al filmar cada pequeño movimiento del
objeto con una cámara de alta velocidad el modelo parecerá moverse a cámara
lenta aún cuando se reproduzca a velocidad normal. Esto sería muy difícil de
conseguir mediante técnicas de stop motionconvencionales pues el animador
tendría que mover el modelo quizá menos de un milímetro en cada cuadro para
lograr el mismo resultado.
PIXILACIÓN
En este tipo de stop motion, no se manipula un objeto, sinó que se graba a un
personaje que se va moviendo entre fotograma y fotograma, dando la sensación
de que se mueve sin moverse, o que es una especie de marioneta humana. Esta
técnica la inventóSegundo de Chomón para la película de 1905 El Hotel Eléctrico,
y desde que se desmintió la creencia anterior de que la película era de 1908, hay
gente que la considera la primera técnica de animación de la historia, ya que las
técnicas de stop motion anteriores consistían en recortar los fotogramas de la
película en que modificaban el objeto, mientras que El Hotel Eléctrico se hizo con
una cámara modificada expresamente para realizar stop motion. Otra de las
primeras películas en pixilación fue en 1911: Jobard ne peut pas voir les femmes
travailler, de Emile Courtet. El término Pixilation lo acuñó el animador Grant
Munro para su película homónima.
¿Que es la rotoscopia?
antiheroe on 06 dic 2007
Editado: 11/03/2014
La rotoscopía es una técnica de animación muy antigua que consiste en re-dibujar
o calcar un fotograma teniendo otro como referencia. Por lo general la rotoscopía
suele usarse para re-dibujar vídeos, frame a frame, una excelente rotoscopía sería
re-dibujando sus 25 fotogramas, aunque haciendo menos, como 22, 12 u 8 se
pueden conseguir fantásticos resultados. También puedes rotoscopiar otros
formatos de vídeo como sería 3D, cualquier tipo de animación, dejando como final
un tratamiento que suele destacar por sus lineas temblorosas.
La Rotosocopía puede llevarse a cabo con diversos softwares, otorgando así
diferentes resultados a la composición. Por ejemplo, yo suelo usar Flash,
Photoshop o After Effects, por lo general suelo filmar o crear cualquier vídeo que
desee rotoscopiar, y con un software como Quicktime exporto todos los
fotogramas “22 fps” como secuencia de imágenes PNG en una carpeta.
Después abro Flash u otro, e importo todos los fotogramas a la linea de tiempo,
esa linea de tiempo queda bloqueada, y en una superior voy calcando frame a
frame todos y cada unos de los fotogramas de la linea inferior, pudiendo descartar
algunos, en casos de que no se crea que son realmente necesarios, o para
acentuar el tiempo, creando así estados de aceleración o des-aceleración en la
linea de tiempo. Un detalle muy importante a tener en cuenta es poder usar la
timeline para separar cualquier tipo de elemento, como trazo, colores, rellenos…
Lo que luego se puede re-aprovechar para poder usarlas individualmente para
crear por ejemplo máscaras, reservas de color, o cualquier tipo de recurso.
Una cosa en las que nos beneficia el Flash, es poder crear diferentes tratamientos
de los trazados con el pincel o el lápiz. También podrás hacer zoom sobre una
zona cuando al 100% sea difícil ver los detalles de una imagen sin perder detalle.
Y por ultimo y muy importante, el Flash trabaja en vectores, con lo cual, la salida
del vídeo será optima. Podéis ver uno de mis primeros intentos aquí “este es muy
viejito, año 2005″:
También hay otros softwares muy útiles para rotoscopiar, como Photoshop,
TVpaint, After Effects, Rotoshop, Toon Boom, ….. Muchos de ellos tienen
combinaciones de filtros que nos ayudaran notablemente para llevar a cabo el
trabajo de rotoscopia, incluso harán la mayor parte del trabajo, o la totalidad, como
Rotoshop, un software que se dedica exclusivamente a esta técnica. Eso si, los
resultados no siempre son satisfactorios, ya que estos filtros, por lo general ,
requieren un buen tratamiento en la pre-producción del vídeo.
Sin llegar a dudas, uno de los mejores resultados de la rotoscopia, es llevarla a
cabo dibujando directamente sobre un papel, para que seguidamente sea
digitalizado, este proceso hace el trabajo, en algunos casos, 2 veces más largo.
Y todo este coñazo de texto que he hecho, ha sido porque me he quedado con
muchas ganas de comentar este vídeo, que me envío mi colega Enric, y antes,
quería hacer una breve introducción sobre la rotoscopia.
El vídeo que os digo, un trabajo lindísimo, un vídeo clip animado con una tema
realmente bonito y lento. La rotoscopía destaca como técnica principal, es
fantástico el uso de esta, estoy casi seguro que una gran parte del trabajo no es
digital. También han usado pequeñas mascaras con patterns para hacer la ropa
de los personajes, que permanecen estáticas ante la vibración de la linea.
Si un cliente me pidiera algo del estilo sin duda lo haría con Photoshop o TVpaint
para la rotoscopía, ya que se nota que la linea es muy “bitmap”, y tiene bastante
postproducción, juegan con muchas máscaras y texturas… Esto último lo haría
todo en AE.
Animación con recortes
Animación de recortes o cutout es una variante de la técnica de animación Stop
Motion y se realiza fotografiando figuras planas. Estas figuras suelen estar hechas
con cartulina, papel, tela y/o fotografías dispuestas en forma horizontal y
fotografiadas desde arriba. Para animar un personaje se lo diseña en papel y
luego se recortan sus extremidades en partes del material deseado. Esas
extremidades pueden luego unirse mediante clavado o costura para generar una
marioneta articulada o bien quedar sueltas para mover cada parte por separado.
Las figuras, al ser planas solo pueden mostrar una faceta por lo que si se quiere
tomar el personaje o figura desde otros ángulos de perspectiva habrá que dibujarlo
y recortarlo nuevamente.
Se pueden mencionar antecedentes previos a la invención del cine como, en
oriente, el teatro de sombras chinas o “wayang” en el cual las marionetas eran
proyectadas desde atrás de una pantalla en vertical. En Animación Stop Motion los
objetos tienen que estar lo más quietos posible para poder fotografiarse y
modificarse detalladamente cuadro por cuadro, por eso las figuras se ubican sobre
una superficie horizontal, iluminada con luz artificial ya sea de frente o por detrás y
son fotografiadas desde arriba con una cámara dispuesta a tal efecto.
Pioneros[editar]
El primer caso registrado y que aún se conserva de esta técnica de animación
puede verse en un corto llamado "Humorous Phases of Funny Faces" dirigido por
el británico James Stuart Blackton.
El primer caso que se registra de uso de esta técnica para una película de
largometraje es el de “El Apóstol” película realizada en 1917 por el animador y
realizador argentino Quirino Cristiani y de la cual no se conserva ninguna copia.
Quirino usaba recortes de cartulina negra dibujadas con lineas blancas que, una
vez rebeladas (y debido a la inversión en negativo de la película) quedaban como
si fueran dibujos de linea negra en papel blanco. Quirino combinaba esta técnica
con el intercambio de otros dibujos para modificar expresiones y formas en los
objetos. Una variante dentro de esta técnica es la Animación con Siluetas, llevada
a su máxima expresión artística por la animadora Alemana Lotte Reiniger.
Animación digital con recortes[editar]
Con la llegada de la animación digital se creó software que simula el uso de capas
planas como Macromedia Flash (luego comprado por la compaía Adobe) Adobe
After Effects o herramientas de código abierto como Synfig y Tupí. La serie South
Park es un caso que encarna la transición del Cut Out artesanal al digital, ya que
su primer capítulo fue realizado con recortes de cartulina para luego pasar a
animarse el resto de la serie en forma digital pero manteniendo la misma estética
que en su versión anterior. La técnica de animación cut out digital se acerca un
poco más a la animación tradicional por extremos ya que no se mueven las partes
de la figura cuadro a cuadro sino que se ubican las posiciones claves en una linea
de tiempo y el software se encarga de calcular las posiciones intermedias. Por
ejemplo, si un auto tiene que dirigirse del punto A al punto B en 5 segundos,
ubicamos el auto en la posición A en el segundo 00, creando un cuadro clave y
luego en la posición B en el segundo 05 creando otro cuadro clave. Este proceso
se llama interpolación. Esto combinado con la posibilidad de “anclar” un objeto a
otro en función de un eje de rotación nos permite armar el personaje como si
estuviéramos cosiendo las extremidades una a otra.
A diferentcia del método artesanal, la animación con recortes digital permite un
trabajo en profundidad ya que siempre se le pueden agregar más detalles una vez
animado el movimiento básico. Además permite mejorar el trabajo por prueba y
error, cosa que no se puede en Stop Motion ya que si algo sale mal la toma debe
realizarse nuevamente. Gracias a la digitalización de las imágenes es también
sencillo modificar la escala y cantidad de las figuras así como desformarlas y
realizar efectos visuales en general. Al Cut Out digital se le puede agregar el
efecto multiplano en donde cada personaje y objeto se distancia de los demás en
profundidad. Esta técnica es conocida popularmente como 2.5D ya que combina la
animación de objetos planos (2D) con un espacio tridimensional (3D). En
consecuencia se le pueden agregar movimientos de cámara más complejos y
generar ambientaciones mediante la iluminación además de una infinidad de
efectos.
La animación por computadora
La animación por computadora, Un ejemplo sencillo, Explicación, Historia, Los
métodos de animación de personajes virtuales, Creación de personajes y objetos
en un ordenador, Equipo de cómputo desarrollo de la animación, Modelado de
rostros humanos, El realismo en el futuro de la animación por ordenador, Cine,
Computer Notable Animation Studios, Animación Amateur, Ejemplos detallados y
pseudocódigo, Asistida por ordenador vs animación generada por computadora
La animación por computadora o animación CGI es el proceso utilizado para la
generación de imágenes animadas con gráficos por ordenador. Las imágenes
generadas por ordenador más general término abarca ambas escenas estáticas e
imágenes dinámicas, mientras que la animación por ordenador se refiere
únicamente a las imágenes móviles.
Animación por ordenador moderno por lo general utiliza gráficos por ordenador en
3D, aunque los gráficos por ordenador en 2D todavía se utilizan para el estilo, bajo
ancho de banda, y más rápido representaciones en tiempo real. A veces, el
objetivo de la animación es el propio ordenador, pero a veces el objetivo es otro
medio, tal como una película.
La animación por computadora es esencialmente un sucesor digital para las
técnicas de stop motion utilizados en la animación tradicional con modelos 3D y la
animación fotograma a fotograma de ilustraciones 2D. Informática animaciones
generadas son más controlables que otros procesos de base más físicamente,
como la construcción de miniaturas de tomas de efectos o la contratación de
extras para escenas de multitudes, y porque permite la creación de imágenes que
no serían factibles mediante cualquier otra tecnología. También puede permitir que
un solo artista gráfico para producir estos contenidos sin el uso de actores y caras
piezas de ajuste, o accesorios.
Para crear la ilusión de movimiento, una imagen se visualiza en la pantalla del
ordenador y sustituido en varias ocasiones por una nueva imagen que es similar a
ella, pero avanzó poco en el tiempo. Esta técnica es idéntica a cómo se logra la
ilusión de movimiento con televisión y el cine.
Para las animaciones 3D, los objetos se construyen en el monitor de la
computadora y las figuras en 3D están provistas de un esqueleto virtual. Para
animaciones de figura 2D, objetos separados y capas transparentes separados se
utilizan, con o sin un esqueleto virtual. A continuación, las extremidades, ojos,
boca, ropa, etc de la figura se mueven por el animador en fotogramas clave. Las
diferencias de aspecto entre los fotogramas clave son calculados
automáticamente por el ordenador en un proceso conocido como interpolación o
morphing. Por último, la animación se hace.
Para animaciones 3D, todos los marcos deben ser prestados después de modelar
se ha completado. Para animaciones vectoriales 2D, el proceso de representación
es el proceso de ilustración de fotograma clave, mientras que los fotogramas
interpolados se representan como sea necesario. Para las presentaciones
pregrabadas, los fotogramas procesados se transfieren a un formato o medio tal
como una película o vídeo digital diferente. Los marcos también pueden ser
prestados en tiempo real a medida que se presentan a la audiencia del usuario
final. Animaciones bajo ancho de banda de transmisión a través de Internet a
menudo utilizan el software en el ordenador de los usuarios finales para hacer en
tiempo real, como una alternativa a las animaciones de alto ancho de banda de
streaming o precargado.
Un ejemplo sencillo
La pantalla se queda en blanco a un color de fondo, tal como negro. Entonces,
una cabra se dibuja en la pantalla. A continuación, se queda en blanco la pantalla,
pero la cabra se re-extrae o duplicado ligeramente a la izquierda de su posición
original. Este proceso se repite, cada vez que mover la cabra un poco a la
izquierda. Si este proceso se repite lo suficientemente rápido, la cabra aparecerá a
moverse suavemente a la izquierda. Este procedimiento básico se utiliza para
todas las imágenes en movimiento en películas y televisión.
La cabra en movimiento es un ejemplo de cambio de la ubicación de un objeto.
Transformaciones más complejas de las propiedades del objeto, tales como
tamaño, forma, efectos de iluminación a menudo requieren cálculos y
representación ordenador en lugar de la simple re-dibujo o duplicación.
Explicación
Para engañar al ojo y al cerebro haciéndole creer que están viendo un objeto en
movimiento con suavidad, las imágenes deben elaborarse en torno a 12 cuadros
por segundo o más rápido. Con tasas superiores al 75 a 120 frames/s ninguna
mejora en el realismo o la suavidad es perceptible debido a la forma en que el
proceso de imágenes del cerebro y los ojos. A tipos inferiores a 12 cuadros/s la
mayoría de la gente puede detectar sacudidas asociado con el dibujo de las
nuevas imágenes que se le quita la ilusión de movimiento realista. Animación de
dibujos animados a mano convencional suele usar 15 frames/s con el fin de
ahorrar en el número de dibujos necesarios, pero se acepta generalmente debido
a la naturaleza estilizada de dibujos animados. Debido a que produce más realista
de animación por ordenador de imágenes requiere mayor velocidad de fotogramas
para reforzar este realismo.
Película de cine visto en los cines de los Estados Unidos corre a 24 cuadros por
segundo, lo cual es suficiente para crear la ilusión de movimiento continuo. Para
obtener una alta resolución, se utilizan adaptadores.
Historia
Animación computadora digital temprana fue desarrollado en los Bell Telephone
Laboratories en 1960 por Edward E. Zajac, Frank W. Sinden, Kenneth C.
Knowlton, y A. Michael Noll. Otra animación digital también se practicaba en el
Laboratorio Nacional Lawrence Livermore.
Un primer paso en la historia de la animación por ordenador es la secuela de la
película de 1973 Westworld, una película de ciencia-ficción sobre una sociedad en
la que los robots viven y trabajan entre los seres humanos. La secuela,
Futureworld, utiliza las imágenes 3D alambre-marco que ofreció una mano
generada por computadora y la cara creado por la Universidad de Utah graduados
Edwin Catmull y Fred Parke.
Los avances en las tecnologías de CGI se reportan cada año en SIGGRAPH, una
conferencia anual sobre gráficos por ordenador y técnicas interactivas que asisten
cada año por decenas de miles de profesionales de la informática. Los
desarrolladores de juegos de ordenador y tarjetas de vídeo 3D se esfuerzan por
lograr la misma calidad visual en las computadoras personales en tiempo real
como es posible para películas CGI y animación. Con el rápido avance de la
calidad de representación en tiempo real, los artistas comenzaron a utilizar
motores de juego para hacer películas no interactivas, lo que lleva a la forma de
arte Machinima.
La primera película animada por computadora de largometraje fue la película Toy
Story 1995 por Pixar. Siguió una aventura en torno a los juguetes y sus dueños. La
película pionera fue la primera de muchas películas animadas por computadora
completamente.
La animación por computadora creada películas taquilleras como Toy Story 3,
Avatar, Shrek 2, Cars 2, y la vida de Pi.
Los métodos de animación de personajes virtuales
En la mayoría de los sistemas de animación por ordenador en 3D, un animador
crea una representación simplificada de la anatomía de un personaje, de forma
análoga a una figura esquelética o un palo. La posición de cada segmento del
modelo esquelético está definido por las variables de animación, o ávaros. En
personajes humanos y animales, muchas partes del modelo esquelético
corresponden a los huesos reales, pero la animación del esqueleto también se
utiliza para animar otras cosas, tales como los rasgos faciales. El carácter
"Woody" en Toy Story, por ejemplo, utiliza 700 ávaros, incluyendo 100 ávaros en
la cara. El ordenador no suele hacer el modelo esquelético directamente, pero
utiliza el modelo de esqueleto para calcular la posición exacta y la orientación del
carácter, que eventualmente se representa en una imagen. Así, al cambiar los
valores de los ávaros en el tiempo, el animador crea movimiento, haciendo que el
personaje movimiento de fotograma a fotograma.
Hay varios métodos para generar los valores de Avar para obtener movimiento
realista. Tradicionalmente, los animadores manipulan directamente los ávaros. En
lugar de establecer ávaros para cada cuadro, por lo general establecen ávaros en
puntos estratégicos en el tiempo y dejar que el ordenador interpolar o "entre" entre
ellos, un proceso llamado fotogramas clave. Keyframing pone el control en manos
del animador, y tiene sus raíces en la animación tradicional a mano.
En contraste, un método nuevo llamado de captura de movimiento hace uso de la
acción en vivo. Cuando la animación por ordenador se debe a la captura de
movimiento, un artista verdadero actúa la escena como si fueran el carácter de ser
animado. Su movimiento se registra a un ordenador mediante cámaras de vídeo y
marcadores, y que el rendimiento se aplica luego al personaje animado.
Cada método tiene sus ventajas, ya partir de 2007, los juegos y las películas están
utilizando uno o ambos de estos métodos en las producciones. Animación de
fotogramas clave puede producir movimientos que serían difíciles o imposibles de
actuar, mientras que la captura de movimiento puede reproducir las sutilezas de
un actor en particular. Por ejemplo, en 2006 la película Piratas del Caribe: El cofre
del hombre muerto, el actor Bill Nighy siempre que el rendimiento para el
personaje de Davy Jones. A pesar de que el propio Nighy no aparece en la
película, la película se benefició de su actuación mediante el registro de los
matices de su lenguaje corporal, la postura, expresiones faciales, etc Por lo tanto
la captura de movimiento es apropiado en situaciones donde se requiere creíble,
el comportamiento y la acción realista , pero los tipos de caracteres necesarios
más allá de lo que se puede hacer a través de vestuario convencional.
Creación de personajes y objetos en un ordenador
Animación por ordenador 3D combina modelos 3D de objetos y movimiento
"keyframed" programado o la mano. Los modelos se construyen a partir de
vértices geométricos, caras y aristas en un sistema de coordenadas 3D. Los
objetos están esculpidos tanto como la arcilla real o yeso, que trabaja de formas
generales a los detalles específicos con diversas herramientas para esculpir. Un
sistema de animación de hueso/articulación está configurado para deformar el
modelo de CGI. En un proceso llamado montaje, la marioneta virtual se da varios
controladores y se ocupa de controlar el movimiento. Datos de la animación se
pueden crear utilizando la captura de movimiento, o fotogramas clave por un
animador humana, o una combinación de los dos.
Modelos 3D aparejado para la animación puede contener miles de puntos de
control - por ejemplo, el carácter "Woody" en la película Toy Story de Pixar, utiliza
700 controladores de animación especializados. Ritmo y matices Studios
trabajaron durante dos años para crear Aslan en la película Las Crónicas de
Narnia: El león, la bruja y el armario, que tenía cerca de 1.851 controladores, 742
sólo en sólo la cara. En la película de 2004 El día de mañana, los diseñadores
tuvieron que diseñar las fuerzas del clima extremo, con la ayuda de referencias de
vídeo y datos meteorológicos precisos. Para la nueva versión 2005 de King Kong,
el actor Andy Serkis se utilizó para ayudar a los diseñadores localizar la excelente
ubicación del gorila en los tiros y se utiliza para modelar sus expresiones
características "humanas" a la criatura. Serkis había dado antes la voz y el
rendimiento de Gollum en JRR Tolkien El Señor de los Anillos.
Equipo de cómputo desarrollo de la animación
Animación por ordenador se puede crear con un ordenador y el software de
animación. Algunos animación impresionante se puede lograr incluso con los
programas básicos, sin embargo, la representación puede tomar mucho tiempo en
un ordenador personal normal. Debido a esto, los animadores de videojuegos
tienden a utilizar baja resolución, bajo conteo de polígonos renders, de tal manera
que los gráficos se pueden representar en tiempo real en un ordenador personal.
Animación fotorrealista sería poco práctico en este contexto.
Animadores profesionales del cine, la televisión, y secuencias de vídeo en los
juegos de ordenador hacen animación fotorrealista con gran detalle. Este nivel de
calidad para la película de animación tomaría decenas a cientos de años para
crear en un ordenador personal. Muchas estaciones de trabajo potentes
ordenadores se utilizan en su lugar. Equipos de estaciones de trabajo gráficas
utilizan dos cuatro procesadores, y por lo tanto son mucho más potente que un
ordenador personal, y están especializados para la representación. Un gran
número de estaciones de trabajo en red entre sí para actuar eficazmente como un
ordenador gigante. El resultado es una película de animación por ordenador que
se puede completar en aproximadamente uno a cinco años. Una estación de
trabajo normalmente cuesta $ 2.000 a $ 16.000, con las estaciones más caras que
son capaces de hacer mucho más rápido, debido a que el hardware más
avanzado tecnológicamente que contienen. Además, los profesionales utilizan
cámaras digitales de cine, captura de movimiento o captura de rendimiento,
pantallas azules, software de edición de películas, accesorios y otras herramientas
para la animación de la película.
Modelado de rostros humanos
El modelado realista de rasgos faciales humanos es a la vez uno de los más
difíciles y buscado elementos en imágenes generadas por ordenador. Computer
animación facial es un campo muy complejo en el que los modelos suelen incluir
un gran número de variables de animación. Históricamente hablando, los primeros
tutoriales SIGGRAPH en Estado del arte de la animación facial en 1989 y 1990
resultó ser un punto de inflexión en el campo al reunir y consolidar múltiples
elementos de investigación, y despertaron el interés de entre un número de
investigadores.
El Sistema de Codificación de Acción Facial que se había elaborado en 1976 se
convirtió en una forma popular para muchos sistemas. Ya en 2001 MPEG-4
incluye 68 parámetros de animación facial para los labios, las mandíbulas, etc, y el
campo se ha avanzado considerablemente desde entonces y el uso de
microexpression facial ha incrementado.
En algunos casos, un espacio afectivo, tales como el modelo de estado emocional
PAD se puede utilizar para asignar emociones específicas a las caras de los
avatares. En este enfoque, el modelo de PAD se utiliza como un espacio
emocional de alto nivel, y el espacio de planta baja es el MPEG-4 Parámetros de
animación facial. Una expresión parcial espacio Parámetros de nivel medio se
utiliza a continuación, en una estructura de dos niveles: la asignación de PAD-PEP
y el modelo de traducción PEP-FAP.
GIF (Graphics Interchange Format)
Es un formato gráfico utilizado ampliamente en la World Wide Web, tanto para
imágenes como para animaciones.
El formato fue creado por CompuServe en 1987 para dotar de un formato de
imagen a color para sus áreas de descarga de ficheros, sustituyendo su temprano
formato RLE en blanco y negro. GIF llegó a ser muy popular porque podía usar
el alogaritmo de compresión LZW (Lempel Ziv Welch) para realizar la compresión
de la imagen, que era más eficiente que el algoritmo Run-Lenght Encoding (RLE)
usado por los formatos PCX y MacPaint. Por lo tanto, imágenes de gran tamaño
podían ser descargadas en un razonable periodo de tiempo.
GIF es un formato sin pérdida de calidad, siempre que partamos de imágenes de
256 colores o menos. Una imagen de alta calidad, como una imagen de color
verdadero (profundidad de color de 24 bits o superior) debería reducir literalmente
el número de colores mostrados para adaptarla a este formato, y por lo tanto
existiría una pérdida de calidad.
Características
Una imagen GIF puede contener entre 2 y 256 colores (2, 4, 8, 16, 32, 64, 128 ó
256) entre 16,8 millones de su paleta. Por lo tanto, dado que la paleta tiene un
número de colores limitado (no limitado en cuanto a colores diferentes), las
imágenes que se obtenían con este formato por lo general eran muy pequeñas.
Sin embargo, dado que el algoritmo de compresión LZW estaba patentado, todos
los editores de software que usaban imágenes GIF debían pagarle regalías a
Unisys, la compañía propietaria de los derechos. Esta es una de las razones por
las que el formato PNG se está volviendo cada vez más popular, en perjuicio del
formato GIF.
Usos
El uso de los GIF es usado generalmente para la publicidad en tipo banners. Su
principal utilidad hoy en día sigue siendo el despliegue de imágenes animadas
para páginas web, al ser el único formato soportado por multitud de navegadores
que permita dicho efecto. Cabe destacar que la animación de este tipo de
imágenes solo se puede visualizar en cierto tipo de aplicaciones y programas
como presentaciones power point o páginas web, pero en hojas de cálculo o
documentos de texto las imágenes gif pierden su animación.1
Animación ejemplar del cerezo en flor.
Patentes
Unisys, propietario de la patente del algoritmo LZW que se utiliza en el formato
GIF reclamó durante años el pago de regalías por su uso. Compuserve, al
desarrollar el formato, no sabía que el algoritmo LZW estaba cubierto por una
patente. Debido a esto, cualquier programa capaz de abrir o guardar archivos GIF
comprimidos con LZW debía cumplir con sus exigencias. Es necesario recalcar
que el formato GIF puede utilizar otros métodos de compresión no cubiertos por
patentes, como el método Run-length encoding.
El 20 de junio de 2003 expiró en Estados Unidos la patente por el algoritmo LZW.
En resumen
La animación pertenece al entorno del cine y la televisión aunque guarda una
estrecha relación con todo tipo de artes visuales tales como el dibujo, pintura,
fotografía y escultura.
Crear animación es un trabajo largo, complejo e intensivo y debido a ello se
forman estudios a través de los cuales se llevan a cabo todo tipo de trabajos.
Existen gran variedad de técnicas y estilos de animación de entre los cuales
destaco los siguientes:
- Los dibujos animados, también llamados animación tradicional, estos se crean
dibujando cada cuadro. Al principio se pintaba cada cuadro y luego era filmado,
este proceso se aceleró al aparecer la animación por celdas.
- Stop motion, animación de objetos, muñecos, marionetas, figuras de plastilina u
otros materiales así como maquetas o modelos a escala. Se utiliza la grabación
"fotograma a fotograma" o "cuadro a cuadro".
- Pixelación, es una variante del stop-motion, en la que los objetos animados son
auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas), e incluso personas. Al
igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados
repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía.. Es
ampliamente utilizada en los video-clips.
- Rotoscopía, se basa en dibujar directamente sobre la referencia, que pueden ser
los cuadros de la filmación de una persona real.
- Animación de recortes, es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea
de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con
los recortes de sus partes. Moviendo y reemplazando las partes se obtienen
diversas poses, y así se da vida al personaje.
- Sistema inercial, sistema inercial de captación de movimiento humano, sin las
limitaciones impuestas. Este sistema portátil está basado en los ``tracker´´ 3D MTx
de Xsens. La nueva tecnología permite utilizarse en animación (cine, juegos
virtuales) entrenamiento y simulación, investigación y desarrollo biomecánico y
otras áreas.
- Otras técnicas, virtualmente cualquier forma de producir imágenes, cualquier
materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para animar. Existen muchas
técnicas de animación que sólo han sido utilizadas por unos y que son
desconocidas para el gran público. Entre estas se incluyen: pintura sobre cristal,
animación de arena, pantalla de agujas, pintura sobre celuloide, tweeing.
SWF (inicialmente abreviación de Shockwave Flash y
posteriormente retroacrónimo de Small Web Format -formato webpequeño- para
evitar confusiones con Shockwave del que deriva) es un formato de
archivo de gráficos vectoriales creado por la
empresa Macromedia (actualmente Adobe Systems).
Los archivos SWF pueden ser creados por el programa Adobe Flash® aunque hay
otras aplicaciones que también lo permiten, entre ellos, softwares
libres como MTASC o SWFTools. Suelen ser ejecutados sobre el navegador
mediante un plugin llamadoAdobe Flash Player, aunque también pueden ser
encapsulados para ejecutarse de forma autónoma. Básicamente es un formato
vectorial aunque también admite bitmaps, con posibilidades de animación.
También admite programación mediante el lenguajeactionscript.
Los archivos SWF suelen ser suficientemente pequeños para ser publicados en
la World Wide Web en forma de animaciones oapplets con diversas funciones y
grados de interactividad.
Descripción[editar]
Los archivos SWF pueden ser generados por diversidad de aplicaciones, aunque
el programa original Adobe Flash Professionalutiliza un formato editable con
extensión ".fla" con los que el usuario trabaja y que después compila y comprime
en SWF. Están constituidos principalmente por dos elementos: objetos basados en
vectores e imágenes. Aunque también incorporan audio y vídeo (en diferentes
formatos Flash Video) y multitud de formas diferentes de interacción con el
usuario.
El objetivo principal del formato SWF es crear archivos pequeños pero que
permitan la interactividad y que funcionen en cualquier plataforma, aún sobre un
ancho de banda reducido (como un navegador web conectado a través de
un módem). El plugin que permite reproducir ficheros SWF está disponible en
Adobe Systems para diferentes navegadores y diferentes sistemas operativos,
incluido Microsoft Windows, Apple Macintosh y Linux. Este plugin está instalado en
un 98% de los ordenadores de los internautas. 1
El formato es bastante simple, si bien es cierto que está en formato binario y por lo
tanto no es de lectura accesible, como el SVG (estándar abierto basado en XML,
recomendación del W3C). SWF ha utilizado la compresión Zlib desde 2002, y en
general el objetivo del formato es almacenar todos los datos usando el menor
número de bits, minimizando la redundancia.
Licencia[editar]
La especificación completa del formato está disponible. Hasta el 1 de mayo
de 2008 el formato no era totalmente abierto: reproducir el formato no estaba
permitido por la especificación de la licencia. En esa fecha, como parte de
su Open Screen Project, Adobe eliminó tales restricciones sobre los formatos SWF
y FLV.
Por otro lado, la creación de software que sea capaz de crear archivos SWF sí
está permitida con la condición que el archivo resultante pueda ser renderizado sin
problemas por la última versión pública del reproductor de Adobe (antes
Macromedia).