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CONTENIDO
Festival 2012
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Imágen Gráfica Festival 2011
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Espectáculos de Sala Internacionales
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Espectáculos de Sala Colombia
44
Espectáculos de Calle Internacionales
57
Espectáculos de Calle Colombia
63
Secuela de Teatro
75
Feria del Libro
92
Programación Alterna
105
Espacios de Formación
108
Créditos
111
Edición
Wilson Escobar Ramírez
Diseño y Diagramación
Humberto Jurado DV
Fotografías
Compañías invitadas, archivos FIT
Impresión
La Patria
Manizales, Septiembre 2012
FESTIVAL
2012
Festival 2012.
!Abierto por obras!
Una imagen de Madrid en tiempos de construcción y
reconstrucción de edificaciones, como cualquiera otra
urbe que se moderniza, nos revela la paradoja de estos
tiempos de crisis: “Cerrado por obras”, se lee en uno de
los teatros de la capital española.
Sin embargo, quién dudaría que en el teatro la existencia
de obras sea justamente lo que justifica tener abiertas
sus puertas?.
El Festival Internacional de Teatro de Manizales no quiere
pegar ese letrero. No lo hizo en este 2012 especialmente
duro, cuando todos los signos lo prefiguraban. No es
este el momento, dijimos, como no lo ha sido en estos
28 años de brava porfía. La razón es simple y en ello nos
ayuda el imaginario de nuestra costa norte: “Ajá. Eso de
la crisis no pegó por acá”.
Nos resistimos a entrar en la crisis reciente, la que está
de moda y a la que muchos se pegan para no aportar
a la cultura, para no apostar por los bienes inmateriales
y espirituales de nuestros tiempos, para evadir la
responsabilidad social y cultural. Nos resistimos a esa
moda indigna de entrar en quiebra, porque ello anula
toda esperanza: “Cuando vacila la esperanza y se
detiene, cuando se encrespa y se confunde, estamos en
una crisis que dura mientras la esperanza anda errante”,
nos recuerda la pensadora María Zambrano.
Entonces nos dijimos: !por qué una crisis ajena si nosotros
tenemos la propia!. Somos teatro y el teatro es, en sí
mismo, crisis, tensión, arrojo, riesgo, equilibrio precario,
drama, tragedia… Y fue entonces cuando surgió la
imagen cómplice que nos representa en la crisis y que
ilustra bien esa esperanza aprendida: la de un zapato
de artista que reposa sobre el cajón de madera del
lustrabotas en espera del brillo que lo lleve de regreso
a la escena. Una espera beckettiana, tal vez, pero una
espera esperanzada.
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Así, con el zapato del payaso o del arlequín dispuesto
en su brillo, afrontamos esta edición, la número 34, y
en la que seguimos apostando por el teatro que se hace
en Latinoamérica y el diálogo inacabado que, desde
siempre, se ha entablado con la otra orilla, la ibérica.
Un diálogo al que comparecen generaciones de artistas
y creadores ya consolidados, y otros que representan
una especie de relevo generacional y están haciendo un
camino personal, mezcla de tradición y de vanguardia.
Los espectáculos que integran la programación de sala y
de espacios abiertos revelarán ante el público del Festival
su propia verdad: la de un arte comprometido con su
tiempo, que revisita las voces antiguas y clásicas para
actualizarlas, que habla en las maneras fragmentadas,
hipertextuales, sobremodernas de nuestros tiempos;
que denuncia con sus poéticas renovadas la rabiosa
realidad y el peregrinaje de los sueños. Un teatro que
se busca, más allá de su identidad regional en la
diversidad de los lenguajes y en la libertad que da la
experimentación sin tregua.
Sabemos que este diálogo artístico debe dejar
su deriva o secuela en el público y en los mismos
teatristas que recalan en la ciudad. Por ello, a la par
con la presentación de los espectáculos, convocamos
a una reflexión sobre la gestión de las artes escénicas
en tiempos de crisis. Así, entre festivales, plataformas,
ferias, mercados y todas las formas de circulación
e intercambio existentes en este espacio cultural
común, nos reclamaremos como una necesidad
imperiosa para la generación de nuevas formas de
relacionamiento de un sector que se reacomoda y se
reinventa en las nuevas realidades relacionadas con
la globalización, posibilitando espacios y discursos
propios, construidos por los propios gestores y
creadores en oposición a los formatos convencionales
que se copian desde otros ámbitos de manera
mecánica.
Proponemos, pues, que este espacio sea el que
catapulte y lidere procesos de cambio y transformación
en todos los ámbitos y que sean la cultura y las artes
los que estén en la vanguardia de este re-pensar
de la sociedad que están liderando los jóvenes del
mundo.
Y cómo si no, el encuentro teatral de esta edición está
acompañado por la palabra, la escritura, la tertulia,
expresiones que enmarcan la Feria del Libro que
hacemos en conjunto con la Universidad de Caldas
y que nos hacen sentir más acompañados en esta
soledad del camino.
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IMAGEN GRÁFICA
En forma de arlequín, payaso o bufón, el zapato del
artista hace un alto en el camino antes y después de
la función, para recobrar vida y darle lustre a la escena.
La imagen gráfica de la 34 edición fue creada por Sancho
Publicidad BBDO, agencia colombiana de gran prestigio
internacional, que aporta este valioso gesto de talento
al Festival Internacional de Teatro de Manizales 2012.
Imagen de 10,5 x 28 cms
ESPECTÁCULOS
DE SALA
INTERNACIONALES
LA PISTA TANGO
Buenos Aires Polo Circo
Complejo Teatral San Martín
Buenos Aires
Ficha Artística
Directora: Gabriela Ricardes
Director: Gustavo Mozzi
Director Acróbatas: Mario Perez
Acróbatas de circo:
Constanza Andreozzi, Ezequiel Barrile, Silvina Paemaa,
Lucas Kamin, Leandro Guestein
Bailarines:
Diego Alberto Benitez, Rocio Daniela Vargas.
Ilustrador: Federico Mozzi
Músicos: Santiago Polimeni, Gaspar Tytelman Santos,
Tomas Falasca, Cesar Emiliano Rago, Pablo Andres
Fraguela, ‘German Moine
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Reseña
La Pista Tango es un espectáculo único signado por el
círculo mágico de la pista, en la que conviven músicos,
acróbatas y un dibujante, creando un universo singular
marcado por la energía de tres pasiones porteñas: el
tango, el circo y la ilustración. Las rutinas clásicas del
circo porteño y la danza de salón son recreadas por
intérpretes jóvenes que dejan su impronta en la pista.
La música, íntegramente interpretada en vivo, nos
lleva al corazón de la sonoridad rioplatense, a través
de un estilo desenfadado, descarnado y profundo que
permite disfrutar de las mejores composiciones de
tango actuales. La ilustración propone un universo poco
común, alejado de los estereotipos del género, que
acompaña y sugiere interactuando con la escena, en un
estilo personal e intenso.
Este espectáculo , producido por Buenos Aires Polo Circo,
participó en el Festival île de France (Paris-Francia) ,
en el Festival Internacional de Circo de Buenos Aires,
y ha recorrido la Argentina llevando esta propuesta
que combinando tradición y modernidad, fue recibida
maravillosamente por el público y la crítica.
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La Farolera
Complejo Teatral San Martín
Buenos Aires
Ficha Artística
Actores:
Mónica Beatriz Giménez [actriz - cantante], Mariana
Emilia Giovine, Horacio Carlos Gabriel Rovito, Facundo
Javier Rubiño, Omar Guillermo KÜHN, Griselda Strat,
Verónica Inés Alvarenga, Violeta Zuvialde, Ana Victoria
Iniesta, Viviana Quiroga, Fabián Bagnato, Jorge Emilio
Seleme, Juan Pablo Galimberti, Franco Moix
Músico-director: Marcelo Oscar Álvarez
Músicos: Emilio Álvarez, Hernán Lionel Mórtola, Carlos
Augusto Serra
Coordinador de producción: Beatriz Borquez
Asistente de dirección: Puliani Romina Valeria
Luminotecnia: Morales Miguel Angel
Utileros: Facundo Nievas, Carlos Rafael Guarinacci
Peluqueras: Samanta Belén Rodriguez, Carla Noemí
Pereyra
Sastres: Patricio Delgado, Daniela Dewey
Sonidistas: Alberto Radduso, Mariano Fernandez,
Christian Lezcano
Maquinista: Juan Carlos Agüero
Operador vuelo: Damián Martín Gallegos
Zapatero: Héctor Osvaldo Hernández
Reseña
“Esta historia comenzó hace muchos años…Al terminar
de leer el maravilloso cuento de María Elena llamado
‘La farolera’, la directora tuvo ganas de contárselo a los
niños, a los papás, a los abuelos y a toda la gente.
Basado en la canción anónima “La farolera”, la autora
decide contar un cuento que ocurre en un pueblo
llamado Chaupinela. Este pueblo tiene la desgracia
de ser una ciudad oscura debido al denso follaje de
los árboles, y, como no hay luz, la gente ni escribe ni
lee, ni va a la escuela; por lo tanto, no piensa. A la
salida de Chaupinela está la barrera que lo divide del
cuartel, donde un regimiento impide el paso de la gente
del pueblo. Allí nace Aniceta, una niña muy curiosa a
quien el pajarito-duende Pepeluis ayuda a buscar la
luz enseñándole, entre otras cosas, cómo generarla
con luciérnagas. Aniceta se pone entonces a fabricar
faroles, lo que deriva en su apodo, “la farolera”. La niña
decide abandonar el pueblo para buscar la luz más allá
del bosque, pese a que está prohibido, y el pajarito la
acompaña hasta la barrera. Al ver a unos soldados trata
de escapar pero se tropieza y cae. Es ahí cuando la ve
el coronel, pide que “alcen la barrera para que pase la
farolera” y se enamora perdidamente de ella. Pero tiene
orden de cortarle la cabeza; entonces debe luchar entre
el deber y el amor, dando inicio a todo tipo de aventuras…
El espectáculo La farolera cuenta además con la inserción
de otros materiales de María Elena Walsh, incluyendo
varias canciones de su rico repertorio. Se estrenó en el
año 2000 en el Teatro Ateneo y fue declarado de Interés
Cultural por Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.
La directora
Egresada del Instituto de Arte Moderno, tiene una larga
trayectoria en la actividad teatral, cinematográfica y
televisiva argentina de los últimos 40 años.
Debutó en teatro profesionalmente en Pigmalión de
Bernard Shaw, con dirección de Wilfredo Ferrán, y tiene
una destacada carrera en los escenarios con títulos como
La Piaf, Violeta viene a nacer, Ay, Carmela, Mariana
Pineda, Esa relación tan delicada, Frida, la pasión y Por
el placer de volver a verla, entre otros. Como directora
teatral, trabajó en Crímenes del corazón de Beth Henley
y Cuentos de hadas de Raquel Diana (estrenada en la
Sala Cunill Cabanellas en 2002).
En cine trabajó con grandes directores como Lautaro
Murúa en Alias Gardelito y La Raulito; con Hugo del Carril
hizo La sentencia; y, entre muchas otras, filmó la única
película con guión de María Elena Walsh, Juguemos en
el mundo, con dirección de María Herminia Avellaneda.
En televisión, su primer director fue Martín Clutet, y se
ha destacado en programas como La bonita página,
Alta comedia, Teatro universal, Más allá del horizonte e
innumerables ciclos y telenovelas.
Ha recibido numerosos premios como el Molière,
Vilches, Estrella de Mar, Martín Fierro, Florencio
Sánchez y Podestá.
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Por amor al agua
Compañías Agua Sakra y Sun
Teatro del viento
Chile-Colombia
Ficha Artística
Dirección: Nikola Bahna
Dramaturgia: Jorge Cadavid y SUN Teatro
Género: Drama
Reseña
“UMA: Por Amor al Agua” es una obra de la compañía
Agua Sakra de Nikola Bahna, formada por bailarines e
intérpretes de diversas nacionalidades, en colaboración
con el grupo colombiano Sun Teatro del Viento. Repasa la
forma en que el ser humano se ha ido relacionando con
el vital elemento desde tiempos antiguos hasta nuestros
días. Parte con la evidencia de la relación de los pueblos
originarios con ella y llega a su manejo contemporáneo,
en el que se le ha quitado el agua a muchas zonas del
mundo y se ha convertido lo que era algo natural y
propio, en un bien de consumo capitalista por el que se
dan crueles batallas.
El cuerpo danzante es el protagonista en el primer
caso, y en el segundo da paso a un cuerpo teatral. Es
una pieza coreográfica que ofrece un hilo conductor
reconocible que la acerca al espectador no habituado a
las artes del movimiento, teniendo en cuenta que hay
importantes elementos además de la gran corporalidad
siempre presente, como proyecciones y un espacio
sonoro que crea diversas atmósferas. También hay
algunos textos breves.
El Olivo
Teatro Niño proletario
Chile
Ficha Artística
Productora: Francesca Ceccotti
Director: Luis Guenel
Actores: Marcela Salinas, Evelyn Ortiz, Marcia Pavez,
Antonio Altamirano, Claudio Riveros, Rodrigo Velasquéz,
Claudia Oyola, Cristian Flores, José Soza
Técnicos: Francisco Medina, Alfredo Basaure
Reseña
En “El Olivo” los espectadores se cuelan en un bar de
antaño, destartalado, triste, y son los testigos mudos
de la vida de ocho habitantes de un pueblo remoto y
aislado del sur de Chile. Los personajes pertenecen a
diferentes generaciones, pero les une un futuro incierto
y un presente nefasto marcado por el alcohol y las
ansias de evasión. Poco a poco, los efectos de la bebida
van haciendo mella en estos personajes sin rumbo, que
se abandonan a la fiesta y al desamparo. La camarera,
una francesa que sueña con volver a su país, pone velas
a una virgen posada encima de la cafetera y se une a la
fiesta de la autocompasión.
Sin embargo, un anuncio comienza a revitalizar el
entorno. Carteles pegados por todo el pueblo publican
la llegada de un Barco. Un afiche que se transforma en
una visita inesperada para el pueblo: un sobreviviente
del Caleuche que les hará replantearse sus condiciones
de sobrevivencia, al mismo tiempo que los hará tomar
una decisión radical respecto al futuro.
Una historia fragmentada, un recorte del país, un
espacio de resistencia, cuerpos, guiños y muletillas que
intentan responder a la necesidad de conformar
una identidad Chilena.
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Luis Guenel
Reconocido director de Teatro nacido en Punta Arenas
(Chile), es egresado de la Escuela de Teatro de la
Universidad Mayor y se graduó con la obra “La Playa”
dirigida por Rodrigo Pérez en el 2006, mismo año
en el que comenzó su trabajo de dirección teatral
con “Hambre”, relectura del libro “Los Vigilantes” de
Diamela Eltit. Este mismo año ingresó becado al Centro
de Investigación Teatro La Memoria, para realizar el
Seminario de Dirección Teatral. Entre sus trabajos más
destacados dentro de este programa de estudio se
encuentran: “Viuda” (Adaptación de Diatriba de la
Empecinada de Juan Radrigán), “Filoctetes” y “Aquí le
Llega” , este último fue presentado en el “Festival 7
Para Nuevos Directores Teatrales” del Departamento de
Teatro de la Universidad de Chile en el 2007. Ese año
también desempeñó como asistente de dirección de
Heidrun Breier en el montaje “BlackBird”, y de Didier
Ruíz, director francés invitado por la Universidad Mayor
y el Instituto Chileno Francés, para la realización del
montaje “Dale Recuerdos” con personas de la tercera
edad.
Otro de sus trabajos destacados es el que desarrolla junto
a Hain Producciones, un conglomerado de actores que
desde hace dos años realiza en la ciudad de Punta Arenas
el “Festival de Teatro Cielos del Infinito”, financiado por
el Fondart. Este último trabajo le valió ser galardonado
el año 2008 con el premio “Joven destacado del año en
la Región de Magallanes”, entregado por el INJUV.
El niño proletario
Teatro Niño Proletario nace el año 2005 con el objetivo
de investigar escénicamente una mirada particular de la
identidad nacional chilena, detallando realidades como
la bastardía histórica, el “medio pelo”, la discriminación y
la marginalidad; tópicos que se convierten en materiales
escénicos que la compañía busca transformar en
espacios de goce.
El nombre Niño Proletario es una cita al cuento homónimo
escrito por el argentino Osvaldo Lamborghini en 1973,
en el cual relata, de manera cruda, las miserias de un
niño que ha nacido en la pobreza y que se encuentra
determinado por el medio a permanecer en ella.
La compañía ha puesto en escena las obras: “Hambre”
(Relectura del libro “Los Vigilantes de Diamela Eltit), y
“Temporal” (Versión libre del “Zoológico de Cristal” de
Tenesse Williams).
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Aguas de la inmortalidad y
otras obras
Maureen Fleming Company
Estados Unidos
Ficha Artística
Dirección y coreografía: Maureen Fleming
Música: Philip Glass, Somei Satoh y Hernik Gorecki
Luces y diseño visual: Christopher Odo
Sonido: Brett R. Jarvis
Cinematorgrafía: Christopher Odo y Jeff Bush.
Género: danza contemporánea
Reseña
“Aguas de la inmortalidad” es una sensual celebración
del arquetipo femenino, inspirada por el simbolismo
exuberante del poeta irlandés William Butler Yeats.
En esta obra Fleming yuxtapone su movimiento singular
con proyecciones de video en tres dimensiones, la
fotografía fija del aclamado fotógrafo de Lois Greeenfield
y la poderosa iluminación de Odón. La experiencia
onírica la complementa el piano de Bruce Brubaker,
quien interpreta la música de Philip Glass, máximo
exponente de los sonidos minimalistas.
Acá, como en todas sus presentaciones multimedia,
Fleming crea una particular poesía del movimiento, con
tintes surreales, con la disciplina de un clasicista y la
imaginación de un iconoclasta, y explora, a través de
imágenes metafóricas, nuestra búsqueda incesante de
lo que es universal sobre el viaje del alma.
Maureen Fleming
Aclamada coreógrafa nacida en Japón. En sus obras se
reconoce una alta conexión entre culturas y formas de
arte, como quiera que se ha nutrido de la tradición de
la danza Butoh, la performance y su propia experiencia
vital.
Después de intensos estudios en Japón con Kazuo Ohno,
co-fundador del Butoh, un movimiento vanguardista
desarrollado en el Japón de la posguerra, Fleming pasó
a realizar interpretaciones con su hijo Yoshiro Ohno,
y a recorrer el mundo en una gira internacional con
el artista de performance y coreógrafo Min Tanaka.
Fleming continuó su formación en los Estados Unidos,
como estudiante becada, con la maestra de técnica
Cecchetti, Margaret Craske. En 1984 se convirtió en
artista con residencia en La MaMa ETC, en Nueva York,
y ha realizado residencias anuales en la Universidad de
Nueva York, Tisch School of the Arts, y recientemente
en el Instituto de las Artes de Seúl, y la Escuela Juilliard.
Sus
montajes
han
recibido
reconocimientos
internacionales en los más destacados festivales del
mundo gracias a su gran plasticidad, la exploración de
una poética corporal muy personal llevada al extremo
de la perfección.
Christopher Odo (diseñador visual y de iluminación) es un
artista ecléctico, ha trabajado como bailarín, diseñador,
camarógrafo y fotógrafo con la Compañía de Maureen
Fleming desde 1993 hasta el presente en los Estados
Unidos, Japón, Corea, Europa y América del Sur.
Philip Glass (compositor), A través de sus óperas, sus
sinfonías, sus composiciones para su propio conjunto, y
sus colaboraciones con una amplia gama de artistas que
van desde Twyla Tharp a Allen Ginsberg y desde Woody
Allen a David Bowie, Philip Glass ha tenido un impacto
extraordinario y sin precedentes en la vida musical e
intelectual. Su música para “Kundun” de Martin Scorsese
recibió una nominación al Premio de la Academia,
mientras que la música compuesta para “El Show de
Truman “de Peter Weir le valió un Globo de Oro.
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No problemo amigo
Thalia Spanish Theatre
Estados Unidos
Ficha Artística
Director: Angel Gil Orrios
Dramaturgia: Jaime Espinal
Diseño de proyecciones multimedia: Fabricio
Saquicela
Diseño de escenografía y luminotecnia: Angel Gil
Orrios
Diseño de vestuario: Soledad Lopez Y Armando
Moreno
Diseño de maquillaje: Rena Most
Asistente de dirección: Martha Osorio.
Elenco: Jaime Espinal, Susan Rybin, Alicia Kaplan,
Francisco Fuertes, Premier Solis, Jesus Martinez, Yolanda
Castillo, Alexandra Gutierrez, Martha Osorio.
Con música original en vivo de la banda los 3
cerditos de Medellín!
Guitarra eléctrica/programaciones digitales y
charango: Juan Fernando Gaviria
Teclados/melódica y juguetes: Juanfer Ossa.
Reseña
Jorge Rave pasa el día entre números, sudokus y tintos.
De noche, en cambio, es un superhéroe latino, casi una
mezcla entre Superman y el Chapulín Colorado, que
fue contratado en Estados Unidos. Aunque allí no le
irá tan bien.
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Esa es la historia del protagonista de “No problemo,
amigo”, la obra del escritor paisa Jaime Espinal, que
ganó el premio hispanoamericano de dramaturgia del
Banco Interamericano de Desarrollo en 2010 “Hispanos
en USA, pero sin estereotipos”.
El espectáculo incorpora elementos multidisciplinares y
performáticos en el marco del llamado “teatro total”, en
el que se produce una fusión de texto, música, danza
y artes audiovisuales. Los dos mundos en los que vive
el protagonista dan fondo y forma a este complejo
entorno artístico donde coexisten lo visible y lo invisible,
la realidad y las apariencias. Es una obra de contenido
social contemporáneo de rabiosa actualidad que se
atreve a tratar el tema universal de la emigracióninmigración con toda libertad.
Concebido con la estética de un comic en vivo los textos
son hablados en español y/o en inglés y van apareciendo
en forma de burbujas como Supertítulos en Inglés y en
Español, proyectados sobre una gran pantalla translucida
circular que envuelve todo el escenario.
Jaime Espinal
Dramaturgo, novelista, guionista y actor colombiano. Ha
escrito otras historias como “Open the window para que
la mosca fly”, con la que recibió el Premio Nacional de
Novela Cámara de Comercio de Medellín. Sus novelas
tienen un común denominador y es que él mismo ocupa
un papel protagónico en las mismas. También trabaja
como investigador en una firma consultora de grandes
marcas.
Angel Gil Orrios
Aclamado escritor, director y productor español, que
ha producido y dirigido más de 150 montajes en
España, Estados Unidos y Francia en los últimos 40
años. Su innovación más importante es dar a conocer
producciones con modelos blingües, en las que se
alternan actuaciones en inglés y en español. En el
2009 recibió el mayor reconocimiento que otorga en
Alcalde de la ciudad de Nueva York, “El Premio de Arte
y Cultura”. Recibió el Premio ACE como mejor director,
los años 1989, 2000, 2002, 2007 y 2011, que otorga
la Asociación Artística de Críticos de espectáculos de
Nueva York. Recibió la Medalla de Plata de la Academia
Francesa de las Artes, Ciencias y Letras de París en 1987.
Thalia Spanish Theatre
Esta es la primera y la única compañía teatral Bilingüe
que tiene su sede en Queens. Fue creada pensando en
la comunidad latina residente en Nueva York y congrega
en su sala la más diversa de las audiencias hispánicas.
La trayectoria es ya de 32 años en los que han realizado
más de 150 producciones de diferentes géneros como
zarzuelas, operetas en español, shows de folclor, de
música, de danza y todos tratando de ir a la par con
el movimiento teatral que se da en una ciudad como
lo es Nueva York.
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Siglo XX que estás en los
cielos
Compañía Puño de tierra
México
Ficha Artística
Director: Fernando Bonilla
Actores: Valentina Sierra, Carmín Flores, Sonia Couoh,
Bernardo Gamboa, Valerio Vázquez
Asistente De Dirección y Producción: Ana María
Benitez
Productor / Iluminador: Gabriel Zapata
Reseña
Dos jóvenes asesinados se conocen en la sala de espera
del limbo mexicano; aguardan a que se borre su último
recuerdo en la tierra para, entonces, poder volver a
nacer.
ÉL murió en Tlatelolco en 1968, ELLA fue asesinada en
Ciudad Juárez el último año del siglo XX. Despiertan
desconcertados en el limbo y se encuentran con un
caprichoso NIÑO DIOS que los hostigará y humillará a
cambio de dejarlos renacer. Dos desconocidos, alejados
por generaciones, situación geográfica y estrato social,
no tendrán más remedio que conocerse, intimar y así
vencer a la autoridad obtusa e intransigente de un
niño consentido que juega, a placer, con la vida de los
mexicanos.
Fernando Bonilla
Su director, es además actor, dramaturgo y guionista de
cine y television en su país. Ha trabajado en teatro de
manera ininterrumpida en más de treinta puestas en
escena, escrito ocho obras para teatro; como guionista y
director fue premiado en el “Festival Binacional de Cine
del Chamizal 2007” por su obra “Nocturna” (2006).
Cartografía especializada
Compañía A poc A poc
México
Ficha Artística
Dirección: Jaime Camarena
Dramaturgia: José Alberto Gallardo
Idea original, escenografía e iluminación:
Carolina Jiménez
Fotografía: Gabriel Ramos
Bailarina: Michele Ferrer
Bailarín: Ulises González
Actor: Jaime Camarena
Género: Danza contemporánea
Duración: 60 minutos
Reseña
El actor sale a escena y empieza a describir su desnudez
emocional. Se sienta sobre un bloque de hielo y, sin
lamentarse, va dando las pautas para seguir el laberinto
de sus ansiedades y evidenciar su profunda soledad.
En una especie de mapa amoroso, se confiesa ante el
público y abre las puertas de su intimidad para dejar
que el demonio del deseo aparezca para mostrar a una
pareja viviendo en el desencuentro que trae el desamor.
Esta obra interdisciplinar recrea el concepto de una
relación entre dos personas distanciadas, usando como
medio conductor los recursos lumínicos, dramáticos y
dancísticos, para narrar el momento crítico y preciso en
su historia amorosa.
Danza acompañada con dramaturgia e iluminación poco
convencional, realizada con materiales reciclables.
Mediante una suerte de mapa amoroso, se confiesa
ante el público y abre las puertas de su intimidad para
dejar que el demonio del deseo ardiente aparezca para
mostrar a una pareja viviendo en el desencuentro que
trae el desamor.
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Jaime Camarena
Está en la primera fila de la coreografía Mexicana. Jaime
Camarena dio sus primeros pasos en el ballet y luego
recaló en la danza contemporánea tras crear su grupo
Apoc Apoc durante una larga residencia que hizo en
Barcelona, España. Desde entonces ha sido ganador del
Premio INBA-UAM, ganó como coreógrafo en el Festival
de La Habana y se ha presentado en diversos países
latinoamericanos así como en el Jacob’s Pillow de Los
Estados Unidos.
A Poc A Poc
Es una compañía teatral especializada en Danza. Nació
en 1994 en la ciudad Condal, nutrida de experiencias
internacionales. Hoy A Poc A Poc es una de las compañías
con mayor presencia dentro del panorama dancístico de
México, presentándose en festivales internacionales y
en los foros de mayor proyección en México tales como
el Palacio de Bellas Artes, la sala Miguel Covarrubias, el
Teatro Degollado, Teatro de la Paz, el Teatro de la Ciudad
de Monterrey y el Centro Nacional de las Artes.
Ha logrado la conformación de un cuerpo de bailarines
de alto desempeño, así como la creación del repertorio
sobre el que se ha constituido el prestigio que sitúa a A
Poc A Poc dentro de los grupos más representativos de
la danza contemporánea mexicana.
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Antígona Oriental
Goethe-Institut
Uruguay
Ficha Artística
Dirección: Volker Lösch
Escenografía y vestuario: Paula Villalba
Dramaturgia: Marianella Morena
Música original: Rafael Antognazza
Iluminación: Martín Blanchet
Asistencia de dirección: Luciana Lagisquet
Investigación periodística: Mariángela Giaimo
Producción ejecutiva: Gustavo Zidán (Departamento de
Cultura - Intendencia
de Montevideo)
Actores: Sofía Espinosa. José Pedro Irisity, Sergio
Mautone, Victoria Pereira, Bruno Pereyra, Fernando
Vannet
Coro: Anahit Aharonian, América García, Ana Demarco,
Ana María Bereau, Cecilia Gil Blanchen, Carmen Maruri,
Carmen Vernier, Graciela San Martín, Gloria Telechea,
Irma Leites, Laura García-Arroyo, Lilian Hernández, Ethel
Matilde Coirolo, Mirta Rebagliatte, Myriam Deus, Nelly
Acosta, Nibia López, Tatiana Taroco y Violeta Mallet
Género: drama
Reseña
ANTÍGONA ORIENTAL, con trazos de tragedia clásica
y teatro testimonial, expone y acerca el mito griego
tratado por Sófocles a uno de los conflictos de la sociedad
uruguaya hoy y lo hace desde la óptica de una estética
provocadora que no deja de cuestionar y abrir la escena
a todos los diálogos posibles.
La obra parte del clásico de Sófocles, que sirve como
pretexto para contar parte de la historia reciente del
Uruguay, país que sufriera una dictadura militar entre
1973 y 1985 y cuyos crímenes se están revisando hoy.
El montaje exigió un trabajo de investigación y un proceso
de reescritura y recomposición del mito de Antígona.
La conformación de un coro femenino integrado en su
totalidad por ex presas políticas, hijas y exiliadas de la
dictadura uruguaya, que llegaron a esta producción a
través de una audición y cuyos testimonios integran
también el espectáculo, enriquece la obra.
Polifonía de la memoria
Dirigido por Volker Lösch, uno de los más prestigiosos
creadores del teatro europeo contemporáneo. Sus
espectáculos se caracterizan por reunir en la escena a
actores profesionales e intérpretes amateurs: ciudadanos
representantes de sectores sociales críticos (ex presos,
desocupados, habitantes de
zonas desfavorecidas),
buscando provocar un diálogo directo entre la realidad y
la representación teatral.
Fue galardonado por la Deutsche Bühne por la puesta
en escena de Los tejedores y nominado al premio Der
Faust como major director teatral. En 2009, es invitado
a participar del Encuentro del Teatro en Berlín (las diez
mejores obras del año) con Marat/Sade.
Desde 2006 es director escénico e integrante del equipo
de dirección artística del Staatstheater de Suttgart, la
mayor institución teatral europea en materia de música,
danza y teatro.
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Mi muñequita (la farsa)
Complot –Compañía de Artes
Escénicas Contemporáneas
Uruguay
Ficha Artística
Dramaturgia: Gabriel Calderón
Dirección: Gabriel Calderón, Ramiro Perdomo
Actores: Dahiana Méndez, Cecilia Cósero, Cecilia
Sánchez, Mateo Chiarino, Leonardo Pintos, Gabriel
Calderón
Iluminación: Pablo Caballero
Diseño y fotografía: Federico Calzada
Duración: 55 minutos (aproximadamente)
Reseña
Una familia como cualquier otra, una niña y su muñeca
como cualquier otra.
Mi Muñequita (La Farsa) muestra lo privado a través de
una lente deformada, los secretos sucios de personas
condenadas a repetirse.
Sumida en la vorágine de un entorno cruel, una niña será,
junto a su muñequita, la nada cándida superviviente de
un perverso juego de adultos.
Humor, irreverencia y un ritmo trepidante son las
herramientas a través de las
cuales su autor y director escenifica este texto feroz con
el mundo y la familia.
Escrita por Gabriel Calderón a los 17 años y estrenada a
sus 21 en el 2004 en el Teatro Circular de Montevideo
con actores jóvenes -aún estudiantes de teatro-, Mi
Muñequita (La Farsa) se convirtió en un acontecimiento
escénico que ha circulado por los principales festivales
del mundo.
36
Complot
Complot Teatro se caracteriza por la búsqueda constante
de un discurso escénico donde la preocupación
fundamental es la crítica al funcionamiento y estructuras
sociales, en un marco donde la familia, la historia reciente
del país y la ciencia ficción se mezclan con singularidad.
A sus treinta años Grabriel Calderón ha logrado hacerse a
un lugar en la escena de su país y de América Latina. Ha
escrito más de 16 obras de teatro y ha sido reconocido
con diferentes premios. Desde el 2011 es miembro del
Lincoln Center Theater Directors Lab y artista residente
del Théâtre des Quartiers d’Ivry en Paris- Francia. Sus
obras han sido representadas en Argentina, Brasil,
Panamá, Perú, España, Francia y México. Sus textos han
sido traducidos al francés, alemán, inglés y portugués.
37
EX: que revienten los actores
Complot –Compañía de Artes
Escénicas Contemporáneas
Uruguay
Ficha Artística
Texto y dirección: Gabriel Calderón
Actores: Marisa Betancur, Gustavo Saffores, Dahiana
Méndez, Alfonso Tort, Ramiro Perdomo, Diego Artucio,
Natalia Acosta
Iluminación: Pablo Caballero
Reseña
Hay quienes piensan que el tiempo todo lo sana, como
se calman las aguas, así se solucionan los problemas.
Pero, ¿y si el tiempo tuviese el efecto contrario? Tal vez
lo tiene y no nos damos cuenta. Esta es la historia de una
muchacha que tenía un dolor que se hacía más fuerte
con el tiempo, una necesidad que se profundizaba con el
paso de los días y un problema que explotaba en la cara
de todos a los que se lo contaba. Esta es la historia de
una familia que se reencuentra en una navidad después
de mucho tiempo, mucho, mucho, mucho tiempo.
Grabriel Calderón y su compañía regresan al Festival de
Manizales con ésta, la tercera parte de su pentalogía
(Uz, Or, Ex, In, At) luego de su exitosa presentación de
“Or- tal vez la vida sea ridícula” en la edición 2011.
38
La compañía uruguaya se caracteriza por la búsqueda
constante de un discurso escénico donde la preocupación
fundamental es la crítica al funcionamiento y estructuras
sociales, en un marco donde la familia, la historia reciente
del país y la ciencia ficción se mezclan con singularidad.
A sus treinta años Grabriel Calderón ha logrado hacerse a
un lugar en la escena de su país y de América Latina. Ha
escrito más de 16 obras de teatro y ha sido reconocido
con diferentes premios. Desde el 2011 es miembro del
Lincoln Center Theater Directors Lab y artista residente
del Théâtre des Quartiers d’Ivry en Paris- Francia. Sus
obras han sido representadas en Argentina, Brasil,
Panamá, Perú, España, Francia y México. Sus textos han
sido traducidos al francés, alemán, inglés y portugués.
ESPECTÁCULOS
DE SALA
COLOMBIA
El vientre de la ballena
Coproducción Teatro Petra
con El Teatro Nacional y El
Teatro Mayor
Colombia
Ficha Artística
Dramaturgia y Dirección: Fabio Rubiano Orjuela
Reparto:
Marcela Valencia / Elena
Fabio Rubiano O. / Oficial Bruno Basquiat
Liliana Escobar / Cloe
Jacques Toukhmanian / Vendedor, Agente
Rosario Jaramillo / Madre
Julián Caicedo / Eléctrico, Fotógrafo
Jonatan Cabrera / Dentista
Dirección de arte: Laura Villegas
Asistente dirección de arte: Juliana Barreto
Asistente de producción: Rafael Arévalo
Diseño de iluminación: Adelio Leiva
Realización de vestuario: Servando Díaz
Comedia Negra: 65 minutos
45
46
Reseña
El Oficial Bruno Basquiat investiga el caso de la
desaparición de niños y mujeres en la ciudad, y a la vez
trata de desenmascarar una red de tráfico de órganos
humanos y tráfico de poliester, georgette, algodón
egipcio, paños cheviot y otros textiles. En medio de la
investigación su propia hija escapa y queda involucrada
en la red.
Durante la búsqueda encuentra una serie de conexiones
entre universos tan disímiles pero tan cercanos a la
realidad de nuestras ciudades, que aunque parecen
imposibles de conectar, se conectan.
Las organizaciones de vientres de alquiler, los traficantes
de textiles, los vendedores de órganos, las apariciones
de la virgen, los proxenetas, y los veredictos judiciales
definidos por votación de los televidentes, se unen en
una historia que es tan doméstica y ordinaria como
absurda.
Sin embargo todas estas historias y estos universos que
se entrecruzan, surgen de nuestra propia realidad, que
a veces parece menos verosimil y menos cruel que la
ficción.
“El vientre de la ballena” es una especie de remake de
una obra que el mismo Fabio Rubiano había montado en
coproducción con Slovenia en 2006. Esta nueva versión
supone su estreno en el Festival Internacional de Teatro
de Manizales.
Teatro Petra
La compañía Petra fue fundada por Fabio Rubiano y
Marcela Valencia cuando los dos eran estudiantes de
la Escuela Distrital de Teatro y discípulos del maestro
Santiago García.
La primera obra que montaron fue ‘El negro perfecto’,
escrita y dirigida por el mismo Rubiano. Luego vendrían
‘Desencuentros’, ‘María es-tres’ y ‘Amores simultáneos’,
con la que en 1994 inauguraron La Casa del Teatro
Nacional. Un año más tarde estrenaron ‘Opio en las nubes’
y luego ‘Me estás mirando ¿verdad?’, ‘Ornitorrincos.
Cada vez que ladran los perros’, ‘Hienas, chacales y otros
animales carnívoros’, ‘Mosca’, ‘Dos hermanas’, ‘El vientre
de la ballena’ y ‘Pinocho y Frankestein le tienen miedo
a Harrison Ford’.
Con las 19 obras escritas y 14 puestas en escena durante
este cuarto de siglo, han participado en más de 40 giras
y festivales de América y Europa.
El Teatro Petra se ha caracterizado en sus montajes por
tratar temas polémicos y controversiales de nuestra
realidad, pero siempre, aunque naveguen por el dolor y
la violencia, el humor aparece en su nivel más irónico,
generando risas que duelen.
Una manera de ver el mundo sin evitar la confrontación.
El vientre de la ballena entra en esa categoría de
comedia negra, cada vez más negra.
47
Cómo quieres que te quiera
Compañía La Maldita Vanidad
Colombia
Ficha Artística
Actores: Adriana Angélica Prieto Bernal, Andrés Estrada
Vargas, Daniel Camilo Díaz Aristizabal, Diego Andrés
Peláez Galvis, Ella Margarita Rosa Becerra , María
Adelaida Palacio Duque, María Soledad Rodríguez
Serra, Ricardo Mejía Abad, Wilmar Fernando Arroyave
De La Pava
Productor ejecutivo: Wilson León García Delgado
Director: Jorge Hugo Marín Correa
Reseña
En esta fiesta de 15 hay mucho más que un columpio
lleno de flores, que un cisne de hielo color rosa, que
unos mariachis montados a caballo y que una impresión
fotográfica de 5x5 metros de la quinceañera, en el
piso del salón de baile. Bajo la dirección de Jorge Hugo
Marín, en esta celebración de los quince años de la hija
de un “emergente” la realidad colombiana, el humor
negro, la novedad y las sorpresas serán el plato fuerte.
Ocho actores en escena, un público que terminará
“enrumbado” y una propuesta totalmente innovadora.
Amparo decide celebrar, con todos los juguetes, el
cambio de niña a mujer de su hija Alicia. Ha contratado
al mejor preparador de fiestas, Jair; ha alquilado el
famosísimo lugar administrado por La Chava; ha
mandado a confeccionar el vestido de “la niña” donde
el reconocido diseñador Alfredo, y tiene planeada
muchas sorpresas pues por el dinero no hay problema.
Lo importante es suplir los caprichos de todos y lograr
que su hija cumpla el sueño que ella no pudo tener. En
medio de los preparativos algunas cosas se salen de lo
programado: las peleas entre dos hijos caprichosos, el
despiste del guardaespaldas, las preguntas impertinentes
de la dueña del lugar, la ceguera del pianista, algunos
secretos que salen a flote y, sobre todo, la llegada de un
inesperado regalo.
48
“Como quieres que te quiera” presenta una mirada a
una de las más arraigadas tradiciones colombianas:
la celebración de los 15 años de una joven. Con la
imitación de los valses ingleses, el cambio de zapatilla
de los cuentos de hadas y demás rituales de iniciación
social que hacen parte de estas ceremonias, esta fiesta
de 15 tiene un ingrediente especial pues está empañada
por la realidad de un padre narcotraficante en la cárcel
y un contexto de violencia disfrazado por la festividad.
Jorge Hugo Marín
Egresado de Arte Dramático de la Universidad de
Antioquia, el joven actor, director y dramaturgo Jorge
Hugo Marín ha sido coordinador de teatro infantil del
XI y XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. En
el Teatro Nacional ha sido asistente de dirección de las
obras “Al diablo la maldita primavera”, “El traje nuevo del
emperador” y “Hamlet”; además de director asistente de
“El patito feo”, “Tu ternura molotov” y “Familia”. También
fue el director de actores de la obra “Melodrama”. Ha
actuado en “Hamlet”, “Antígona y los cadáveres de sus
hermanos” y “Un beso de Dick”. Y ha participado como
actor en producciones cinematográficas y televisivas en
Colombia. Como director debutó con la obra “La escala
humana”, del grupo Acción Impro, de Medellín, y desde
2009 creó su propia compañía La Maldita Vanidad con
la que ha realizado tres producciones que él mismo
escribió y dirigió: “Los autores materiales”, “El autor
intelectual” y “Como quieres que te quiera”, esta última
con el Teatro Nacional.
La maldita vanidad
Creada como un laboratorio de artistas jóvenes del
oficio teatral, esta compañía presenta sus propuestas en
espacios no convencionales. Su sello está basado en una
nueva dramaturgia escénica donde la construcción de
sus personajes y la relación entre los mismos es ante
todo verosímil, al igual que el papel del espectador que
asume el papel de voyeur. En su primera obra, “El autor
intelectual” (2009), que se presentaba en la sala de
una casa de familia real, el espectador observa a través
de una ventana. Su segunda producción “Los autores
materiales” (2010), traslada al espectador a una cocina
real donde serán testigos de la vida de tres jóvenes
universitarios y su empleada, y cómplices de un posible
asesinato. “Como quieres que te quiera” es su nuevo
trabajo, coproducido con el Teatro Nacional.
Ricardo III
Teatro El Paso
Colombia
Versión libre de la obra homónima de
WILLIAM SHAKESPEARE
Ficha Artística
Dramaturgia y dirección: César Castaño
Actuación y manipulación de muñecos:
Daniel Alejandro Vergara León
Jorge Mario López Moreno
Johana Andrea Gutiérrez Valencia
César Augusto Castaño Giraldo
Robinson Sierra Martínez
Musicalización y composición: Robinson Sierra
Martínez y Teatro El Paso
Vestuario: Johana Andrea Gutiérrez Valencia
Producción: Luz Stella Gil Giraldo
Género: Drama farsesco. Teatro de actores y muñecos
con música en vivo
Beca Nacional de Creación Teatral Ministerio de
Cultura 2011
Agradecimientos especiales al Teatro La Loca
Compañía de Armenia
Reseña
Esta historia acontece en un lugar que es a la vez todos
los lugares, en un reino quizá muy parecido a este país
que habitamos. Tras la caída del poder de la familia
Lancaster, la casa de York asume el trono y ante esta
situación el hermano del nuevo rey, Ricardo de York,
urde una trama de conspiraciones, engaños y traiciones
para usurparle el poder a los legítimos herederos de
la corona. Los personajes de este reino se encuentran
en la mente enfermiza y maquiavélica de Ricardo, a la
manera de títeres cuyo destino él maneja a su antojo.
En este universo de pesadilla, inventado por él a partir
de sus más
49
oscuros sentimientos, su alma atraviesa por un infierno
de logros y desdichas. Para sus propósitos, Ricardo
encuentra un aliado aún más cruel que él, un secretario
de estado que haciendo todo el trabajo sucio le traza el
camino que lo conduce al trono, al costo de la muerte
de sus propios familiares. Así, el poder no es más que
un rastro de sangre. Hay aquí una imagen paralela a
una realidad posible, de un hombre que en la noche
es asesino, acumulador de fosas, y al día siguiente es
elegido como gobernante.
César Castaño
Nació en Manizales. Dramaturgo, actor y director del
grupo de teatro El Paso. Ha llevado a escena 12 obras, 6
de ellas con el grupo que dirige. Director del Encuentro
de Lecturas Dramáticas de Pereira desde el año 2010 y
director de la Red Nacional de Dramaturgia en Colombia
desde el 2011.
Egresado de la Escuela de Teatro del Instituto de Cultura
de Pereira. Se ha formado en diferentes talleres con
maestros como José Sanchis Sinisterra, Eugenio Barba,
Arístides Vargas, Bernardo Rey, Andrés Lima, Patricio
Estrella, Antoni Diamantis, Adrian Jakson, Santiago
García, Fabio Rubiano, Farley Velásquez y Cristóbal
Peláez, entre otros.
Ha publicado los siguientes textos: el libro Escuela para
la reconstrucción de la memoria histórica, intervención
social e investigación financiada y publicada por la
Agencia Norteamericana para el Desarrollo USAID; varios
ensayos y reflexiones en diferentes revistas de teatro
y filosofía; y su obra Un recuerdo en el olvido ha sido
publicada por la ASAB – Universidad Distrital de Bogotá,
en la colección Autores Colombianos, y será publicada
por el Ministerio de Cultura en una edición especial.
Teatro El Paso
Fue fundado en el 2004. El grupo en su corta trayectoria
ha llevado a escena varias obras de diferentes géneros;
conjugando en su propuesta escénica la actuación,
los muñecos y la música en vivo. Por su llamativa y
contemporánea propuesta estética, rigor escénico y
destacada actuación de sus integrantes, Teatro El Paso
ha contado siempre con una gran aceptación por parte
de todos los públicos –especialmente jóvenes–, ha
participado de importantes festivales de teatro y ha sido
merecedor de destacados reconocimientos.
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Las danzas privadas de Jorge
Holguín Uribe
Teatro Matacandelas
Colombia
Ficha Artística
Dirección escénica: Diego Sánchez, María Claudia
Mejía y Cristóbal Peláez.
Textos: Jorge Holguín, Cristóbal Peláez G, Mariluz Uribe
de Holguín, El libro de los muertos, papiro de Ani.
Vestuario y escenografía: Matacandelas.
Diseño y operación de sonido: Jonathan Cadavid.
Composición y dirección musical: Ángela María
Muñoz.
Coreografía: María Claudia Mejía.
Documentación: Mariluz Uribe de Holguín – Margarita
Betancur.
Construcción Pafi: Yaneth Cartagena.
Recomposición dramática: Cristóbal Peláez G.
Diseño y operación de luces: Alejandro Arteaga.
Voces pregrabadas: Magdy Shehata (Egipto), Mariluz
Uribe, Carlos Mario Pineda, Jorge Holguín.
Utilería: Sergio Dávila (hijo) Sergio Dávila (Papá)
Reparto
Juan David Toro - María Isabel García
John Fernando Ospina- Beatriz Prada
Margarita Betancur – Diego Sánchez
Tatiana López – Juan David Correa
Sergio Dávila
Agradecimientos a Stefanía Escudero, Norman
Mejía, Luli Holguín, Juan David Ruiz y Nicolás
Muñoz, José Domingo Garzón, Karen Crespo, Teatro
Pablo Tobón Uribe.
Una coproducción de Matacandelas, Tragaluz
Editores, Confiar, Ministerio de Cultura y Alcaldía
de Medellín.
Lo que pasa es que era casi una obligación. “Estábamos
advertidos -expresa Cristóbal - y ese territorio no lo
hemos trabajado. Si estábamos hablando de Jorge,
había que meter danza. Así que como no hay bailarines,
los actores actúan la danza”.
51
Reseña
52
Esta es una historia que se divide en 22 momentos,
llamados por su autor en la obra original, transfusiones,
en los que se relata la historia del reconocido colombiano
Jorge Holguín, un maestro del arte y la danza que dejó un
valioso legado en Colombia.
Desde el principio de la historia la madre de Jorge le ha
mandado una maleta para que logre regresar en menos
de 2 horas, pero extrañamente la ropa le queda grande,
nadie lo acompaña, nada le sirve, al único que tiene es
a Pafi, su mono de peluche, que tiene una simpática
sonrisa y siempre lo ha acompañado. En adelante todo es
poéticamente inesperado. La puesta en escena se convierte
en todo un diálogo corporal que representa la infancia, la
imaginación, el juego y el goce. En los diferentes momentos
de la historia se pasa rápidamente de sentir inquietud a
disfrutarla, y luego a querer ir más allá, a saber más de lo
que los actores revelan.
Aquí, la música, la danza y la actuación se mezclan de
manera articulada para describir la historia de este gran
personaje, que además de destacarse mucho por haber sido
un gran experto en las artes y la danza, era matemático,
escritor, coreógrafo y dibujante. El montaje está basado en
el primer libro de Jorge Holguín que lleva el mismo nombre
de la obra.
Cristóbal Peláez
Nació en Envigado en 1953 y desde los 18 años empezó a
dirigir dos jóvenes grupos de teatro: El Triángulo y Tercera
Planta, con quienes realizó cerca de seis montajes. Vivió tres
años en España sólo haciendo trabajos de investigación. En
1979 fundó el Colectivo Teatral Matacandelas, en el cual ha
dirigido, ha sido dramaturgo y actor. Han realizado cerca
de cuarenta montajes y más de cinco mil presentaciones
nacionales y en países como Francia, Portugal, España,
Bélgica, Ecuador, Cuba, entre otros.
También ha sido docente en diferentes instituciones,
orientando talleres y seminarios sobre dramaturgia y
puesta en escena. Ha recibido varios premios a lo largo
de su carrera como El premio del Festival Nacional de
Teatro en Cali con su obra “Angelitos empantanados”
(1996), Premio Villanueva de la crítica (Cuba), con la obra
“O Marinero” (2002), El premio a mejor obra de teatro de
sala Alcaldía de Medellín con su obra “Juegos nocturnos
II – velada patafísica” (2005), entre otros.
Entre sus obras más destacadas están: La caída de la casa
Usher, Velada Metafísica, La chica que quería ser Dios, Los
bellos días, Los diplomas, El hada y el cartero, Angelitos
empantanados, entre otras.
Matacandelas
El colectivo teatral Matacandelas fue fundado en 1979 por
Cristóbal Peláez y fue declarado patrimonio cultural de
Medellín en 1991, es una entidad sin ánimo de lucro que
en sus 33 años de vida ha producido más de cincuenta
montajes, entre ellos más de doce, relacionados con el
Teatro de títeres.
Ha sido invitada a importantes festivales como el Festival
Iberoamericano de Cádiz, El Festival de Teatro de La
Frontera (Cúcuta y San Cristóbal Venezuela), el Festival
Internacional de Teatro de Almada (Portugal), al Festival
Mayo teatral en Cuba, el festival Internacional de Teatro en
Lima y al Festival de Teatro de Santo Domingo, entre otros.
Confesionarios
Universidad de Caldas
Universidad de Antioquia
Red Alma Mater,
Producciones Fiksie y
Callsourcing.
COLOMBIA
Ficha Artística
Dirección General: Daniel Ariza Gómez
Reparto: Performers que emiten desde Colombia:
Camilo Cuartas (Medellín), David Carmona y Andrea
Marín (Manizales), Alexandra Mora (Manizales).
Performers que emiten desde Argentina: Jimena Garrido,
Julieta Reyes y Cristina Smargiassi (Córdoba) Carolina
Defosse y GianninaCovezzi (Buenos Aires)
Diseñador Audiovisual: Pablo Andrés Pulgarín Herrera
Ingeniería y conectividad: Luisa Fernanda Cáceres, Carlos
Alvarado (Callsourcing)
Música Original: José Lubier López y Jesús David
Ramírez (Spiral)
Producción: Sergio Arenas y Bredy Gallego
Género: Teatro Interactivo Virtual
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Reseña
Corresponde a uno de los resultados del proyecto de
investigación – creación denominado Confesionarios,
cuerpos escindidos, que se inscribe como la segunda
puesta en escena del Teatro Interactivo en la Virtualidad
(TIV) y que se configura como proyecto de arte
colaborativo en el que participan actores, actrices,
directores, directoras, performer, de Colombia y Argentina
y diseñadores, ingenieros e ingenieras colombianos.
Es una propuesta que permite que los espectadores
participen desde cualquier parte del mundo toda vez
que el soporte en el cual se inscribe es la virtualidad.
Una vez el espectador ingresa al portal: www.
cuerposescindidos.com/obra/ podrá participar de
dos formas: “Interactuando” o como “observador”.
La primera de ellas dará oportunidad de hacer una
participación directa con el performer de alguno (s)
de los cinco performances que están a su disposición.
Bajo la segunda opción, el interesado podrá observar
sin inscripción cualquiera de los performances, solo
deberá hacer clic en alguno de ellos. Las inscripciones
se
realizan
en:
cuerpose@cuerposescindidos.
com Para ver la programación haga clic en: http://
proyectocuerposescindidos.webnode.es/programacionde-presentaciones/
Cada uno de los performances es de autoría y dirección
de sus ejecutores. Cada uno de ellos trabajó teniendo
como detonante el tema del suicidio, lo cual permite
que la obra en general esté constituida por diversas
visiones sobre un tema que va más allá de la muerte
y que propone preguntas en torno a las relaciones, la
memoria, las historias de vida, la relación con los objetos.
Cada uno de los performances son de autoría y dirección
de sus ejecutores, son ellos quienes, a partir del tema
del suicidio han encontrado diferentes formas poéticas
que configuran sus obras.
Daniel Ariza
Profesor Asociado del Departamento de Artes Escénicas
de la Universidad de Caldas. Magister en Estética y
Creación de la Universidad Tecnológica de Pereira.
Maestro en Artes Escénicas de la Universidad Distrital.
Psicólogo de la Universidad de La Sabana. Coordinador
del grupo de investigación: “Teatro, Cultura y Sociedad”,
categoría “D” Colciencias. Actualmente adelanta estudios
de doctorado en Diseño y Creación
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57
ESPECTÁCULOS
DE CALLE
INTERNACIONALES
Mala - Bar
Circ Bover
España
La obra:
Mala-bar es un bar cualquiera donde se encuentran
cuatro desconocidos: el camarero, un músico, un turista
francés y una famosísima artista de circo. Para evitar que
el músico cante sus terribles canciones, los demás hacen
toda una serie de números de circo para entretener al
público asistente.
Como su nombre lo dice, Mala – Bar es un espectáculo
que mezcla Malabares, contorsiones, acrobacias aéreas,
humor y música, con el objetivo de entretener al m´ximo
a todos aquellos que disfrutan del mismo.
Además en medio del show, los espectadores se
convierten en parte de éste, pues de repente son ellos
los se vuelven actores espontáneos elegidos por los
integrantes de la obra.
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59
Pasta e´ trapos
Pepe Picaporte
Costa Rica
Ficha Artística
Producción: Karla Box.
Creación: Johan ¨Pepe¨ Arias.
Banda Sonora: Johan “Pepe” Arias
Clown: Pepe Picaporte
Direccion: Johan “Pepe” Arias
Número de Integrantes en la obra: 1 persona.
Duracion: 1 Hora
MASCARAS: “Todos los intérpretes de la obra, tanto
los Músicos como los Clowns llevan mascararas, están
hechas de una Pasta e´ Trapos moldeada y pintada, y
suelen estar rematadas con una peluca; cada mascara
corresponde a un tipo de personaje”
Pasta e´ Trapos es una obra (Género: Teatro-Clown) en la
que nuestro anfitrión, Pepe Picaporte combina el Clown,
Bufón, Circo, Equilibrios, Magia Cómica,
Expresión
Corporal y Acción Física.
Como ustedes saben en la realidad en que vivimos “nada
es lo que parece”, por lo tanto Pepe nos demuestra
ésta ¨realidad¨ con cada personaje que va a representar;
dando giros en cualquier momento, mostrándonos
de forma lúdica y caótica la relación que hay entre
personajes de la vida real con los personajes ficticios
Clownisados.
Nadie mejor que un payaso para mostrarnos la realidad
de las cosas, éste Clown combina el Equlibrio con la
música en vivo, la Poesía y el Teatro con Expresión
Corporal y Acción Física, el humor con el Clown, el drama
con el Bufón, y el Circo y la Magia Cómica con la VIDA.
En pocas palabras Pepe nos enseñará la ¨realidad ¨ de
la vida que al fin y al cabo viene a ser una irrealidad tal
cual es: imposible, impensable, irrepetible, irrealizable,
irremediable y viceversa.
Pasta e´ Trapos es una concatenación de las últimas
vivencias de Pepe Picaporte
a nivel progresivo,
transgresor, sentimental, vanguardista, teatral y por
supuesto personal (CLOWN).
En ésta oportunidad Pepe Picaporte nos presenta un
extracto de sus últimos 5 monólogos (El Clown Estepario,
Un Clown Desclowntrolado, De Acayeyo, La tranzeta y Lo
Se) para así crear una sencilla combinación de diferentes
números y poder compartir con su público de más de
45m de espectáculo y poder darle vida a ésta Pasta e´
Trapos.
Es un variado menú de personajes y sus lunáticas
historias llenas de clown, excentricismo y bufonadas
como parte esencial del mundo chiflado y bizarro de
Pepe Picaporte.
Es un espectáculo amplio y diverso, sensible y divertido,
dulce y transgresor, tierno e inquietante, obscenito y
valiente.
Un espectáculo curioso y fuera de lo común para
quien quiera entregarse al mundo del CLOWN mientras
observa atónito las historias que se suceden en un
mínimo escenario que parece crecer para dar paso a un
mundo lleno de personajes sorprendentes .
Nuestro propósito principal es que el público logre Ver,
Oír, Sentir y disfrutar de un espectáculo de Clown, lleno
de sensibilidad, amor, trabajo, dedicación, Tabú y por
supuesto mucha RISA.
“La primera obligación de todo ser humano es primero
ser feliz para después hacer feliz a los demás” Mario
Moreno Cantinflas.
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61
Disco (Riante)
Circo da Silva
Brasil
Ficha Técnica:
ULTRAVIOLETA - Paula Preiss (Brasil)
Voz – Melódica - Percusión
HOMEMBUNDA - Arturo Cussen (Chile)
Voz – Guitarra – Clarinete
SIRIVITI - Víctor Giraldo (Colombia)
Voz - Batería
Canciones originales
Arturo Cussen y Lancaster Pinto
Vestuario
Lino Salles y Paula Preiss
Realización
Circo da Silva
El Circo da Silva presenta el disco {RIANTE!}, un disco totalmente
autoral, bilingüe e inspirado en el mundo circense. {RIANTE!}
fue creado especialmente para divertir a los niños y niñas de
Suramérica y del mundo.
Este trío de artistas desarrolla una performance en vivo
altamente histriónica, marcada por la interacción con el público.
El disco {RIANTE!} fue grabado en Rio de Janeiro durante el
año 2011 y contó con la participación de destacados música
de la escena musical Latinoamericana como: Hugo Fatorusso
(Uruguay), Rita Ribeiro (Brasil), Juan Ayala (Chile), Mariana
Baltar (Brasil) y Alexis Graterol (Venezuela).
Creado en el año 2005 en Rio de Janeiro por la pareja de
artistas Paula Preiss y Arturo Cussen, el grupo Circo da Silva
realiza espectáculos en los que conviven Teatro, Música y Circo.
El Circo da Silva se propone generar interacción entre las
personas de los diferentes países de Suramérica, a través de
espectáculos que tienen como eje la mezcla de lenguajes
artísticos de nuestro continente, a partir de las vivencias de
cada integrante. De hecho, el elenco de {RIANTE!} es formado
por un colombiano, una brasileña y un chileno, residentes en
Río de Janeiro.
Destacan dentro de su repertorio, el show del disco bilingüe
{RIANTE!}, el espectáculo infantil de Teatro Físico “HumAnimaL“
y el Musical Callejero “Banda de Muvuca“. Circo da Silva fue
merecedor del Premio de Estímulo al Circo “Carequinha“ en
el año, participa anualmente del encuentro internacional de
payasos “Anjos da Picadeiro“ y ya se presentó en festivales y
eventos en Chile, Perú, Ecuador, Argentina e interior de Brasil.
Up!!!
Xabi Larrea
España
Up!!! Juega con los límites del equilibrio y de la gravedad,
creando figuras de gran impacto visual, apoyadas por
la excentricidad de un personaje apasionado, irónico y
lleno de energía.
Xabi Larrea es un prestigioso artista, invitado permanente
a los más importantes festivales de artes de la calle que
se suceden en Europa.
Junto a un bailarín y malabarista crea la compañía de
calle “Zircus Frack”.
En el año 98/99 marcha a Inglaterra, a la escuela de circo
“CIRCOMEDIA-Centre for Contemporary Circuss & Physical
Performance”, en la cual crea dos números circenses, un
solo de malabares y un doble de trapecio, los cuales
son representados en diferentes festivales británicos, a
destacar “Bath Music Festival”; “Glanstonbury Festival of
Performing Arts” y la “British Juggling Convention”.
62
ESPECTÁCULOS
DE CALLE
COLOMBIA
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Batucada Teatral
Tropa Teatro
Pereira
Director: Jose Alonso Mejía Román
Música: El Grupo
Producción: El Grupo
Comunicaciones: Dario Salazar
Elenco: Maryury Ruiz
Alonso Mejía
Robinson Cardona
Jhonatan Rodriguez
Diego Zabala
La parada teatral integrada por actores- músicos fusiona
de manera armónica y colorida algunos elementos
estéticos como: (Clown, música carnavalesca, malabares,
marionetas y acrobacia). Esta puesta en escena
está diseña para presentarse en espacios urbanoalternativos, y va dirigida al público en general haciendo
énfasis en el ámbito familiar. Tropa Teatro Pereira se
alimenta de frentes escénicos como la imagen teatral,
el ritmo, la sonoridad, el juego corporal y el color,
para intervenir espacios públicos exteriores donde los
espectadores asuman de manera espontánea y tangible
el espectáculo. La forma concreta y directa de explorar
las emociones, es una posibilidad en la vida misma para
gestar una experiencia viva a través del tacto penetrable
del arte.
5 Actos Itinerantes en busca
de Lugar
Pandora Circo Teatro
Manizales
Ficha artística
Director: Sebastian Giraldo Lozano
Dramaturgia: Diego Fernando Díaz Orozco
Intérpretes: Julio Cesar Arias Beleño, Andrés Felipe
Álvarez, Jeiber David Gallego, Diego Fernando Díaz
Orozco, Sergio Escobar, Erika Daniela Marulanda,
Sebastián Giraldo Lozano, Juan Sebastián Vanegas.
Duración: 30 minutos
La propuesta escénica es el resultado de 5 actos de Circo
Contemporáneo donde la única finalidad es mostrar el
cuerpo y sus dimensiones por descubrir. Nace a partir
de la necesidad de comunicar más allá de la palabra que
bien es utilizada como lenguaje para la escena; es aquí
donde el cuerpo toma un significado propio donde los
juegos en escena son evidentes al mezclar el cuerpo con
el movimiento. El montaje explora diferentes técnicas del
Circo Clásico como lo son los malabares y el monociclo.
Pandora Circo Teatro es un grupo que se ha venido
consolidando en la ciudad como ente fortalecedor
de procesos donde el Arte es el principal objetivo,
realizando búsquedas propias en las disciplinas como
el Circo y el Teatro.
Pandora circo teatro se ha caracterizado en la formación
de semilleros artísticos donde se le muestra a los niños
y jóvenes que el circo y el teatro se puede convertir en
un estilo de vida.
65
Ferozcarril
Coproducción Des HelicesUdec-Ft 2007
Manizales
FeroZcarril es la historia de tres personas que transitan
sobre las carreteras hasta que se encuentran alrededor
de un tren, un vagón estacionado en medio de nada.
Los tres personajes no se conocen, no hablan la
misma lengua, en principio no comparten las mismas
motivaciones. Ellos son Eva Sol, Rodrig Balèz y Djo; todos
tres han dejado algo detrás de ellos, así mismo, los tres
buscan algo delante de ellos: una suerte mejor, el éxito
o simplemente, salvar su vida.
Durante esta espera indeterminada, interrumpida
por tentativas obstinadas para que el tren parta, ellos
descubrirán un mecanismo misterioso que permite
revelar a través de la ventana, partes secretas de ellos
mismos, de sus recuerdos y de sus sueños. De igual forma,
con ayuda de algunos objetos personales que han traído
consigo, los personajes van a mostrarnos un periodo
de sus vidas y así, una parte de historia. Por medio de
estos objetos y con marionetas, estos personajes van
entonces a dibujar fragmentos de paisajes interiores
que les habitan; dibujos que son evocaciones poéticas,
crueles o cómicas de cuestiones ligadas al vagabundeo,
a las raíces, a la memoria y también, a la clandestinidad.
Cada personaje tiene una motivación, una excusa
determinada para partir. Eva, migradora que busca en
el partir un destino económico mejor que le permita
ayudar a los suyos que se han quedado en su país; Djo
por su parte, es refugiado, forzado al exilio para huir de
la guerra. Finalmente está Rodrig Balèz el domador de
osos cuyo oso también ha partido dejándole solamente
la piel.
66
El viaje de “El”
Compañía Pasos- Juntos
Danza Contemporánea
Manizales
FICHA ARTISTICA:
Director y coreografía: José Fernando Ovalle
Actores: José Fernando Ovalle, Alexandra Vinaxco, Juan
David Gómez Betancurth
Duración Total: 35 minutos
Obra de carácter autobiográfico que relaciona vida y arte
en espacios no convencionales. La obra plantea un viaje
a través de la memoria de situaciones personales que
se poetizan en el espacio; la obra confronta y hace
partícipe al espectador en un juego de situaciones que
cualquiera ha vivido.
Compañía Pasos- Juntos Danza Contemporánea, creada
en 1997, ha participado en los festivales de danza alterno,
danza insólito, fue ganador de la beca de creación para
espacio no convencional fuera de lugar 2001, ganador
en la convocación becas de creación de la orquesta
filarmónica de Bogotá 2009 con la obra “La amantis
religiosa”; seleccionada para participar en el festival de
danza contemporánea de Bogotá categoría profesional
con la obra “Hoy será un dia feliz”. Ha participado en el
Festival Internacional de Managua en Nicaragua 2007,
ganador en la convocatoria de solos y duetos de la
Orquesta Filarmónica de Bogotá con la obra “EL” 2006.
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El Rabo
Teatro Punto de Partida
Manizales
Ficha artística
Autor: José Ruibal
Dirección: Augusto Muñoz Sánchez
Actores: Johnatan López Cruz, Edwin Valencia.
Vestuario: Teatro Punto de Partida
Maquillaje: Gloria Nidia Giraldo
“El Rabo” es un “Corto” de teatro de vanguardia
surrealista, como casi todo lo que escribe José Ruibal,
estrenado en Aznalcóllar en 1984 por Teatro “La Pinea” y
trata de una charla entre dos perros haciendo una crítica,
una queja de cómo los maltrata la sociedad, hasta que
deciden revelarse contra todos.
José Ruibal (1925). El teatro de Ruibal se caracteriza por
su antidramatismo, dobles sentidos y una simbología
animal, en algunas ocasiones, difícil de descifrar. Así, por
ejemplo, en Los mendigos (1955) retrata una sociedad
ridícula donde las autoridades decretan la prohibición
de la mendicidad porque molesta a los turistas. El Asno
(1962) es una sátira de la explotación colonialista
de un país subdesarrollado por medio de la más alta
tecnología -en este caso un asno electrónico-. Otras
obras del mismo autor son Su majestad la sota (1965),
esperpento sobre las diferentes formas de ejercer el
mando, representado en los cuatro palos de la baraja; El
hombre y la mosca (1968), compleja parábola política,
próxima al teatro de Beckett, o La máquina de pedir
(1969), crítica de la civilización tecnológica. Además es
autor de piezas de café-teatro, como La secretaria, Los
mutantes, El rabo o Los ojos.
68
Semillero dancístico
Universidad de Caldas
El Semillero Dancístico de la Universidad de Caldas es
un Programa de Extensión adscrito a Vicerrectoría de
Proyección, cuyo propósito fundamental es la formación
de públicos desde el rescate de tradiciones y fomento de
valores a través de la puesta en escena que muestra sus
fines en la danza folclórica colombiana, desde una visión
unificada y comprensiva de las regiones geográficas
y culturales colombianas como lo son: la Andina, la
Pacifica, los Llanos Orientales, la Atlántica, la Insular y
la Amazónica.
El Semillero Dancístico se clasifica en la tendencia de
danza folclórica, conformado por estudiantes y egresados
de los diferentes programas académicos que oferta la
Universidad, teniendo como elementos pedagógicos y
didácticos el intercambio cultural nutridos no solo desde
lo local, regional y nacional, sino también desde lo
internacional; además muestra un marcado interés por
la investigación realizando varias indagaciones que han
dado aportes positivos al folclor caldense y a su puesta
en escena.
De acuerdo con su trayectoria municipal, departamental,
nacional e internacional el grupo ha experimentado un
crecimiento bastante considerable vinculando en cada
uno de sus montajes artísticos, elementos fundamentales
como la puesta en escena desde una visión innovadora
comprometiéndose con una perspectiva en términos de
globalización no perdiendo su esencia en lo típico y raizal
que caracteriza nuestra condición de Ser Colombiano.
La concepción de cuerpo y movimiento como lenguaje
universal, ha demarcado un camino fascinante en la
interdisciplinariedad de nuestra mitología (tradición oral),
nuestro arte escrito (folclor literario), lo artesanal (folclor
demosófico), lo instrumental (folclor musical), aspectos
conjugados en la obra artística que entregamos en los
espacios educativos, empresariales, estatales, privados,
convencionales y no convencionales de la región, el país
y el exterior donde tenemos la oportunidad de llevar
nuestro mensaje.
69
En su diseño curricular y planeación estratégica, el
Semillero Dancístico cuenta con tres grupos, distribuidos
así: Iniciación dancística, danza infantil y planta, a los
cuales se les imparte enseñanza a través de talleres
pedagógicos con contenidos temáticos como: Expresión
corporal y dramaturgia, iniciación musical, educación
rítmica, estructuración espacial y composición
coreográfica.
Durante el tiempo de existencia del programa, el cual
se remonta a mas de 15 años en la Universidad, el
programa de extensión ha tenido la oportunidad de
descubrir otros escenarios de incursión e intervención de
la danza, como son: El bienestar personal, la educación,
el mantenimiento de la salud, la condición física, el
turismo y el paisaje, el legado cultural, el conocimiento
de la cultura colombiana.
Está conformado por estudiantes activos y egresados
de la mayoría de programas académicos que oferta
la Universidad, entre ellos: Educación Física, Artes
Escénicas, Ciencias Sociales, Veterinaria, Ingeniería de
Alimentos, Geología, Lenguas Modernas, Enfermería,
Trabajo Social, entre otros. Nació como idea hacia el año
1991 y se consolidó de manera oficial en la Universidad
hacia el año 1995 cuando recibe un reconocimiento
especial por parte de la asociación de profesores APUC y
la Oficina de Extensión.
En los actuales momentos el Semillero Dancístico y
la Universidad de Caldas por Colombia, hace parte de
un proyecto latinoamericano investigativo y artístico
en el que participan otros países como: Venezuela,
Chile, Ecuador, México, Perú, Argentina. El propósito
fundamental es el de contar la historia común de latinos
a través de la puesta en escena de todos los elementos
artísticos e investigativos que sustentan el componente
danzado en la conformación de nuestras comunidades
en Latinoamérica.
De ahí que se estén desarrollando itinerancias por
distintos festivales internacionales de danza folclórica
en Lima – Perú, en Latacunga – Ecuador y en el mes de
Octubre próximo en Mérida – Venezuela. Estos festivales
se convierten en el pretexto y en la excusa académica
y de puesta en escena para reunirnos y reencontrarnos
para compartir los avances de la búsqueda y continuar
la construcción colectiva de escenario.
70
Compañía Pasos- Juntos
Danza Contemporánea
Colombia
Creada en 1997, ha participado en los festivales de
danza alterno, danza insólito, fue ganador de la beca
de creación para espacio no convencional fuera de lugar
2001, ganador en la convocación becas de creación de
la orquesta filarmónica de Bogotá 2009 con la obra “La
amantis religiosa”, ganador para participar en el festival
de danza contemporánea de Bogotá categoría profesional
con la obra “Hoy será un dia feliz”, ha participado en el
festival internacional de Managua en Nicaragua 2007,
ganador en la convocatoria de solos y duetos de la
orquesta filarmónica de bogota con la obra “EL” 2006.
En la actualidad centra su investigación-creación en
danza para espacio no convencional involucrando a los
espectadores y ´presentando otras miradas del espacio.
75
Secuelas
Secuelas de Teatro, es el espacio académico del Festival,
que gira en torno al fortalecimiento y a la reflexión,
dirigida al público interesado en el Teatro y en especial
a directores, dramaturgos, bailarines, coreógrafos,
escenógrafos, productores, maestros y estudiantes
de artes escénicas. Cinco días de discusión donde los
participantes podrán enterarse del quehacer escénico a
través de conferencias, conversatorios, talleres y mesas
redondas a cargo de expertos en diferentes frentes de
las artes escénicas de Colombia y el mundo.
Centro Cultural y de Convenciones
Teatro Los Fundadores
Sala Cumanday
3 al 7 de septiembre de 2012
Manizales, Colombia
Conversatorios y Conferencias
/El Centro Cultural General San Martin de Buenos Aires
/Re-visiones acerca de los festivales de teatro en
Iberoamérica
/Festivales y la enfermedad denominada Festivalitis
/El teatro latinoamericano desde la perspectiva de los
jóvenes creadores
/Dramaturgias y gestión
Mesas Redondas:
/Panorama del teatro musical en Estados Unidos
/El teatro latinoamericano desde la perspectiva de los
jóvenes creadores
/Modelos de gestión de centros culturales y su
articulación con la ciudad
/Testimonio de gestión
/Teatro y política
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Invitados
ALBERTO LIGALUPPI
Argentina
Estudió arte en el Instituto de Bellas Artes de Santa Rosa
y en la Escuela de Arte de la Universidad Nacional de
Córdoba, institución donde también estudió Arquitectura.
En Estados Unidos estudió arte en el Print-making Workshop y en Siena Studios (New York City).
Ha sido docente en teatro de las Universidad Nacional de
San Luis y Universidad Nacional de Córdoba.
Actualmente es asesor, académico y docente del Curso
Internacional de Gestión Cultural en la Facultad de
Ciencias Económicas, Universidad Nacional de Córdoba.
Durante varios años se dedicó a las artes visuales. Ha
realizado más de cuarenta exposiciones grupales y
quince individuales que le han merecido varios premios
además su obra se puede encontrar en diferentes
museos y colecciones de Latinoamérica y EEUU.
Fue coordinador de programación de la “Bienarte
Córdoba”, fundador de la Feria Internacional de Córdoba
“Arte-Córdoba” y jurado de certámenes nacionales e
internacionales.
Como director teatral realizó más de 18 puestas en
escena en Argentina y Estados Unidos, participó en
varios festivales internacionales.
Fue director del Festival Nacional de Teatro Universitario
ENTU1987.
Ha sido asesor, director y coordinador de programación
del Festival Latinoamericano de Teatro de Córdoba, así
mismo responsable de la subsede Córdoba del Festival
Internacional de Buenos Aires. Entre 2007 y 2010 fue
co-director del Festival Internacional de Buenos Aires
(FIBA). Actualmente es Director General Artístico del
Complejo Teatral de Buenos Aires.
Fue crítico del diario “La Mañana” de Córdoba, y
colaborador de las revistas “la Maga”, “Teatro al sur” y
“Picadero”de Buenos Aires. Actualmente escribe para la
revista “Escenario” de Córdoba.
Desde el 2004 preside la Fundación Proyecto Pluja, en
la que dirige los encuentros “Internacional de Jóvenes
Dramaturgos Jorge Díaz” dedicados a la escritura
colectiva, y “Confluencia Mercosur”, cuya primera
edición fue en 2008, y trató sobre las dificultades de
la distribución y representación del texto teatral en la
región.
En 2006 obtuvo el premio Jerónimo Luis de Cabrera a
la Cultura, reconocimiento que entrega la Ciudad de
Córdoba a la trayectoria cultural.
77
ANA MARTHA DE PIZARRO
Colombia
Gestora
Cultural,
directora
ejecutiva
Festival
Iberoamericano de Teatro de Bogotá.
Estudió Antropología en la Universidad Nacional en
Bogotá. Durante tres años trabajó en la Secretaría de
Educación para el Instituto de Pedagogía, en el desarrollo
e implementación de nuevas técnicas educativas para
maestros de la ciudad. Publicó dos libros luego de un
trabajo de investigación en cerámica, cestería y textiles
en Colombia. Entre 1984 y 1986, dirigió el área cultural
para las zonas de desplazados en el Plan Nacional de
Rehabilitación, auspiciado por la Presidencia de la
República. Durante un año dirigió el Teatro Jorge Eliécer
Gaitán, antes de entrar por tres años a formar parte de
la ONG Viva la Ciudadanía, creada especialmente tras la
apertura de la Asamblea Nacional Constituyente, en la
cual dirigió el área cultural.
En 1993 entró a formar parte del Festival Iberoamericano
de Teatro de Bogotá y la Fundación Teatro Nacional al
lado de Fanny Mikey, como su directora de Relaciones
Públicas e Internacionales, cargo en el que permaneció
15 años y desde el que manejó las relaciones con
las Embajadas y otras organizaciones diplomáticas
acreditadas en Colombia, entidades gubernamentales,
nacionales y distritales, empresas públicas y privadas
para la gestión, programación, patrocinios y desarrollo
de todos los eventos dentro del Festival y del Teatro
Nacional al igual que los relativos a giras nacionales e
internacionales y eventos masivos fuera de los teatros
y también con entidades internacionales de la cultura.
Desde marzo de 2009, es la directora ejecutiva del
Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá.
78
ÁNGEL GIL ORRIOS
España
Director aríistico y ejecutivo del THALIA SPANISH
THEATRE de Nueva York, por cuyo destacado trabajo, en
2009 recibió Mayor’s Award for Arts & Culture, el mayor
reconocimiento que otorga Nueva York de manos del
alcalde de la ciudad, Michael Bloomberg. En sus 34 años
de experiencia como director y productor ha realizado
más de 120 producciones teatrales en España, Estados
Unidos y Francia, que le han valido el elogio de los críticos
por sus innovadoras puestas de escena y le han hecho
merecedor de numerosos premios internacionales, entre
los que destacan: la Medalla de Plata de la Academie
des Arts-Sciences-Lettres de París en 1987; el Premio
ACE al Mejor Director por la Asociación de Críticos de
Espectáculos de Nueva York en 1989, 2001, 2002, 2006,
2008, 2009 y 2011; el Premio HOLA al Mejor Director y
Productor por la organización Hispana de Actores Latinos
en Nueva York en 2001, 2002, 2004, 2006, 2008, 2009,
2010 y 2011; y el Trofeo Príncipe Fernando de Zaragoza
(su ciudad natal en España) en 1975 como “firme
promesa del teatro español”. En 2010 la Asociación
de Críticos de Espectáculos de Nueva York le concedió
el Premio Especial ACE a su Trayectoria Artística como
Director y Productor.
Sus espectáculos destacan por tener el máximo rigor
artístico y profesional. Sus producciones son únicas, de
la máxima calidad, habiendo llevado a cabo multitud
de estrenos mundiales y estrenos bilingües en Estados
Unidos, alternando funciones tanto en inglés como en
español de las obras más destacadas de los principales
autores españoles, latinoamericanos e hispanos.
79
CÉSAR CASTAÑO
Colombia
Director del Encuentro de Lecturas Dramáticas de Pereira
desde el año 2010 y director de la Red Nacional de
Dramaturgia en Colombia desde el 2011.
Egresado de la Escuela de Teatro del Instituto de Cultura
de Pereira. Se ha formado en diferentes talleres con
maestros como José Sanchis Sinisterra, Eugenio Barba,
Arístides Vargas, Bernardo Rey, Andrés Lima, Patricio
Estrella, Antoni Diamantis, Adrian Jakson, Santiago
García, Fabio Rubiano, Farley Velásquez, Cristóbal Peláez,
entre otros.
Con estudios en Etnoeducación y desarrollo comunitario
de la Universidad Tecnológica de Pereira. Su experiencia,
de más de 15 años en el trabajo social comunitario,
lo ha llevado a coordinar proyectos de intervención
sociocultural y realizar creaciones teatrales con la
Organización Internacional de Migraciones OIM, la
Organización de Naciones Unidas ONU y el Programa
Acción Social de la Presidencia de la República de
Colombia.
Ha publicado los siguientes textos: el libro Escuela para
la Reconstrucción de la Memoria Histórica, intervención
social e investigación financiada y publicada por la
Agencia Norteamericana para el Desarrollo USAID;
varios ensayos y reflexiones en diferentes revistas de
teatro y filosofía; y su obra teatral Un recuerdo en el
olvido publicada por la ASAB – Universidad Distrital de
Bogotá, en la colección Autores Colombianos, y que
será publicada también por el Ministerio de Cultura de
Colombia.
Sus textos dramatúrgicos han sido seleccionados para ser
leídos en la Semana de la Dramaturgia en Cali 2010, en
el Seminario Internacional de Dramaturgia de La Tebaida
2011 y en el Ciclo Nacional de Lecturas Dramáticas en
Cali 2011.
80
FREDDY GINEBRA
República Dominicana
Batallador incansable, soñador y bohemio caracterizado
por su buen humor, pero sobre todo por su sensibilidad.
Su talento, creatividad y dotes artísticos quedan
plasmados con la fundación, en 1974, de Casa de Teatro,
que sin lugar a dudas ha sido refugio de los artistas
dominicanos y de los amantes del teatro, las artes
plásticas, la danza, la literatura, la fotografía, en fin todo
lo que implique vocación artística.
Freddy Ginebra ha sido promotor de teatro por casi treinta
años. Desde Casa del Teatro rebasa las fronteras de
Santo Domingo, Freddy batalla a favor de dar a conocer
no solo jóvenes valores dominicanos, sino también lo
mejor de la cultura de la región caribeña, y con especial
apego, la cubana. Su ciudadanía, más allá de pertenecer
a la isla compartida de Dominicana, es una pertenencia
caribeña y en especial a la Mayor de las Antillas.
81
GABRIEL CALDERÓN
Uruguay
Dramaturgo y director, quien se ha convertido en uno de
los autores paradigmáticos de la nueva escena teatral
uruguaya.
Debutó como director en el 2000 con una obra de su
autoría concursando en un festival de Teatro Joven en
Montevideo, siéndole otorgado en dicha oportunidad
el primer premio del Festival y una Mención a mejor
dramaturgia.
Fue becado en 2004 por la Fundación Carolina, para
realizar en Madrid - España, el “Curso de profesionales
en dramaturgia y dirección de Teatro”. Participó en 2004,
2005 y 2006 de los “Encuentros internacionales de
jóvenes dramaturgos” en Córdoba, Argentina.
Participo en la Residencia Internacional del Royal Court
Theatre durante el 2009.
Del 2006 al 2010 se desempeñó como Coordinador
General de Programas y Proyectos Culturales de la
Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación
y Cultura de Uruguay. Actualmente es asesor de la
Dirección Nacional de Cultura.
Sus textos han sido traducidos al portugués, inglés y
alemán.
Es codirector de la Compañía de Artes Escénicas
Contemporáneas COMPLOT (www.ciacomplot.com ).
Obras
/2010: La casa que decía la verdad
/2009: Or - tal vez la vida sea ridícula/2008: Obscena
/2008: Un Día en la vida de Monseñor Rasguño
/2007: Las nenas de Pepe
/2006: Uz- el pueblo (Obra completa disponible)
/2006: Mi pequeño Mundo Porno
/2006: Boris muere
/2005: EL callejón de los Ateos
/2004: Mi Muñequita -la farsa- (Obra completa
disponible)
/2004: Las buenas muertes (Obra completa disponible)
/2003: Taurus -el juego/2003: Llagdán (Obra completa disponible)
/2001: Más vale solo
82
Premios
/2006: Primer premio a jóvenes talentos otorgado por la
fundación Bank Boston
/2005: Premio Morosoli por su aporte a la cultura
nacional en su joven trayectoria.
/2005: Premio Florencio a mejor Director del año
/2008: Obscena Premio Iris
/2006: Mi pequeño Mundo Porno Mención de honor en
el concurso Literario Municipal
/2005: EL callejón de los Ateos Mención honorífica del
fondo Nacional del Teatro
/2004: Mi Muñequita -la farsa-Nominado al Florencio
otorgados por la Asociación de Críticos de Teatro del
Uruguay a Mejor texto de autor nacional
/2003: Más vale solo Primera Mención de honor en el
Concurso de jóvenes autores convocado por el Instituto
Internacional de Teatro
/2003: Las buenas muertes Primer Premio en el
Concurso de jóvenes autores convocado por el Instituto
Internacional de Teatro
/2003: Mi Muñequita -la farsa-Segunda Mención de
honor en el Concurso de jóvenes autores convocado por
el Instituto Internacional de Teatro
/2003: Taurus -el juego-Nominado al Premio Florencio
Revelación otorgado por la Asociación de Críticos
Teatrales del Uruguay por su Autoría y Dirección
/2001: Más vale solo Primer Premio Mejor espectáculo
y Mención a Mejor Dramaturgia del 11º Encuentro de
Teatro Joven en Montevideo
83
Igor Lozada
México
Igor Lozada es considerado como un destacado productor
en el quehacer teatral mexicano. Es co-fundador, director
ejecutivo y productor del Teatro de “Ciertos Habitantes”,
compañía cuyas producciones han sido presentadas
en México, Europa, Latinoamérica, Estados Unidos y el
Caribe con gran éxito.
Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad
Nacional Autónoma de México. Posteriormente, cursó
la carrera de actuación en el Núcleo de Estudios
Teatrales y ha ampliado su formación artística realizando
diplomados en Casa del Teatro y en el Centro Nacional
de las Artes, con maestros como Richard Schechner, Luis
de Tavira y José Caballero.
Además del trabajo que realiza conjuntamente con el
director Claudio Valdés Kuri, su actividad interdisciplinaria
como productor, actor y asistente de dirección, lo ha
llevado a colaborar con artistas como Miguel Ángel
Gaspar, Luis Mario Moncada, Pablo Mandoki, Rubén Ortiz
y Susana Wein.
Se ha desempeñado también como productor ejecutivo
y coordinador de T=teatro del Festival Internacional
Cervantino, director técnico de la Muestra Nacional de
Teatro y coordinador técnico del Festival del Caribe.
JORGE HUGO MARÍN
Colombia
Nació en Medellín en 1981. Es Maestro en Arte Dramático
de la Universidad de Antioquia. Ha incursionado en teatro
como actor, asistente de dirección y director desde 2004.
También ha realizado talleres de actuación y dirección
con maestros como Declan Donellan y Nicolás Stemann.
Como actor, trabajó en las películas Adiós Ana Elisa y
Operación Jaque, y en la obra de teatro “Un beso de
dick”.
Es uno de los dramaturgos y directores que están
renovando la escena teatral nacional. Sus obras abordan
las relaciones humanas con una visión cruda y directa,
y se apropian de espacios cotidianos donde el público
puede llegar a reflejarse en un espejo cruel.
A los 23 años fue asistente de Jorge Alí Triana en “Al
diablo la maldita primavera” y dos años después repitió
el cargo en “Hamlet”, un montaje de Martín Acosta que
lo llevó al Festival Iberoamericano de Teatro, el Festival
Cervantino y Teatro Stage Fest en Nueva York.
Nada despreciable para un joven que hoy, a sus 30
años, ya escribió cinco obras, dos de las cuales fueron
estrenadas en los dos últimos años: El autor intelectual
(2009) y Los autores materiales (2010), que son parte de
una trilogía llamada Sobre algunos asuntos de familia, y
que completará con su próximo estreno: Cómo quieres
que te quiera. Las otras dos todavía están en el papel.
84
LUIS GUENEL
Chile
Oriundo de Punta Arenas, egresó de la Escuela de Teatro
de la Universidad Mayor el año 2006 con el montaje “La
Playa” dirigida por Rodrigo Pérez.
En 2006 comenzó su trabajo de dirección teatral con
“Hambre”, relectura del libro “Los Vigilantes” de Diamela
Eltit, la cual fue presentada a finales de ese mismo año.
Ingresó becado al Centro de Investigación Teatro La
Memoria, el cual dirige Alfredo Castro, para realizar
el Seminario de Dirección Teatral. Entre sus trabajos
más destacados dentro de este programa de estudio
se encuentran: “Viuda (Adaptación de Diatriba de la
Empecinada de Juan Radrigán)”, “Filoctetes” y “Aquí
le Llega” trabajo de finalización del primer año del
mencionado seminario, el que además fue presentado
en el “Festival 7 Para Nuevos Directores Teatrales” del
Departamento de Teatro de la Universidad de Chile el
año 2007.
Durante 2007 también se desempeñó como asistente de
dirección de Heidrun Breier en el montaje “BlackBird”, y
de Didier Ruíz, director francés invitado por la Universidad
Mayor y el Instituto Chileno Francés, para la realización
del montaje “Dale Recuerdos” con personas de la tercera
edad.
Además, desde ese mismo año cursa el Magíster en
Gestión y Administración Cultural en la Facultad de
Economía y Negocios de la Universidad de Chile.
Guenel, también ha realizado labores de docencia
como ayudante de Marcos Guzmán en la Escuela de
Teatro de la Universidad Mayor; y de Hugo Medina en la
Universidad Academia de Humanismo Cristiano.
Otro de sus trabajos destacados es el que desarrolla
junto a Hain Producciones, conglomerado de actores
que, desde hace dos años, realiza en la ciudad de
Punta Arenas el “Festival de Teatro Cielos del Infinito”
financiado por el Fondart.
Este último trabajo le valió ser galardonado el año 2008
con el premio “Joven destacado del año en la Región de
Magallanes”, entregado por el (INJUV) Instituto Nacional
de la Juventud.
85
86
MARCELO BONES
Brasil
Actor brasileño, licenciado en Sociología por la
Universidad Federal de Minas Gerais (Belo Horizonte,
Brasil) también es director y profesor de teatro.
Fundador y director de El Andante, un grupo de teatro con
20 años de trayectoria, ha sido uno de los más activos y
expresivos de la escena teatral en Brasil, participando en
diferentes festivales nacionales e internacionales.
Con sus actuaciones y como polemista, mediador,
docente y observador ha hecho parte de varios festivales,
entre ellos: Festival Internacional de Canela (RS), Festival
de Teatro de Avignon (Francia), Festival de la Calle
Aurrilac (Francia) , Festival de Teatro del Gesto Perigueux
(Francia), II Mostra de Teatro de Brasil - Ribeirão Preto
(Brasil), I Festival Cultural de la Calle - Bogotá (Colombia),
III Mostra de Teatro de Brasil - São Paulo (SP ), FILO Festival Internacional de Teatro de Londrina, en Porto
Alegre Escena - Festival Internacional de Teatro, el anillo
de los Ángeles - Encuentro Internacional de Payasos
- Grupo Internacional de Teatro (Argentina), Festival
Internacional de Teatro en Buenos Aires, Santiago, Chile
y Bogotá.
Actualmente se desempeña como Coordinador General
de la FIT - BH 2004: Festival Internacional de Teatro de
Belo Horizonte y en enero de 2009 asumió la dirección
de Artes Escénicas del Fondo Nacional de las Artes Ministerio de Cultura de Brasil.
Para sus seguidores en twitter : @marcelobones
NORKA CHIAPUSO CANTABRANA
País Vasco
Licenciada en filología vasca de la Universidad de Deusto.
Asumió la dirección de los centros culturales Loiola y
Lugaritz de San Sebastián entre 1987 y 1999.
Miembro del comité organizador y del artístico de la
feria de teatro de Donostia-San Sebastián durante los
años 1998 y 1999.
Director de programación de artes escénicas y música
del patronato municipal de cultura de Donostia San
Sebastián desde octubre de 1999 hasta julio de 2001.
Director de los teatros Victoria Eugenia y Teatro principal
del Patronato Municipal de Cultura de Donostia San
Sebastián desde julio de 2001.
Desde 1.996 hasta 2009 fue colaborador de la dirección
de creación y difusión cultural del departamento de
cultura del gobierno vasco en su apartado de teatro.
Director de la Feria de Teatro de Donostia-San Sebastián
desde el año 2000.
Miembro de la Comisión Artística de Euskadiko Antzokien
Sarea desde 2009.
Miembro de la Comisión Ejecutiva de Euskadiko
Antzokien Sarea desde 1996.
VOLKER LÖSCH
Alemania
Director y actor de teatro Alemán, recibe formación
teatral en Hamburgo y Kiel. En sus inicios, trabaja como
actor, contratado por el Deutsches Nationaltheater
(Teatro Nacional Alemán) de Weimar, el Deutsches
Theater Göttingen y el Neumarkt Theater de Zürich.
Realiza su primera puesta en escena en 1995, desde
entonces se dedica solamente a la dirección teatral. Ha
trabajado en varios teatros municipales y nacionales
(Berlín, Berna, Bonn, Bremen, Dresden, Düsseldorf,
Essen, Freiburg, Graz, Hamburgo, Leipzig, Oberhausen,
Saarbrücken,
Stuttgart, Tübingen, Wuppertal, Zurich) donde ha llevado
a escena más de cincuenta grandes espectáculos.
Entre sus más recientes creaciones se destacan:
Orestie, Die Weber (Los tejedores), Dresdner
Staatsschauspiel (2005), Dogville, Medea, Hamlet, Ilias,
Staatstheater Stuttgart (2005-2011), Marat: ¿qué ha sido
de nuestra revolución? Schauspielhaus Hamburg (2008),
Berlin Alexanderplatz, Lulu, Schaubühne Berlin (2009,
2010), Die Räuber (Los bandidos) Theater Bremen (2010),
Hänsel und Gretel, Schauspielhaus Hamburg (2010).
Ha sido galardonado por la Deutsche Bühneb (escena
alemana) por la puesta en escena de “Los tejedores”
y nominado al premio Der Faust como mejor director
teatral.
En 2009, fue invitado a participar del Encuentro del
Teatro en Berlín (las diez mejores obras del año) con la
obra Marat/Sade.
Desde 2006, es director escénico e integrante del equipo
de dirección artística del Staatstheater de Suttgart, la
mayor institución teatral europea en materia de música,
danza y teatro.
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DE CALLE
INTERNACIONALES
FERIA DEL LIBRO
La Universidad de Caldas, en asocio con el Festival
Internacional de teatro viene realizando desde hace tres
años La Feria del Libro, que tiene por objetivo contribuir
al desarrollo cultural de la ciudad. El evento ofrece una
amplia oferta editorial y académica que convoca lo que
lo constituye en una plataforma para el intercambio
cultural.
Los visitantes a la Feria podrán encontrar la producción
de instituciones a nivel nacional, programación
académica, eventos culturales, presentación de libros,
talleres infantiles, teatro y música.
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¿QUÉ SE ENCONTRARÁN EN LA
FERIA DEL LIBRO?
Los visitantes de la 3ª Feria del Libro podrán encontrar la
producción de instituciones académicas a nivel nacional,
conferencias de escritores reconocidos, programación
académica, eventos culturales, presentaciones de libros,
talleres infantiles y juveniles, teatro, música, danza y
espacios interactivos para los asistentes a la Feria.
Escritores nacionales, poetas, dramaturgos se unirán a
esta fiesta literaria.
INVITADOS
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María Kodama
Buenos aires 1937
Escritora, traductora y profesora de literatura argentina.
Nació en Buenos Aires. Conoció al escritor argentino
Jorge Luis Borges en unas sesiones de estudios literarios
por su condición de licenciada en Literatura. Luego de
ser compañera de estudios, en 1975 se convierte en su
secretaria personal y lo acompaña en todos sus viajes
al exterior.
Colaboró con él en los libros Breve antología anglosajona
(1978) y Atlas (1984), testimonio de viajes que realizaron
juntos alrededor del mundo, y en la traducción del
Gylfaginning, primer libro de la Edda Menor de Snorri
Sturluson, que se publicó bajo el título La alucinación
de Gylfi.
El 26 de abril de 1986 se casaron en paraguay y pocos
meses después murió el escritor. María Kodama Preside
la Fundación Internacional Jorge Luis Borges, con sede
en Buenos Aires.
Lucía estrada
Medellín, 1980.
Poeta. Formó parte del comité organizador del Festival
Internacional de Poesía de Medellín entre los años 2003
y 2007, en la actualidad es miembro del comité editorial
de la revista Alhucema de Granada (España).Su poesía
explora el mundo de la noche, el símbolo, la escritura
como destino, el misterio del ser y el sueño. Sus textos
han sido traducidos al inglés, alemán, francés e italiano
y difundidos en diferentes antologías de Colombia, Costa
Rica, España, México, Chile, Perú y Venezuela. Sobre su
obra escribió en su momento, para el prólogo de Las
Hijas del Espino, el poeta colombiano Juan Manuel Roca:
“Las Hijas del Espino es uno de los más bellos libros que
se hayan escrito en Colombia, desde la Madre Josefa del
Castillo a nuestros días”.
Andrés Burgos
Medellín, 1973.
Escritor y cineasta colombiano.
Como escritor ha publicado La Gente casi siempre
(Universidad EAFIT, 2000), y las novelas Manual de
pelea (Norma, 2004) y Nunca en cines (Norma, 2005).
Fue seleccionado para la antología Señales de ruta
(Arango Editores, 2008). Como director de cine, fue autor
y director del cortometraje para cine Gajes del Oficio y
es director de Sofía y el Terco película que se estrenará
el 3 de agosto.
Juan Manuel Roca
Medellín, 1946.
Poeta. Pasó sus primeros años en México y después
vivió en París. Durante los años 1988 a 1999 coordinó el
Magazín Dominical de El Espectador, separata cultural con
la que se formó prácticamente una generación, pues en
esta se publicaron un buen número de poemas, reseñas
y comentarios sobre los principales poetas modernos y
contemporáneos. Fue además cofundador de la revista
Clave de Sol y del periódico cultural La Sagrada Escritura.
Además, desde 1986 ha realizado talleres de apreciación
poética en la Casa de Poesía Silva de Bogotá. En 1993
recibió el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar
y en 1997 la Universidad del Valle le otorgó el doctorado
Honoris Causa en literatura. Ha participado como jurado
en certámenes literarios nacionales e internacionales.
Con el libro Las Plagas secretas y otros cuentos, ganó el
concurso de cuento de la Universidad de Antioquia. Su
primera y única novela se titula Esa maldita costumbre
de morir, publicada en el año 2003. Es uno de los poetas
más leídos en Colombia, con gran recepción en
España y Latinoamérica y su obra ha sido traducida a
varios idiomas.
97
Ramón Illán Bacca
Santa Marta, 1938
Abogado, escritor y maestro. Es uno de los mayores
representantes de la literatura de la Costa Caribe
colombiana y uno de los exponentes más importantes
del género policíaco en Colombia. Entre sus obras se
encuentran los cuentarios Tres para una mesa (1991),
Señora Tentación (1994) y El espía inglés (2001), las
novelas Deborah Kruel (1990), Maracas en la ópera
(1999), Disfrázate como quieras (2002), La mujer del
defenestrado (2008) y La mujer barbuda (2011).
Ha obtenido diferentes galardones literarios como el el
Primer Premio del III Concurso de Cuento del Instituto
de Cultura del Magdalena (1979), Primer Premio del
Concurso de Cuento Regional Diario del Caribe (1981),
además, obtuvo el premio Simón Bolívar de Periodismo
en el año 2004, en la categoría de mejor artículo cultural,
por el prólogo del a edición íntegra de la revista Voces
1917-1920. Su novela Deborah Kruel fue finalista en el
concurso de novela Plaza y Janés en 1987 y Maracas en
la ópera fue ganadora del concurso Cámara de Comercio
de Medellín en 1996.
Actualmente trabaja como profesor en la Universidad del
Norte de Barranquilla.
Iván Darío Álvarez
Medellín, 1956
Titiritero, escritor, dramaturgo y ensayista. Cofundador
y codirector del grupo de títeres La libélula dorada.
Hizo estudios de dirección y escritura escénica en el
Instituto de Teatro de Barcelona, España. Con su grupo
ha participado en el Festival Internacional de Teatro
de Manizales y en otros importantes eventos como el
Festival Cervantino de México, en todas las versiones
del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, en
Expo- Sevilla, en el Festival Mundial de las Naciones en
Santiago de Chile, en la Feria del Libro de La Habana,
y en el Festival Internacional de Títeres de Quito. Ha
escrito, entre otras obras, La rebelión de los títeres y El
dulce encanto de la isla acraci.
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Harold Alvarado
Buga, 1945.
Poeta, ensayista, traductor y periodista perteneciente a
la llamada Generación desencantada. Hizo estudios de
Letras en la Universidad Complutense de Madrid, donde
recibió Título de Doctor con una tesis sobre Jorge Luis
Borges. Fue Director del Departamento de Español de
Marymount Manhattan College de New York, donde
condujo The Latin American & Spanish Series. Trabajó
para la Editorial China Hoy de Beijing, donde tradujo más
de cien poemas eróticos de todos los tiempos, reunidos
en Poemas Chinos de Amor (1992/2004) y fue director
de la revista literaria Arquitrave (1992). Algunos de sus
libros son 25 (2010) entrevistas con escritores; Brando
im Schwarzwald y otros poemas (2010); Ultrajes (2007);
Fragmentos y despojos (2002); Literaturas de América
Latina (1995), Ensayos (1994), La poesía de T.S. Eliot
(1988), Espejo de máscaras (1987), Una generación
desencantada: los poetas colombianos de los años
setentas (1985), Kavafis (1984) y Cinco poetas españoles
de la Generación del Cincuenta (1980). Ha sido traducido
al alemán, árabe, chino, francés, griego, inglés, italiano,
portugués y rumano e incluido en diversas antologías a
nivel nacional e internacional. Actualmente es profesor
titular de la Cátedra de Literaturas de América Latina y
Director del Departamento de Literatura de la Universidad
Nacional de Colombia.
Samuel Vásquez
Medellín, 1949.
Poeta, dramaturgo, ensayista y artista plástico. Ha sido
curador de la Bienal de Arte de Medellín. Fundador y
director del Taller de Artes de Medellín que congregó
diversas disciplinas: teatro, música, danza y artes
plásticas. Sus obras de teatro han sido escenificadas
en España, Venezuela y Cuba, así como distintas
ciudades colombianas. Ha dirigido 17 obras teatrales y
ha participado como miembro del comité organizador
del Festival Internacional de Poesía de Medellín.
Es, además, cofundador de la revista Prometeo del
mencionado festival. Su poesía ha sido traducida al
rumano, portugués, francés e inglés.
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Juan Diego Mejía
Medellín
Se graduó en Matemáticas en la Universidad Nacional
de Medellín.
En 1982 ganó el Primer premio nacional de cuento
Colcultura-Gobernación del Quindío. Ese mismo año
publicó su primer libro de cuentos y en 1996 obtuvo el
primer Premio nacional de Novela de Colcultura.
Ha publicado entre otros libros:
El cine era mejor que la vida (novela. Colcultura 1997,
Editorial Universidad de Antioquia, 2000, Editorial
Norma, 2003)
Camila Todoslosfuegos (novela. Editorial Norma, 2001)
El dedo índice de Mao (novela. Editorial Norma 2003)
Era lunes cuando cayó del cielo (novela. Editorial
Alfaguara, 2008)
Juan Diego Mejía ha combinado el ejercicio de la
literatura con ocupaciones que lo han mantenido unido
a la realidad colombiana y en particular a su ciudad.
Fundó y dirigió durante varios años el primer canal de
televisión universitaria, Canal U. Fue secretario de Cultura
Ciudadana de Medellín durante los años 2004 y 2005. En
2006 dirigió el primer año al aire de CULTURAMA, el
programa cultural del Canal Público Señal Colombia.
Ha sido columnista y colaborador en varias revistas de
circulación nacional.
Es profesor en la Maestría de Escrituras Creativas de la
Universidad Nacional de Colombia en Bogotá
Actualmente coordina la producción de documentales
del Bicentenario de la Independencia con el Ministerio
de Cultura y las celebraciones del bicentenario en la
ciudad de Medellín.
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CARLOS JACANAMIJOY
Exposición Museo de Arte de Caldas
Como abstracción medular de las artes visuales, la
abstracción hizo su aparición hace miles de años. No
desapareció nunca del todo, pero con los siglos se
volvió una expresión subsidiaria de la figuración. La gran
excepción se dio en el Islam, visible en los arasbecos
que ornan las paredes de las mezquitas y palacios. Es
comprensible, por lo mismo, que cuando la abstracción
fue rescatada y volvió a ganar importancia, sus teóricos
más dedicados y serios [Kandinsky, Malevich y Mondrian]
la hubieran asumido con la idea de devolverle al arte la
espiritualidad que se perdió por el afán de querer pintar
las cosas de modo natural, tal como nuestras retinas las
registran, reduciéndolas a su mera materialidad.
La pintura de Carlos Jacanamijoy reivindica con sus
colores luminosos y contrastados el carácter no material
de lo que el hombre es capaz de concebir en su mente
de modo puro, al margen de lo que podemos ver y tocar.
El artista se ha basado, para lograr su propósito, en las
prácticas ceremoniales y las creencias de su cultura
ancestral, la Inga del Putumayo, en la que hay un rito
de purificación que somete al creyente, en una de sus
fases, a gozar el privilegio de contemplar un espacio en
movimiento que contiene las formas y los colores más
esplendorosos que nos es dado imaginar. Se trata de
una experiencia de carácter mágico - religioso que los
ingas conocen desde niños y que el pintor ha dejado de
practicar voluntariamente, no obstante lo cual es uno
de los puntos de partida para representar -por ejemplolos espíritus que según los ingas viven en los montes,
bosques y selvas que el artista recorrió en su infancia. A
partir de allí ha forjado, con solo poder de la mancha y
el color, un mundo poético de sombras y luces, misterios
y certezas, seducciones y embrujos.
ÁLVARO MEDINA
Bogotá, 8 de julio de 2012
A partir del jueves 16 de agosto a las 6:30 pm, el Museo
de Arte de Caldas, inaugura la exposición CARLOS
JACANAMIJOY.
La exposición puede ser visitada:
Lunes a Viernes 8:00 am - 12:00 m
2:00 pm - 6:00 pm
Sábados 9 am - 1:00 pm
Entrada libre, hasta el 21 de septiembre de 2012.
informes
Tel: 8720547 - 3147486642
Correo electrónico: musartedecaldas@yahoo.
comcatalinagomezrios@hotmail.com.
PROGRAMACIÓN
ALTERNA
106
Teatro Punto de Partida
La Fundación de Partida de la ciudad de Manizales es
una entidad sin ánimo de lucro que propende por el
desarrollo de las Artes Escénicas, a través de procesos
pedagógicos que permitan afianzar una identidad
cultural. Somos una entidad teatral en búsqueda de una
estética que facilite al hombre de hoy los procesos de
educación y divertimIento, a través de nuestros montajes
teatrales de avatares clásicos, contemporáneos y de
dramaturgia local. De igual manera nuestro objetivo es
propender la formación no formal, en niños jóvenes de
las Artes Escénicas. Sala Concertada con el Ministerio de
Cultura desde 2004.
Programación
“LAS AVENTURAS DE BATITU”
1 de Septiembre
6:30 pm
Tecnica Mixta
Direccion Augusto Muñoz
Duracion 45 Minutos
Esta fábula concientiza a los niños, jóvenes y adultos
del cuidado que debemos tener con nuestro entorno,
el parque natural de los nevados con sus variados
personajes (el pájaro barranquillo, el oso de anteojos,
el búho, el yarumo encantado, el río blanco y muchos
más).
Espectáculo para ser presentado en recinto cerrado,
3 amplificación y reproductor de C.D o memoria micrófonos inalámbricos preferiblemente tres cuatro
personas
MANIPULADORES TITIRETEROS
JHON MARIO SEPULVEDA
AUGUSTO MUÑOZ
EDWIN VALENCIA
Titeres Rafael Pombo
7 y 8 de Septiembre
8:00 pm
Sipnosis: Los hombres grises , los hombres de la polución,
de la tristeza ,apresan a los pájaros azul-rojo y blanco ,
los pájaros de la vida , de la poesía , de la fantasía. La
pastorcita acude a la ayuda del poeta que en compañía
de rin rin y Juan chuguero, persiguen a los hombres
malos y desde su ternura, poesía , alegría y comprensión
rescatan a los pájaros de la vida ; terminando en final
feliz , la boda de la pastorcita y juan chunguero, dejando
la moraleja en cada uno de los corazones de los niños
que la unión , la armonía , el abrazo desde el corazón
vence a los villanos”, a su vez rendir un homenaje al
poeta RAFAEL técnica: Manipulación a la vista muñecos de “Bunrrako”
Duración 45 minutos
Espectáculo para ser presentado en recinto cerrado,
3 amplificación y reproductor de C.D o memoria micrófonos inalámbricos preferiblemente tres cuatro
personas
Concierto Saurius
7 y 8 de Septiembre
10:00 pm
Luis Gonzales [pepon]
Orlando Muñoz [bagre]
Carlos Marquez [kalardo]
107
118
ESPACIOS
DE
FORMACIÓN
Taller de Banda Circense con
Circo Da Silva
Grupo de 15 a 20 niños entre 7 y 10 años
Montaremos una BANDA CIRCENSE, utilizando las
canciones del disco {RIANTE!} del Circo da Silva.
Con ejercicios de música, teatro y conocimiento corporal,
los alumnos del taller prepararán una intervención
artística en formato de banda. Junto con los alumno,
construiremos instrumentos de percusión y accesorios
de vestuario con material reciclado, artículos domésticos
y juguetes.
Materiales (RECICLADOS):
/Latas de Leche en polvo
/Bolsas de papel
/Cajas de Cartón
/Retazos de Tela
/Acuarela
/Bolsas de Basura
/Papeles
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Taller “Secuela de
Espectadores”
Espacio de formación orientado por el profesor, crítico e
investigador argentino Jorge Dubatti, Doctor en Historia
y Teoría de las Artes, profesor de Historia del Teatro
Universal en la Carrera de Artes, Facultad de Filosofía
y Letras de la Universidad de Buenos Aires, y autor de
numerosos libros y ensayos sobre el teatro.
El profesor Dubatti dirige una exitosa experiencia en
Buenos Aires llamada “Secuela de Espectadores”
cuya primera réplica se hará en Manizales el 1, 2 y 3
de septiembre.
Lugar: Centro Cultural y de Convenciones Teatro los
Fundadores.
120
CRÉDITOS
XXXIV FESTIVAL LATINOAMERICANO
DE TEATRO 2012
PERSONAL PRODUCCIÓN
Director General
Octavio Arbeláez Tobón
Producción General
Julián Arbeláez Tobón
Coordinadores De Producción
Elsa Victoria Jiménez
Sergio Arenas Guzmán
Jefe Técnico Salas
José Norberto Henao Caicedo
Coordinación de Alimentacion y Hospedaje
Mónica Gonzalez García
Asistente Alimentación
Adriana Jimena Montes Alzate
Asistente Hospedaje
Yuly Vivian Ramírez Henao
Coordinador Logística Sala
Alejandro Jaramillo
Coordinación Aeropuerto Bogotá
Marlys Marrugo
Coordinación Transporte
Rafael Valencia Montoya
Coordinación Utilería
Luis Ariel Pineda Uribe
Coordinación Bodega
Álvaro Andres Luna
Coordinación de Guias
Angela Yauri
Teatro Los Fundadores
Operarios de Luces
Alexander Tobón García
Leonardo Soto
Mauricio Soto
Carlos Andrés Cardona
Manuel Alejandro Calderón
César Augusto Cardenas Garzón
Tramoyista
Luis Fernando Hernández
Servicios Generales
Nelson Mario Rivera
Luz Idalba Gómez
Universidad Nacional
Jefe de Sala
Edgar Fernando Barona
Coordinador Técnico Raul Meneses
Técnico U. Nacional
Carlos Andrés Rivera
Operarios de Luces
Julián Pérez
Jorge Eliecer Díaz
Servicios Generales
Claudia Lorena Delgado
122
Galpón
Jefe de Sala
Pablo Andrés Gonzales
Coordinador Técnico Richard De La Rosa
Técnico Parmenio Rincón
Operario de Luces
Fabian Lozada
Alexander Montes Hoyos
Servicios Generales
Elsa Victoria Castaño
Espacio no Convencional
Jefe de Sala
Maria Trinidad Cardona
Coordinador Técnico Espacios no Convencionales
Cristian Cárdenas
Operario de Luces
Bredy Yeins Gallego
Juan Sebastian Gómez
Servicios Generales
Adriana Agudelo
Calle
Asistente Calle
Luis Alfredo Cuesta Moreno
Adriana Angélica López
Adriana Rincón Flórez
Fabian Adien Lozada
Electricista
Alfonso Higuita
Asistentes Utilería
Cristhian Camilo Hernández
Diana Carmenza Castaño
Luisa Daniela Guevara Wong
Katerine Betancourth
Asistentes de Bodega
Pablo Andrés Tabares García
Jorge Adrián Orozco Medina
Carlos Eduardo Castro
Hernando Montes
Lukas Salazar Izasa
Jhonatan Eduardo Ruiz
Escenógrafos
Germán González
Jorge Cárdenas
Carpinteros
Diego Fernando Sánchez
Francisco Javier Atehortua
123
124
Oficina Festival
Directora Administrativa y Financiera
Julieta Tabares Flórez
Secretaria
Beatriz Elena Morales López
Coodinarora Comercial y de Publicidad
Johana Robledo Licha
Cordinadora Campaña de Abonos
Jessica Hurtado González
Director Textos
Wilson Escobar
Diseñador
Humberto Jurado Grisales
Jefe de Prensa
Lorena Suarez Muñoz
Asistente de Prensa
Valentina Álvarez
Secuelas
Paula Tatiana Gómez
Angélica Castillo
Feria Del Libro
Carolina Guacaneme
Carlos Augusto Jaramillo
Practicante Universitario
Andrés Felipe Salazar Santa
Asistente de Publicidad
Jonathan Andres Gómez Gómez
Oprador de Punto de Venta Tú Boleta
Isabel Saraza
Junta Directiva
Octavio Escobar Giraldo
Elvira Escobar De Restrepo
Luz Maria Calderón Uribe
Jorge Alberto Gutierrez Jaramillo
Felipe César Londoño López
Matilde Cuartas De Gómez
Luz Adriana Trujillo Gálvez
Jorge Alberto Jaramillo Vargas
Ana Maria Mesa Villegas
Pedro José Delgado Gutiérrez
Clara Lucía López de Estrada
Maria Isabel Pinzón Gómez
Sandra Van Den Enden Amador
Natalia Marulanda Mejía
Consejo Caldense de Teatro
FESTIVAL
2012