Download palabra y música - Laboral Ciudad de la Cultura

El Teatro de la Laboral presenta su segunda temporada con una muestra de los
diferentes estilos que abarcan hoy en día las artes escénicas. Esta programación
se presenta como un espacio de maniobra para la percepción de los detalles más
mínimos y las diferencias más sutiles. Queremos así detener nuestra mirada sobre
la comunicación y las inevitables fronteras que colocamos entre nosotros.
Con esta programación apoyamos a los artistas en su búsqueda por las ideas, la
poesía del mundo que les envuelve, y cuestionamos la memoria, el tiempo de los
cuerpos, la materia, desplazamos nuestro imaginario, exponemos nuestras contradicciones, nuestras diferencias, nuestras agonías y deseos. El espectador pasa
así a formar parte de un universo de duda, compartiendo el espacio escénico con
el creador, que a cada instante modifica nuestra percepción: aceptarse espectador en diálogo con la obra, compartir la diferente mirada que tenemos de la
misma realidad.
Tal vez el arte, como forma de expresión, pueda ayudar a reflejar nuestro estado
actual en el mundo. El arte es una herramienta para comunicarse con la sociedad
y conducir al espectador a un nivel más elevado de conciencia. La creación artística es una necesidad. Queremos descubrir nuevas audiencias, singulares,
deseosas de romper con la banalidad mediática tan enfatizada por el efecto de la
globalización creciente.
Un país culturalmente normalizado es el que plantea retos y no vive sólo de las
quejas por las propias incapacidades. Por lo tanto, como hacen los creadores, nos
proponemos definir nuevas formas para potenciar la creación y la investigación.
Queremos que el Teatro de la Laboral sea el espacio privilegiado que nos permita
acercarnos a propuestas que nos transportan muy lejos o muy cerca de lo que
somos.
Mateo Feijóo
Director de Programación Teatro de la Laboral
Dirección:
Gestión de Infraestructuras Culturales, Turísticas
y Deportivas del Principado de Asturias
Equipo del Teatro de la Laboral:
Dirección de programación:
Mateo Feijóo
Coordinación:
María José Manzaneque
Mamen Adeva
Prensa:
Cristina Cabeza
Irene Jiménez
Administración y control:
Uxia Romero
Jefa de sala:
Susana Quirós
Ana Iglesias
Dirección técnica:
Rafael Javier Mojas
Coordinación técnica:
José Miguel Díaz
Sonido:
Eduardo Espina
Javier García
Roberto Lorenzo
Iluminación:
José Félix Garma
Mariano Esteban Dobrysz
Víctor Vivar
Fernando Vega
Noelia García
Maquinaria:
María Jesús Cañas
Luís Andrés Tiercín
Eladia Montserrat Arias
Rodolfo Gustavo González
Francisco Javier Andrés Peláez
Administrativo:
María Teresa Quirós
Fotografía de portada:
La Dama del Armiño
Erwin Olaf
Diseño y maquetación:
Bitácora Grupo
Impresión y filmación:
Gráficas Covadonga
Depósito Legal:
AS-4942-08
DOÑA MARIANA DE AUSTRIA. Erwin Olaf
Índice
SUSO33
“Pintura Escénica en Acción” escenoGRAFFiti. 17-18/10/2008. Gijón
Erwin Olaf
La mirada de Erwin Olaf inspirada en los maestros de la pintura española
6
8
Ertza
ELAGUJERODELAVESTRUZ
10
Estela Lloves
Rastro
14
Festival Internacional de Cine de Gijón
Enfants Terribles
18
Anne Clark
The Smallest Acts of Kindness
12
Matthew Herbert Big Band
There’s Me and There’s You
16
Sankai Juku
Kinkan Shonen – La semilla de Kumquat
20
4 5
Claudia Faci
Agnès
22
Rosa Casado / Mike Brookes
PARADISE 2. El sonido incesante de un árbol caído
26
Teatro de los Hermanos Forman
Obludárium
30
Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias
Covadonga
El Mesías
36
Sidi Larbi Cherkaoui
Origine
24
Liquid Loft / Chris Haring
Posing Project B - The Art of Seduction
28
Motus
Rumore Rosa
32
Creado y representado por: SUSO33; Compositor y diseño de sonido: Lorenzo Matellán;
Human beat box: BeatMasterG; Diseño de iluminación: Miguel Ángel Camacho
67
17 y 18
octubre
20.30 h
SUSO33
“Pintura Escénica en Acción”
escenoGRAFFiti. 17-18/10/2008 Gijón
Alfredo Iglesias
PAÍS España DURACIÓN 50-60 min. LUGAR Teatro de la Laboral
Acostumbrado a saltarse la normas establecidas por su más
conocida condición de artista urbano, SUSO33 ha vuelto a saltárselas, pero en esta ocasión de las artes, desarrollando un
proyecto sin precedentes el cual es difícil de definir, incluso
para el propio creador, por su rompedora propuesta rebosante de vitalidad que está a caballo entre la 'performance', el
'happening' o el 'work in progress'. Utiliza su larga trayectoria
como pintor de escenografías para aprovechar las posibilidades que ofrece la caja escénica del Teatro de la Laboral.
SUSO33 crea una obra de arte en su conjunto, al poder pintar
el sonido, al sonido y con el sonido; al poder pintar la luz, a la
luz y con la luz; al poder pintar la danza, a la danza y con la
danza…
Sin duda se trata de un espectáculo de gran dinamismo en el
que no solamente se crea y se destruye la pintura que va
dando forma a la escenografía, sino que la acción va acompañada de la fusión de la experimentación plástica, junto con el
movimiento, la danza, la iluminación y el sonido.
Esta situación provoca que el público comparta en directo el
proceso creativo del artista, que va desde los albores de una
creación hasta su destrucción cuando cae el telón, enfatizando el carácter efímero que tanto caracteriza al graffiti en un
espacio y en un tiempo concreto. Nos da la oportunidad de
comprender su relación con lo público y lo privado, lo tolerado
y lo prohibido, lo individual y lo colectivo; un estado de pura
adrenalina en la que vive de manera constante un creador que
tanto amor y odio genera pero que tantas pasiones despierta.
Porque…¿quién comprende realmente la obra de un pintor?
Agradecimientos: Borja Ibaseta Garrido, Club Hípico Astur
Fotógrafo: Erwin Olaf; Producción: Shirley den Hartog; Maquillaje y peluquería: Annemiek Bohnen; Vestuario: Maartje Wevers, Renske Kraakman; Ayudantes de fotografía:
Wouter van Gens, Igor Kruger, Marjolein de Rijk; Atrezzo y ambientación: Floris Vos, Dennis Los; Edición: Patric Bras; Han participado: Arif Alfaraz Delgado, Carmen Astuy Velasco,
Enrique Carmona Rey, Fernando de Luxán Delgado, Ana Díaz Morán, Juan José Fernández García, Melanie López López, Carlos Meana Pérez, Carla Nicieza Fernández, Antonio
Rodríguez Velasco, Irene Santos Noval, Marisa Vallejo Masa.
89
A partir
del 17
de octubre
Exposición Erwin Olaf
La mirada de Erwin Olaf inspirada en
los maestros de la pintura española
PAÍS Holanda HORARIO A partir del 17 de octubre coincidiendo con el
horario de espectáculos LUGAR Hall Teatro de la Laboral
Diez fotografías expuestas en el Teatro de la Laboral son el resultado del
trabajo del fotógrafo holandés Erwin Olaf. Las fotografías trasladan al
espectador a las pinturas de artistas españoles como Picasso, El Greco
o Zurbarán, utilizados como referencia para este trabajo.
El proyecto de Erwin Olaf recibe la primera inspiración al ver el edificio de la
Laboral y toma forma al descubrir que las personas elegidas en el casting le
evocan a las que aparecen en las obras de los pintores clásicos españoles.
Las fotografías presentan una cromática que recibe la herencia de los cuadros,
algo que Erwin Olaf ha querido mantener para que no se pierda la esencia.
SANTA APOLONIA. Erwin Olaf
Mezclando el fotoperiodismo con la fotografía de estudio, Olaf surge en la escena internacional después de ganar el primer premio en el Concurso Europeo de
Jóvenes Fotógrafos. Desde entonces, Olaf explora en cada fotografía cuestiones
como la sensualidad, el humor y la desesperación; primero utilizando sólo el
blanco y negro, y poco a poco introduciendo el color y la manipulación digital.
Además de la fotografía, Erwin Olaf ha creado películas e instalaciones de vídeo
en las que utiliza los mismos modelos que aparecen en las series fotográficas.
Los trabajos de Olaf siempre han estado marcados por la controversia, por lo
que no sorprende que esta capacidad por atraer la atención haya sido aprovechada por el mundo publicitario en marcas como BMW, Microsoft y Nintendo,
entre otras. En 1999 su campaña mundial para Diesel Jean le otorgó el codiciado León de Plata en el Festival de Publicidad de Cannes. Dos años más
tarde gana el mismo premio con las fotografías producidas para Heineken.
Actualmente colabora también con publicaciones como New York
Times, The Sunday Times y Citizen K. Erwin Olaf trabaja con la Galería
Flatland, en Utrecht; Espacio Mínimo, en Madrid; y Hasted Hunt Gallery,
en Nueva York.
Director e intérprete: Asier Zabaleta; Ayudante: Arantza Balentziaga; Música original: Borja
Ramos; Músicos: Borja Ramos (electrónica/piano), Josetxo Silguero (saxofones); Video: Kepa
Ugarte, Iker Urteaga, Carlos Sarasola; Iluminación: Antoni Angel Alcaide; Fotografía, maquetación: Iker Urteaga; Escenografía, vestuario: Asier Zabaleta; Coreografía musical: Larraitz
Ugartemendia; Profesora voz: Bettina Aragón; Texto: Asier Zabaleta (citas de Jose Antonio Marina,
Franz Kafka, Epicteto, Rilke, Marx y la Biblia); Producción: Ertza; Distribución: Arantza Balentziaga,
Larrua Creaciones.
Agradecimientos: Arriola Kultur Aretoa, Klara Intxausti, Irati Laboa, Izaskun Laboa, Sorkunde
Zabaleta, Unai Landaberea, Mikel Serrano, Merche Prado, Lula, Victor González, Iratxe Bilbao, Gotzon
Zabaleta, Txema Lázaro, Kizkitza Makazaga.
Es una obra subvencionada por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco.
DANZA G IJÓN
23
octubre
20.30 h
10 11
Ertza
ELAGUJERODELAVESTRUZ
Iker Urteaga
PAÍS España DURACIÓN 50 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro
AFORO limitado
Solo de danza que combina el movimiento del cuerpo
con proyecciones audiovisuales e inteligentes monólogos. Asier Zabaleta muestra su amplio dominio del
cuerpo y su versatilidad al cambiar de registro y provocar la risa del espectador con la recreación de un
musical de Broadway.
Quiero retar al miedo. Al que nunca desaparece de mi
vida y siempre reaparece con nuevos motivos y con
fuerzas renovadas, hasta hacerme sentir como si fuera
un superhéroe que acaba de perder todos sus poderes.
Al que marca los límites de mi permisividad, acotando y
reduciendo considerablemente mi campo de actuación
en la vida. Quiero retarlo y decirle que no me da miedo.
¡Qué ironía! (Asier Zabaleta)
El objetivo de Ertza es crear un nuevo espacio en el que
diferentes disciplinas del arte tengan cabida junto con
la danza contemporánea, y poder enriquecer notablemente el lenguaje escénico mediante el diálogo y la
interacción de las mismas. A través de la utilización del
texto, del personaje, de la tecnología audiovisual, o de
cualquier otra forma de expresión que propongan los
participantes, intentar buscar la forma más fiel, directa y
bella de escenificar lo que se pretende decir. Dar especial hincapié al movimiento que surge directamente de
la emoción, despojándola de todo artificio y ordenamiento meramente estético.
Espectáculo programado en Danza Gijón 08.
Voz: Anne Clark; Piano y voz: Murat Parlak; Electrónica y voz: Rainer von Vielen; Batería: Niko Lai; Guitarra: Jeff Aug; Chelo eléctrico: Jann Michael Engel
12 13
24
octubre
20.30 h
Anne Clark
The Smallest Acts of Kindness
PAÍS Reino Unido DURACIÓN 90 min. aprox. LUGAR Teatro de la
Laboral
Anne Clark es el equivalente femenino de artistas como
Nick Cave, John Cale o Tom Waits. Con una carrera ininterrumpida que dura ya más de 20 años, siempre ha sido
una de las artistas más innovadoras de la escena electrónica internacional. Siempre en la vanguardia musical, con
una voz inconfundible y un estilo propio que mezcla la
electrónica y el rock con la poesía (spoken word). El 24 de
octubre llega a Gijón con uno de los cuatro conciertos
que ofrece en España (Madrid, Alicante, Gijón y Barcelona).
The Smallest Acts of Kindness incluye temas que Anne
Clark ha tocado en directo en los últimos años pero que
no habían sido grabados hasta la fecha, así como material inédito.
Este nuevo trabajo es el resultado de la fusión entre la
acústica y la electrónica y trata temas actuales como la
religión organizada –la politización de la espiritualidad–,
las crisis generadas por el petróleo y la alimentación, y el
abuso mundial de derechos y recursos, pero siempre
desde la perspectiva de la complejidad de las emociones
humanas y de la necesidad de tener esperanza.
Tania Arias
Interpretación, textos y dirección: Estela Lloves; Iluminación: Antón Ferreiro; Música: J.S. Bach, Anari
M UJERES
13
noviembre
19.00 h
ABANDONADAS EN UN
C ENTRO
DE
A RTE
14 15
Estela Lloves
Rastro
PAÍS España DURACIÓN 50 min. aprox. LUGAR LABoral Centro de Arte
Entrada libre.
Rastro habla del paso del tiempo, de las personas que con el
tiempo se van y de lo que permanece de ellas en nosotros,
de aquello que siempre continúa dentro de la memoria colectiva; es una mirada hacia atrás para poder crear, a partir de
los restos obtenidos en ese rastreo, algo nuevo, que pertenece por igual al pasado y al presente y posibilita un futuro.
Varios actos ritualizados, que exorcizan los demonios posibles de ese pasado para poder seguir adelante.
En su momento comencé a trabajar con la única idea de
enfrentarme a la muerte cara a cara; primero a la de los otros,
pero inevitablemente me encontré con la mía. Al principio
comencé muy seria y me dio miedo, después deseé reírme
de todo, y más tarde se despertó en mí una enorme ternura
por todo aquello que me estaba pasando en ese encuentro.
Sólo deseaba que la gente a mi alrededor pudiera tener la
posibilidad de, enfrentándose a un tema tan duro como parece el de la muerte, comenzar a plantearse conciliar el pasado,
para poder re-inventar su presente. La pregunta que me hacía
es si “Rastro” podría invitar a alguien a aproximarse a esta
reflexión. (Estela Lloves)
Estela Lloves nació en Vigo y su formación se desarrolló en la
danza y el teatro físico con diversas compañías para las cuales
ha trabajado como intérprete y co-creadora, en Santiago de
Compostela, Madrid, Barcelona, Valencia y Japón.
Últimamente ha participado como coreógrafa en dos proyectos de colaboración internacional en Brasil y Portugal.
Actualmente, y también en calidad de colaboración, está
creando conjuntamente un dúo con la bailarina Tania Arias.
16 17
15
noviembre
20.30 h
Matthew Herbert Big Band
There’s Me and There’s You
PAÍS Reino Unido LUGAR Teatro de la Laboral
El nuevo álbum de Matthew Herbert Big Band es una
reflexión sobre el poder.
Desde hace tiempo el sonido grabado es un nuevo
camino en este peculiar y cambiante mundo. Así, en
este disco se puede escuchar, entre otras cosas, a cien
personas diciendo “sí”, el sonido que produce un tanque de petróleo, un proyectil usado en Irak, cien botellas
del perfume de Britney Spears “Curious”, un documento del acta de prevención de actos terroristas, cien
tarjetas de crédito al ser cortadas, una Biblia real y, en
memoria de la experiencia de Bisher Al Rawi, cien pilas
recargables.
Si repasamos la obra del británico Matthew Herbert, no
resulta exagerado concluir que gran parte del presente
y el futuro de la música electrónica pasa por sus manos.
Músico versátil y compositor iconoclasta, el hombre
que también se oculta tras los alias de Dr. Rockit o
Radioboy se ha destacado como una de las figuras más
personales del cambio de siglo, independientemente
de géneros o estilos.
“Hey Hey it's Esther Blueburger” dirigida por Cathy Randall.
18 19
Festival Internacional de Cine
de Gijón
Enfants Terribles
LUGAR Teatro de la Laboral Precio 2 €
Horarios definitivos en la primera semana de octubre en
www.festivalcinegijon.com
www.teatrodelalaboral.com
Por primera vez el Teatro de la Laboral acoge el ciclo Enfants
Terribles, encuentro de niños y jóvenes de los centros de enseñanza de toda Asturias para que participen como espectadores
activos que observan, valoran y se relacionan con profesionales de la industria cinematográfica. Enfants Terribles estrena en
España más de una docena de largometrajes con el cine más
creativo y dinámico, películas avaladas por premios en
Festivales como Sundance, Cannes o Berlín y que abordan
temas como la inmigración, el acoso escolar, la delincuencia, la
problemática de las drogas, la música o la poderosa y creciente cultura de la calle.
Todas las proyecciones se realizan en versión original subtitulada o con traducción simultánea.
Además, se desarrollarán diferentes actividades como:
• Talleres de cine, organizados en colaboración con el Espacio
de Creación y Didáctica, experiencia lúdica y creativa que se
desarrolla después del visionado de las películas con imágenes, textos, documentos y juegos teniendo en cuenta el
argumento, los personajes, y el lenguaje narrativo.
• Encuentros con los directores, que propician una serie de
preguntas y sugerencias entre el director de la película y los
espectadores.
• Oficios de Cine. Actividad de orientación profesional que el
Festival desarrolla en colaboración con la Ciudad Tecnológica
Valnalón, y que va dirigido a alumnos de Secundaria.
Dirección, coreografía y diseño: Ushio Amagatsu; Música original: Yoichiro Yoshikawa;
Bailarines: Semimaru, Sho Takeuchi, Akihito Ichihara, Taiyo Tochiaki, Shoji Matsuo, Ichiro Hasegawa,
Dai Matsuoka; Jefe de escenario: Kazuhiko Nakahara; Técnicos de iluminación: Genta Iwamura o
Yukiko Yoshimoto o Satoru Suzuki; Maquinistas: Satoshi Ono o Kiyonaga Matsushita; Técnicos de
sonido: Akira Aikawa, Junko Miyazaki.
Estreno en 1978 en el Nihon Shobo Kankan Hall, Japón. Re-creación 2005 en el Biwako hall, Siga,
Japón.
Con el patrocinio de Toyota y Shiseido.
20 21
3
diciembre
20.30 h
Sankai Juku
Kinkan Shonen – La semilla de
Kumquat
PAÍS Japón DURACIÓN 100 min. LUGAR Teatro de la Laboral
No recomendado para niños.
La historia del sueño de un niño con la cabeza rapada, un pez
que es macho en la primera fase de su vida y se convierte en
hembra al degenerarse sus órganos. Son algunas de las historias que ofrece Kinkan Shonen, la primera gran producción
de la compañía. La fuerza en cada expresión, en cada movimiento, en la emoción interior, nutre este espectáculo para
mostrar la pasión por la vida, la muerte. Lo universal.
Sankai Juku significa “taller de la montaña y el mar”, dos elementos básicos de la topografía japonesa. Fue creada en 1975
bajo la dirección de Ushio Amagatsu, quien pertenece a la
segunda generación de bailarines de Butoh. La danza Butoh,
creada por Hijikata y Kazuo Ono, transcendió las reacciones
de la generación post-Hiroshima de los 60 y logró difundir en
Japón un enfoque radical dentro de esta disciplina artística
contemporánea.
Para Amagatsu, Butoh no es meramente una técnica nueva o
un estilo académico, sino una manera de llegar, a través del
lenguaje corporal, a lo profundo del ser humano: al sentido
común, a la serena universalidad, incluso a la crueldad o a la
brutalidad. Sin embargo esta percepción puede ser distinta en
cada individuo.
Ushio Amagatsu, director y coreógrafo de la compañía, se
formó como bailarín en la Classic and Modern Dance School
de Tokio. En 1975 empezó una serie de talleres con el fin de
encontrar bailarines para su recién estrenada compañía
Sankai Juku. En 1980, la compañía es por primera vez invitada a Europa, al Festival de Nancy. Desde entonces, el grupo
ha hecho giras a través de toda Europa, Sudamérica, Estados
Unidos, Australia y toda Asia, desde su ciudad base en Tokio.
Escrito, dirigido e interpretado: Claudia Faci; Luz y sonido: Oscar Villegas; Con el apoyo de: La
Casa Encendida y Aula Danza de U.A.H.; Agradecimientos: Oscar Villegas, Rafael Mejías, Martín
Miguel, Eva Chinchilla, Paloma Calle, Luciana Pereyra, Rafael Gavalle, Paloma Chueca, La Casa
Encendida, el Aula de Danza de la U.A.H. y, muy en especial, a Chantal Maillard, por haberme permitido utilizar sus textos sin saber dónde iban a parar.
M UJERES
11
diciembre
19.00 h
ABANDONADAS EN UN
C ENTRO
DE
A RTE
Claudia Faci
Agnès
PAÍS España DURACIÓN 80 min. aprox.
LUGAR LABoral Centro de Arte
Rafael Gavalle
Entrada libre.
Una mujer sola en un escenario vacío. Un ejercicio de
supervivencia. El texto, ruina y construcción a un tiempo, como única escenografía. El espacio que crea la
actuación como único espacio posible.
Esta pieza es resultado de mi relación con los escritos
de Chantal Maillard, utilizados como espejos en los que
me intento reflejar y acabo por romper en mil pedazos
des-cubriendo mi propio discurso. A lo largo de la pieza
dialogo con textos de Chantal Maillard, extraidos de dos
libros de esta autora: “Filosofía en los días críticos” y
“Diarios Indios”, que cayeron en mis manos fertilizando
la semilla de este proyecto. (Claudia Faci)
Claudia Faci es bailarina, coreógrafa, actriz, docente y
autora independiente. En 1989 estrena sus dos primeras obras como coreógrafa y en 1994 recibe una beca
del Ministerio de Cultura para realizar estudios de postgrado en Londres. Como intérprete ha trabajado en
todo tipo de producciones de danza y teatro, así como
en algunas de cine y televisión. En el año 2006 estrena
Nur Für Dich en el festival Madrid en Danza, y desde
entonces Claudia centra su faceta de autora para ofrecer una obra que supone una personal visión de las
artes escénicas con piezas que se nutren de su experiencia en el campo de la danza y el teatro.
22 23
Director/coreógrafo: Sidi Larbi Cherkaoui; Asistentes de coreografía: Nienke Reehorst, Satoshi
Kudo, Claire Cunningham; Creado e interpretado por: Kazutomi Kozuki, Valgerdur Rúnarsdóttir,
Shawn Mothupi, Daisy Phillips Música: Hildegard von Bingen (siglo XII), canciones de la tradición
oriental cristiana (siglos IV-XII), cantos y polifonías de las monjas cistercienses del monasterio de Las
Huelgas (siglo XIII), canciones sagradas interpretadas por las mujeres de la Suecia rural. Músicos
en directo: Ensemble Sarband; Voz: Fadia Tomb El-hage; Voz y arpa gótica: Miriam Andersén;
Director musical, arreglos musicales, percusión y laúd Vladimir Ivanoff; Diseño de vestuario:
Isabelle Lhoas, Frederick Denis; Realización de vestuario: Stéphanie Croibien; Diseño de iluminación: Enrico Bagnoli; Creador de marionetas: Filip Peeters; Imágenes: Gilles Delmas y “one of
many”, Lardux Films producción, montaje Marc Boye; Asesoramiento en dramaturgia: Guy Cools;
Responsable de producción: Natalie Schrauwen; Técnicos de escenario: Patrick ‘Sharp’
Vanderhaegen, Paul Van Caudenberg, Frank Hardy, Henk Vandecaveye; Taller de escenografía
Toneelhuis: Leo Verlinden, Karl Schneider, Patrick Jacobs, Bruno Bressanutti, Filip Homblé;
Responsable de proyecto: Karthika Nair; Distribución y promoción: Frans Brood Productions;
Producción: Toneelhuis, Muziekcentrum de Bijloke Gent; Co-producción: Théâtre de la Ville de
París, Torinodanza, Tanzhaus nrw Düsseldorf.
24 25
12 . 13
diciembre
20.30 h
Sidi Larbi Cherkaoui
Origine
Koen Broos
PAÍS Bélgica DURACIÓN 70 min. aprox. LUGAR Teatro de la Laboral.
No recomendada para menores de 14 años.
En Origine el coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui crea una
atmósfera íntima con cuatro bailarines que dan forma a
los cuatro puntos cardinales de una brújula.
A través del movimiento de los cuerpos se determinan
las relaciones y las diferencias culturales existentes
entre el norte, el sur, el este y el oeste. Cherkaoui trata
de desgranar en Origine temas claves de la sociedad
de hoy como las divisiones y los puentes entre los límites culturales y geográficos; la soledad y la compasión.
Historias de hadas islandesas, el mundo de la robótica
japonesa, el consumo americano, y el suelo africano.
Cuatro elementos que se conectan y a la vez se van
transformando por medio del quinto elemento, una
muñeca de madera. Todo ello acompañado a lo largo
de la obra por dos voces femeninas, una arábe y otra
escandinava, cuyo repertorio se basa en las místicas
canciones de Hildegard von Bingen.
Sidi Larbi Cherkaoui es bailarín y coreógrafo. Su pretensión de niño por dibujar la realidad hizo que comenzara
a bailar y de este modo sus obras se convierten en
cuentos en movimiento. El dibujo desaparece cuando
el movimiento se termina. Cada trabajo de Cherkaoui es
un puente entre diferentes mundos y culturas, siempre
con un tema central: la igualdad de individuos, culturas,
lenguas y modos de expresión.
Concepto y desarrollo: Rosa Casado y Mike Brookes; Texto: Rosa Casado basado en el corto Ilha
das Flores; Colaboran: Magdalena Project y Luis Fernández.
M UJERES
8
enero
19.00 h
ABANDONADAS EN UN
C ENTRO
DE
A RTE
26 27
Rosa Casado / Mike Brookes
PARADISE 2. El sonido incesante
de un árbol caído
Rafael Gavalle
PAÍS España DURACIÓN 45 min. aprox. LUGAR LABoral Centro de Arte
Entrada libre.
El sonido incesante de un árbol caído, dibujos en el
suelo, mordiscos a una isla de chocolate y un texto
basado en el documental Ilha das Flores, de Jorge
Furtado, recrean la migración de los senegaleses y el
viaje a Mali de Rosa Casado, todo ello reflejado en esta
performance. El efecto acústico de las acciones genera
un espacio sonoro construido por la amplificación y
repetición de cada chasquido producido cuando se
come parte de la isla de chocolate.
Rosa Casado es una de las artistas de performance
más interesantes en la actualidad. Su trabajo se centra
en la acción y el arte como medios de transformación.
Ha participado en los festivales de performance más
importantes a nivel nacional así como en galerías y
bienales de arte europeas.
Mike Brookes es artista y diseñador a nivel internacional. Su actividad artística se centra en la producción de
objetos e intervenciones duracionales, y en la creación
de context specific performances en las que apuesta
por el uso experimental de tecnología y por propuestas
innovadoras en dramaturgia y documentación.
Dirección artística y coreografía: Chris Haring; Coreografía e interpretación: Luke Baio,
Stephanie Cumming, Alexander Gottfarb, Katharina Meves y Anna Maria Nowak; Composición y
acústica ambiente: Glim (Andreas Berger); Escenografía e iluminación: Thomas Jelinek; Puesta
en escena: Aldo Giannotti Textos: Katherina Zakravsky; Asesor: Roderich Madl Producción:
Marlies Pucher; Representante internacional: Line Rousseau
Una coproducción de Liquid Loft, La Biennale de Venecia, ImPulsTanz Festival Wien y Tanzquartier
Wien. Con el apoyo del MA 7 / Ciudad de Viena y Bundesministerium für Unterricht, Kunst y Kultur.
Gracias a Spielboden Dornbirn.
Estreno en junio de 2007 en la Biennale de Venecia Arsenale, Teatro Tese delle Vergini.
28 29
16 . 17
enero
20.30 h
Liquid Loft / Chris Haring
Posing Project B - The Art of
Seduction
PAÍS Austria DURACIÓN 60 min. AFORO limitado LUGAR Caja
Chris Haring
Escénica del Teatro. No recomendado para niños.
The Art of Seduction es la segunda parte de la trilogía
Posing Project, concebida como una serie de instalaciones de danza que versan sobre la imaginación y el
poder de seducción. Con ironía, Chris Haring ha transformado la imagen pública del erotismo en una pieza
que comunica el gusto contemporáneo por la exposición del cuerpo. The Art of Seduction es una obra en la
cual el sonido, las luces, las texturas y el ambiente se
subordinan a la inmediatez de la coreografía y la interpretación.
Posing Project B fue reconocida como la mejor perfomance con el premio Golden Lion del 5º Festival
Internacional de Danza Contemporánea de la Biennale
de Venecia de 2007.
La compañía Liquid Loft fue creada en 2005 por el coreógrafo austríaco Chris Haring en colaboración con el
músico Andreas Berger, el dramaturgo Thomas Jelinek
y la bailarina Stephanie Cumming.
La compañía creó su propio lenguaje corporal, interesándose por la fusión de la danza contemporánea con
el trabajo de los artistas visuales. Actualmente la compañía está considerada como una de las más
importantes a escala internacional.
30 31
Del 23 al 27
enero
Teatro de los Hermanos Forman
Obludárium
PAÍS Rep. Checa. DURACIÓN 120 min. aprox. LUGAR Iglesia de la
Laboral AFORO limitado.
No recomendada para menores de 6 años.
HORARIOS Viernes, sábado y domingo a las 19:30 h.
Lunes y martes a las 11:30 h. para grupos escolares previa petición.
Actos teatralmente sorprendentes, historias cortas unidas por un tema común y atmósfera de cabaret. Todo
ello en un espacio poco convencional, en esta ocasión
la Iglesia de la Laboral. Así es la nueva performance de
los hermanos Forman, Obludárium.
Obludárium personifica nuestro deseo de dibujar lo
cotidiano en diversión a través de titiriteros, viejas
comedias, circos, pregoneros atrevidos y héroes de
cabaret. La tarde culmina con la apertura de la barra del
bar cuyo personal está formado por un director de teatro, actores y bailarines.
Obludárium nace en el año 2007 y con el tiempo va
adquiriendo nuevos personajes y escenas. Desde abril
de 2008 el espectáculo viaja por Francia, Bélgica, Italia,
República Checa, Dinamarca y España.
Dirección: Enrico Casagrande y Daniela Nicolò; Interpretación: Silvia Calderoni, Nicoletta Fabbri,
Emanuela Villagrossi; Con la colaboración de: Dany Greggio; Ilustraciones: Filippo Letizi;
Composición visual: p-bart.com; Dirección técnica: Giorgio Ritucci; Sonido: Roberto Pozzi;
Producción: Motus, Festival delle Colline Torinesi, Drodesera Centrale Fies, L’arboreto di Mondaino;
Promoción: Sandra Angelini, Federica Savini; Organización y logística: Elisa Bartolucci, Valentina
Zangari; Colaboración administrativa: Cronopios.
Con el soporte técnico-creativo del Instituto Europeo de Diseño de Milán y la ayuda de la Regione
Emilia Romagna, Provincia de Rimini.
32 33
30 . 31
enero
20.30 h
Motus
Rumore Rosa
PAÍS Italia DURACIÓN 60 min. AFORO limitado
LUGAR Caja Escénica del Teatro.
Valentina Binchi
No recomendada para menores de 14 años.
V.O. en italiano con subtítulos en español.
Tres mujeres solas, de diferente edad. Tres mujeres que hablan,
que cantan al amor y al abandono. Tres mujeres que lo intentan.
Tres mujeres cuyas palabras se han ido en lágrimas amargas.
Inspirada en la película Las amargas lágrimas de Petra von Kant,
del director alemán Rainer Werner Fassbinder, Rumore Rosa es
una performance dedicada a las figuras femeninas y aborda la
problemática de la soledad en el individuo actual. El amor, el
engaño, la soledad, la elección errónea de la pareja y la pérdida
del sentimiento con el tiempo son las pautas que marcan esta
obra.
Sus directores Enrico Casagrande y Daniela Nicolò construyen un
magistral paralelo entre la opresión en la sociedad capitalista y la
opresión sexual.
La compañía Motus fue fundada en Rimini (Italia) en el año 1991
por Enrico Casagrande y Daniela Nicolò, actuales directores de la
compañía. Su trabajo mezcla las diferentes formas que adquieren
las artes escénicas, la performance, el happening, con las tendencias más clásicas de la representación y con una predilección por
los lugares insólitos.
La compañía, representante de la emergencia teatral europea, creó
Occhio Belva, (1994), Cat rame (1996), Orlando Furioso (1998) y
Orpheus Glance (1999). En 2001 recibió el premio Ubu por segunda vez y presentó Visio Gloriosa en el Théâtre Argentina de Roma.
Ahora la compañía está trabajando en una nueva producción X(ics)
- racconti crudeli della giovinezza-, un proyecto de contaminación
teatral y video sobre los jóvenes, que se desarrolla en tres etapas,
en tres ciudades diferentes europeas: Rimini (I), Valence (F), Halle
(D), a las cuales corresponden tres espectáculos o movimientos.
ANTONIO. Erwin Olaf
JUAN. Erwin Olaf
34 35
36 37
6 noviembre
y 20
diciembre
20.30 h
Orquesta Sinfónica del Principado
de Asturias
PAÍS España PRECIO Por confirmar LUGAR Teatro de la Laboral
Roberto Tolín
www.ospa.es
Bretón
Covadonga
6 de
noviembre
La Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, OSPA, está compuesta
por profesores de 20 nacionalidades procedentes de varios países de la
Unión Europea, Rusia, EE.UU., y Latinoamérica, con la dirección titular de
Maximiano Valdés. Su actividad musical abarca todo tipo de programaciones, realizando más de 70 conciertos sinfónicos al año.
El Coro Universitario de Oviedo ha mantenido una trayectoria con un nivel
artístico reconocido a lo largo de cada una de las etapas de su existencia,
siendo el coro ovetense vivo con una trayectoria musical más dilatada. El
Coro Universitario de Oviedo ha actuado en Francia, Italia, Alemania,
EE.UU. y México - en su primera etapa -, y entre los conciertos más importantes destacan los ofrecidos en Nueva York.
Director: Miquel Ortega; Solistas: Ana Nebot (soprano), Mª José Suárez (mezzo),
Alejandro Roy (tenor), Iñaki Fresán (barítono), Alfonso Echevarría (bajo), Enrique Sánchez
Ramos (barítono), Juan Noval (tenor); Coro: Universitario de Oviedo
Haendel
El Mesías
20 de
diciembre
El Mesías se ha convertido en el oratorio más célebre de Georg Friedich
Haendel para soprano, alto, tenor y bajo solistas, coro a cuatro voces y
orquesta. Esta obra fue compuesta entre el 22 de agosto y el 14 de septiembre de 1741, con libreto de Charles Jennes. La primera audición
pública de El Mesías se celebró el 10 de abril de 1742, cuatro días antes
de su estreno en el Music Hall de William Neal en Dublín.
El Coro de la Fundación Príncipe de Asturias está considerado como una
de las formaciones amateurs más importantes de Europa y tiene una
amplia experiencia en el ámbito internacional.
Director: Paul Mann; Solistas: Laura Alonso (soprano), Natalie Stutzman (contralto),
Jochen Kupfer (barítno), Robin Tritschler (tenor); Coro: Fundación Príncipe de Asturias
LABORAL CIUDAD DE LA CULTURA
C/ Luis Moya Blanco 261
33203 Gijón. Asturias
Teléfono información Laboral Ciudad de la Cultura:
902 306 600
AUTOBUSES URBANOS HASTA LA LABORAL:
• Línea 1:
Cerillero-Hospital de Cabueñes
• Línea 2:
Roces-Hospital de Cabueñes
• Línea 18: Nuevo Gijón-Hospital de Cabueñes
TELÉFONO TAXIS:
985 141 111
985 164 444
Información práctica
Los usuarios podrán comprar sus entradas:
·
·
En la web de CajAstur: www.cajastur.es
En el teléfono de CajAstur: 902 106 601
Posteriormente las entradas adquiridas se podrán retirar en los cajeros de
la entidad bancaria
·
En Laboral Ciudad de la Cultura:
Centro de Recepción –Tienda
Horarios: lunes a viernes de 8:00 h. a 20:00 h. y sábados y domingos
de 10:00 h. a 19:30 h.
Taquilla del Teatro de la Laboral: el día del espectáculo dos horas antes
del inicio de la función
Precio de las entradas:
·
·
General: 10 €
Reducida: 6 € (venta sólo en tienda y taquilla)
Para más información:
·
·
902 306 600
www.teatrodelalaboral.com
Teatro de la Laboral
C/ Luis Moya 261
33203 Gijón
Asturias
Otra información:
- No se admiten devoluciones ni cambio de entradas
- Una vez iniciado el espectáculo no se permitirá el acceso a la sala
- No se permite la grabación de vídeos ni la realización de fotografías
- Hay habilitados lugares para personas de movilidad reducida
- La organización se reserva el derecho de modificar la programación siempre que sea
por causas ajenas
Julio Calvo
Dirección:
Gestión de Infraestructuras Culturales, Turísticas
y Deportivas del Principado de Asturias
Equipo del Teatro de la Laboral:
Dirección de programación:
Mateo Feijóo
Coordinación:
María José Manzaneque
Mamen Adeva
Almudena Olalla
Prensa:
Cristina Cabeza
Irene Jiménez
Mediación cultural:
Borja Ibaseta
Administración y control:
Uxía Romero
Jefa de sala:
Susana Quirós
Ana Iglesias
Dirección técnica:
Rafael Javier Mojas
Coordinación técnica:
José Miguel Díaz
Sonido:
Javier García
Roberto Lorenzo
Iluminación:
José Félix Garma
Víctor Vivar
Maquinaria:
Luís Andrés Tiercín
Montserrat Arias
Fotografía de portada:
Julio Calvo
Diseño y maquetación:
Grupo Bittia
Rosana Cabal Sevilla
Impresión y filmación:
Gráficas Covadonga
Depósito Legal:
AS-6803-08
Julio Calvo
Índice
Enrique Morente
Pablo de Málaga
8
Paloma Calle
100 cosas que hacer mejor que ver este espectáculo
10
Victoria - Tim Etchells
That Night Follows Day
12
Jan Lauwers & Needcompany
Isabella’s Room
14
Marc Rees
En Residencia
16
S.P.A.C.E. UK
Showcasing Performance in Alternative Creative Environments
20
Michael Nyman Band & Marie Angel
Mozart 252 & I Sonetti Lussoriosi
22
PALABRA Y MÚSICA
24
V FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORD
La Maison du Sourd (La Casa del Sordo)
Catherine Diverrès
26
Centro Coreográfico Galego
Giseliña
28
Rachid Ouramdane
Loin...
30
Christian Rizzo / l’association fragile
b.c, janvier 1545, fontainebleau
32
4 5
L.E.V. Festival
34
anoukvandijk dc
STAU
36
Marina Abramovic´
8 Lessons on Emptiness with a Happy End
38
Philip Glass
Una velada de Música de Cámara
40
Rodrigo García
Versus
42
Mugatxoan 2009
44
Edurne Rubio
desde . La Laboral
48
Gisèle Vienne
Jerk
50
KODÔ
ekkyo: trans-border
52
TALLERES
Taller de Danza e Improvisación con Músicos
Principios de Unidad y Acumulación
Impartido por Catherine Diverrès
INFORMACIÓN PRÁCTICA
56
Julio Calvo
Voz: Enrique Morente; Percusión: José Manuel Ruiz “Bandolero”; Batería: Ernesto Jiménez “Eric”; Guitarra: Juan José Suárez “Paquete” y Ramón David Cerreduela “David”; Palmas: Pedro Gabarre “El Popo”, Ángel Gabarre “Ángel”, José Enrique Morente “José E. Morente”; Alfonso Losa “Alfonso”; P.A.: Alfonso Enrique Almiñana “Alfons”; Luces: Gustavo;
Monitores: Enrique Soriano “Enrique”.
89
7
febrero
20.30 h
Enrique Morente
Pablo de Málaga
PAÍS España DURACIÓN 75 min. LUGAR Teatro de la Laboral
Morente homenajea a Pablo Picasso en su faceta más desconocida, la de
escritor, en Pablo de Málaga. Del deseo de indagar, Morente recupera poemas, textos y escritos del genial pintor y pone melodía y voz a los
recuerdos de la Málaga natal de Picasso, al olor a puchero, al sabor de
casa, a los recuerdos de la infancia que Morente transforma en gotas de
arte, en alientos sonoros avanzados para su tiempo.
Esta obra surge del contacto del genial cantaor con los textos escritos por
Pablo Picasso, textos que, redactados de su puño y letra, cuentan cómo
fue la infancia del gran pintor.
Pablo de Málaga son trece colores que componen la imagen de un gran
genio, trece sabores que recuerdan al sur, a una ciudad que vio crecer al
pintor y que nos llega reconstruida en imágenes geométricas superpuestas. Trece ofrendas sonoras, trece regalos que nos deja una voz
prodigiosa y nos evoca la belleza en sí misma, en los que aparece la voz
del pintor en uno de los temas, Autorretrato, dando forma así a todos esos
textos originales e inéditos hasta el momento.
Manuel Montaño
Enrique Morente, cantaor granadino, es el icono actual de la cultura flamenca tras la muerte de Camarón. Nació en tiempos en los que las
sacudidas de la post-guerra convertían a los españoles de a pie en supervivientes del orden, expertos en la vergüenza ajena, y enigmáticos
compañeros de la carencia.
La enfebrecida espiral de aprendizaje y autoafirmación le llevan a Madrid
con 14 años de edad. Su debut tiene lugar en la Peña Flamenca Charlot,
que tantas veces fue refugio de voces desamparadas y tantas otras aula
magna de clases magistrales; pero debemos considerar su salto a la profesionalidad cuando es contratado por el ballet de Mariemma, con el que
actúa en el pabellón español de la Feria Mundial de Nueva York y en la
Embajada Española en Washington.
El Morente de ahora es el Morente de siempre, aquel al que iba a visitar el
desaparecido Camarón acompañado de un joven Tomatito en Madrid:
“Tomate, vamos a acercarnos a la casa de Enrique, a ver en qué anda
ahora…”
Pieza de: Paloma Calle; Proyecto original: Paloma Calle + monoperro; Adaptación: Paloma Calle;
Iluminación: Iván Martín; Fotografías: Maite Camacho; Distribución: Paloma Chueca Management
10 11
M UJERES A BANDONADAS
12
febrero
16.30 h
EN UN
C ENTRO
DE
A RTE
Paloma Calle
100 cosas que hacer mejor
que ver este espectáculo
PAÍS España DURACIÓN 150 min. aprox. LUGAR LABoral Centro de Arte
Maite Camacho
Entrada libre
Poco hay que decir sobre esta pieza puesto que el título lo dice todo. Se
trata de profundizar en lo banal, en lo cotidiano, lo de andar por casa, lo
naif, lo que nadie en general consideraría actos artísticos, y elevarlos a la
categoría de tal.
¿Elevarlos? ¿Desde cuándo es más elevado ir a un centro de arte que pintarse las uñas? ¿Y qué pasa cuándo te pintas las uñas como parte de una
obra de arte? Al fin y al cabo no deja de ser eso, pintarse las uñas, ¿o es
que hacerlo en un museo cambia la esencia de la acción por el simple
hecho del contexto en el que ésta viene realizada?
Esta pieza se organiza en torno a este tipo de reflexiones y lo hace desde
un punto de vista irónico y ligero. En realidad lo que le está diciendo al
espectador a lo largo de las cuatro horas de duración es: mira todo lo que
podrías estar haciendo en lugar de venir a verme a mí hacerlo.
Se trata de una propuesta que se va definiendo en el tiempo al azar, ya que
el orden de lo que se hace, las 100 acciones, viene definido por números que
van saliendo de un bombo de esta manera, al azar. Y de una manera cómplice con el espectador se va desgranando esta pieza que repite una misma
estructura que nunca es igual para todas y cada una de las 100 acciones.
Ganadora del 9º Premio de Artes Escénicas del Teatre l’Escorxador y Ayuntamiento de Lleida con el proyecto hello myself, Paloma Calle se forma y
trabaja durante más de diez años en España, Alemania e Italia como intérprete para diferentes compañías de teatro y de danza experimental.
Comienza, a partir del año 2004, a trabajar en su propias creaciones dentro del ámbito de la performance, las artes escénicas y el vídeo.
La pregunta y experimentación sobre la convención espacial está siempre
presente; esto da lugar a piezas de diferentes formatos pensadas para
espacios absolutamente diversos, desde un teatro a un paseo con el
público por la periferia de una ciudad.
Concepto, texto y dirección: Tim Etchells; Asistente de dirección: Pascale Petralia; Interpretación: Tessa Acar, Hannah Bailliu, Michiel Bogaert, Spencer Bogaert, Lina Boudry,
Taha Boudry, Tristan Claus, Amber Coone, Tineke De Baere, Florian De Temmerman, Yen Kaci, Lana Lippens, Jérôme Marynissen, Aswin Van de Cotte, Viktor Van Wynendaele e Ineke
Verhaegen; Diseño de escenografía: Richard Lowdon; Vestuario: Ann Weckx; Asistente de vestuario: Eva Van Kerkhove; Diseño de luz: Nigel Edwards; Coordinación artística: Marika Ingels; Concepto de imagen: Mathilde Geens; Traducción holandesa: Catherine Thys, Pascale Petralia, Marika Ingels; Traducción francesa: Monique Nagielkopf;
Responsable de producción: Wim Clapdorp; Responsable de niños: Lotte de Vulks, Hannelore Bonami; Técnica vocal: Françoise Vanhecke; Técnicos: Piet Depoortere, Niels
Ieven; Representante de la gira: Leen De Broe; Responsable de ventas: Kristof Blom; Agradecimientos: Isotta Mergaert; Producido por Victoria Gante; Coproducción: Festival
d´Automne de Paris, Les Spactacles vivants – Centro George Pompidou, Paris, steirischer erbst Graz, Productiehuis Rotterdam.
Con el apoyo de KunstenFESTIVALdesArts Brussel, Fierce Earth Birmingham, Emilia Romagna Teatro Fondazione, Theaterfestival Spielart Münche.
CAMPO recibe el apoyo de De Vlaamse Gemeenschap.
12 13
13 . 14
febrero
20.30 h
Victoria - Tim Etchells
That Night Follows Day
PAÍS Bélgica DURACIÓN 70 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro
AFORO limitado
Espectáculo subtitulado en inglés y en español
'Vosotros nos alimentáis. Vosotros nos laváis. Vosotros nos vestís.
Vosotros nos cantáis. Vosotros nos miráis cuando dormimos. Vosotros
nos hacéis promesas que pensáis que no recordaremos. Vosotros nos
contáis historias con finales felices, historias con finales infelices e historias con finales inacabados. Vosotros nos explicáis en qué consiste el
amor, cuáles son las causas de la enfermedad y las que provocan una
guerra. Vosotros nos susurráis pensando que no nos enteramos.
Vosotros nos explicáis que la noche sigue al día'
Dieciséis niños de edades entre los ocho y los catorce años se alinean
delante del gimnasio de la escuela. Silenciosos. Tranquilos. Disciplinados. Hasta que se abren sus bocas para desvelar cómo los adultos
transforman a los niños con sus palabras. Para mejorar, para empeorar.
Ternura, ansiedad, intrusión, dominación, abuso, educación.
¿Por qué tratamos a los niños de la manera en que lo hacemos? ¿Por
qué les protegemos tanto? ¿Por qué les enseñamos del modo que lo
hacemos? That Night Follows Day refleja el mundo infantil desde el
punto de vista de la influencia de los adultos. Con gran claridad y
humor, Tim Etchells, director y creador de la obra, trata de reflejar,
mediante un espectáculo ingenioso e inquietante, la situación real, las
expectativas y los problemas del mundo infantil y adolescente, así
como la proyección que hacen los adultos sobre los niños.
Phile Deprez
Victoria es una plataforma de producción polivalente dedicada a las
artes escénicas con sede en Gante; un lugar donde los artistas pueden
crear y experimentar, un semillero de nuevas tendencias internacionales y una residencia para los artistas.
A principios de 2008, Victoria se unió a Nieuwpoorttheater. La experiencia artística de ambas organizaciones se consolida en un nuevo centro
de arte llamado CAMPO. CAMPO se define como un amplio paraguas
artístico que abarca la producción, la creación, la muestra de espectáculos y la formación.
Director: Jan Lauwers; Actores: Viviane De Muynck, Anneke Bonnema, Benoît Gob, Hans Petter
Dahl, Maarten Seghers, Julien Faure, Yumiko Funaya, Tijen Lawton, Ludde Hagberg; Guión: Jan
Lauwers; The Liar´s Monologue fue escrito por Anneke Bonnema; Música: Hans Petter Dahl, Maarten
Seghers; Letra de las canciones: Jan Lauwers, Anneke Bonnema; Coreografía: Julien Faure,
Ludde Hagberg, Tijen Lawton, Louise Peterhoff; Vestuario: Lemm&Barkey; Escenografía: Jan
Lauwers, Lieven De Mayere o Ken Hioco; Diseño de sonido: Dré Schneider; Subtítulos: Elke
Janssens; Responsable de producción: Luc Galle; Producción técnica: Lieven de Meyere; Auxiliares técnicos: Jelle Moerman, Dorus Daneels; Introducción dramatúrgica: Erwin Jans;
Fotografía: Eveline Vanassche, Maarten Vanden Abeele; Producción: Needcompany; Coproducción: Festival d´Avignon, Théâtre de la Ville (París), Théâtre Garonne (Toulouse), La Rosa des Vents
(Scéne Nationale de Villeneuve d´Ascq), Brooklyn Academy of Music (Nueva York) y Theatre Festival
Welt in Basel
Con la colaboración de: Kaaitheater (Bruselas). Con el apoyo de: Flemish Authorities.
14 15
27 . 28
febrero
20.30 h
Jan Lauwers & Needcompany
Isabella’s Room
Eveline Vanassche
PAÍS Bélgica DURACIÓN 120 min. LUGAR espacio por confirmar
Espectáculo subtitulado en español
La habitación de Isabella contiene un secreto. Una mentira
que domina la existencia de Isabella. Esta mentira es una
imagen. Una imagen exótica. La imagen de un príncipe del
desierto.
Isabella es hija de un príncipe del desierto desaparecido
en una expedición. Ésta es la historia que sus padres
adoptivos, Arthur y Anna, le han contado y que ha marcado su vida. La muerte de sus padres adoptivos, y la
búsqueda de su verdadero padre la conducen a una habitación de París llena de objetos antropológicos, etnológicos
y exóticos traídos de África y Egipto. A lo largo de la obra
Isabella relata su historia, pero no lo hace sola; la acompañan cantando todos los que han sido importantes para ella.
Needcompany es una compañía de performance que,
desde su inicio en 1986, ha destacado por ser una compañía internacional, multilingüe y multidisciplinaria.
Durante una trayectoria de más de 20 años, Needcompany ha creado una gran cantidad de producciones que
han viajado por todo el mundo.
Jan Lauwers y Grace Ellen Barkey forman el núcleo de
Needcompany. Jan Lauwers, artista visual y creador escénico, es el director artístico, considerado como uno de los
artistas más multidisciplinares del momento. Aunque sea
conocido por su trabajo teatral, siempre compagina las
artes escénicas con la soledad de su estudio, donde se
concentra en el arte visual y en la escritura. Grace Ellen Barkey ha estado implicada con la compañía desde su
fundación.
Concepto/Comisario/Director artístico: Marc Rees; Colaborador creativo/Dramaturgo:
Benedict Anderson; Artistas: Nel Amaro, John Collingswood, Holly Davey, Fiumfoto, Mónica García,
Melville Mitchell, Richard Morgan, Montse Penela, Tanja Råman, John Rowley, Avelino Sala, Orson San
Pedro, Anthony Shapland, Cai Tomos, Pelayo Varela, Simon Whitehead; Productora creativa: Siân
Thomas; Jefe Técnico: Dean Woolford; Ayudante técnico: Richard Robinson; Diseño gráfico:
Smorgasbord
16 17
Marc Rees
En Residencia
Warren Orchard
FECHAS 28 de febrero, 1, 3, 4, 5, 6, 7 y 8 de marzo, a las 12.00 h
PAIS Reino Unido / España DURACIÓN 120 min.
LUGAR diferentes espacios Laboral Ciudad de la Cultura
En Residencia es un proyecto especialmente concebido y comisariado por Marc Rees en colaboración con su socio creativo y
dramaturgo, Benedict Anderson. Consta de una serie de acciones
performativas y espaciales creada por una veintena de artistas plásticos y del movimiento, procedentes de Gales y Asturias, bajo la
dirección artística de Rees.
Esta instalación ‘site-specific’ es el resultado de un laboratorio de
trabajo in situ, donde el grupo de artistas ha tomado como punto de
partida los entornos interiores y exteriores de una zona medio abandonada de la Laboral. Las intervenciones de cada artista se inspiran
en este entorno único y los objetos particulares del lugar: materiales
del archivo, artefactos abandonados y la extraordinaria historia del
edificio. La parte central del ala meridional del complejo de la Laboral permanece sin restaurar y muchas de sus zonas (aulas,
escaleras, oficinas, recibidores, descansillos, etc.) están sembradas
de objetos tirados y de centenares de muebles en diferentes configuraciones, algunos ordenados, otros esparcidos por doquier.
Estos espacios han sido asignados a los artistas por Rees y Anderson con la tarea de re-imaginar y re-animarlos para crear En
Residencia.
Muchas de las zonas accesibles al público durante las presentaciones han estado, hasta ahora, cerradas y algunas de ellas han
permanecido intactas durante años. Para contemplar y experimentar
las intervenciones multimedia, el público navegará y descubrirá los
espacios guiado por un plano y por señalización orgánica en los suelos, paredes y otras superficies.
Con esta residencia temporal, el proyecto pretende explorar los procesos en los que el arte, la historia, el cuerpo y el comportamiento
espacial se entrecruzan para establecer nuevas formas y territorios.
Para Rees y Anderson, no es el espacio lo que define el cuerpo, sino
el cuerpo lo que define el espacio, su presencia y su resonancia;
este concepto constituye la propia esencia de En Residencia.
Marc Rees es uno de los mayores exponentes de la performance y la
instalación contemporáneas de Gales.
Sus obras, innovadoras e interdisciplinares, son célebres por sus
interpretaciones exuberantes, humorísticas y a menudo extremas, de la historia,
la cultura y la experiencia personal.
Benedict Anderson es un creador interdisciplinar nacido en Australia que
trabaja en los campos de la arquitectura, las artes visuales, el cine y la
dramaturgia de la danza. Los dos creadores han colaborado en numerosos
proyectos, centrándose, ante todo, en la
investigación del espacio, del lugar y de
la identidad, construyendo nuevos
entornos espaciales, instalaciones y
obras escénicas.
Lugar: Iglesia
Artistas: Benedict Anderson, Tanja
Råman, John Collingswood.
El enorme volumen de la Iglesia se
llena con la recreación vertical de un
bosque natural creado por Anderson,
interpretado y animado por la bailarina Råman y el artista sonoro
Collingswood.
Lugar: Pasillo de la cripta
Artistas: Anthony Shapland
La cripta es el punto de vigilancia central de todo el complejo de la Laboral.
Shapland crea una vídeo instalación
basada en los recuerdos y la experiencia de algunos de los guardias de
seguridad que han trabajado en la
Laboral durante los últimos treinta
años.
Lugar: Plaza
Artista: Cai Tomos
Evocando memorias de exhibiciones
gimnásticas en la plaza de la Laboral
en 1957, el artista toma frases y acciones del material fílmico original del
archivo y construye nuevos movimientos, interpretándolos en solitario en el
espacio enorme y abierto de la plaza.
Lugar: Pasillo
Artista: Simon Whitehead
Acompañado por niños y padres
asturianos, Whitehead se inspira en
un manual de educación física de
1952 y en juegos tradicionales de la
zona para explorar la exuberancia de
la infancia masculina a través del
movimiento.
Lugar: Paraninfo
Artista: John Rowley
Rowley se instala en un paraninfo
desierto para impartir una improvisada
conferencia-demostración, empleando
cintas de sonido encontradas y
extraños artefactos y curiosidades
procedentes del archivo.
Lugar: Aula y Almacén
Artistas: Montse Penela y
Mónica García
Dos bailarinas trabajan juntas para
elaborar una coreografía compartida
que explora e intercambia elementos
entre espacios totalmente opuestos.
Inspirándose en la historia del lugar
como un antiguo convento, las artistas referencian, abstraen y destilan
sus intervenciones conjuntas y su
vocabulario del movimiento para
crear un lenguaje común.
Lugar: Pasillo del archivo
Artista: Pelayo Varela
Inventándose su propio archivo fílmico, Varela capta la velocidad y el
poder mediante una película de formato Súper 8 titulada ‘Quemando
rueda’.
Lugar: Comunidad
Artista: Richard Morgan
Morgan interviene en las antiguas
dependencias sacerdotales, incorporando bicicletas y otros objetos
abandonados en la estancia. Una
bicicleta estática genera sonido,
música y texto al ponerse en marcha.
18 19
Lugar: Archivo
Artista: Nel Amaro
Instalado en una caótica sala de archivo, el poeta de acción Amaro remueve
recuerdos asociados al propio espacio, al complejo de la Laboral y su entramado político.
Lugar: Herbario
Inspirado en el trabajo del Padre Laínz, quien recogió semillas por todo el
mundo y creó el herbario de la Laboral, dos jardineros ancianos se ocupan de
plantas germinadas a partir de semillas autóctonas y cultivadas en el Jardín
Botánico Atlántico de Gijón.
Lugar: Aula de Arte
Artistas: Fiumfoto
Fiumfoto ocupan un aula de arte salpicada de maquetas y modelos abandonados donde la memoria y la tecnología se funden para crear una instalación de
vídeo y sonido que juega con la representación y la nostalgia de antiguos sistemas y prácticas educativas.
Lugar: Pasillo / porche
Artista: Avelino Sala
Una figura solitaria juega reflexivamente con una pelota de fútbol en llamas en
un espacio estrecho y con poca luz. La intervención se presenta simultáneamente en dos espacios como presencia en vivo y virtual, como performance y
proyección.
Lugar: Aula
Artistas: Melville Mitchell
En este ala deportiva inventada, este dúo interactúa obsesiva y competitivamente dentro de una performance de alto impacto empleando parafernalia
deportiva procedente del archivo.
Lugar: Piscina
Artista: Holly Davey
Ocupando la piscina abandonada y deteriorada, Davey está conectada a un aula
de artesanas locales que elaboran encajes y tejidos mientras charlan y cantan.
Un sistema de poleas les sirve para transportar materiales desde el aula hasta
la piscina.
Lugar: Despacho
Artista: Marc Rees
Rees crea una instalación audiovisual que examina las escaleras, pasillos y
pasadizos laberínticos de la Laboral, incorporando un destartalado sillón de
orejas y una serie de zapatos desechados.
Lugar: Despacho del Orientador
Artista: Orson San Pedro
Orson San Pedro ofrece apoyo y consejo para el futuro a quienes entren en su
oficina de orientación vocacional, compartiendo con ellos fragmentos de su
experiencia y sus propios recuerdos como antiguo alumno de la Laboral.
20 21
6.7
marzo
S.P.A.C.E. UK
Showcasing Performance in
Alternative Creative Environments
PAIS Reino Unido HORARIO por confirmar
LUGAR diferentes espacios Laboral Ciudad de la Cultura
El British Council y el Teatro de la Laboral presentan
S.P.A.C.E. UK, una muestra que dialoga con el espacio
a través de su programación y que se vincula a las particularidades y posibilidades que éste presenta. Son
múltiples los espacios que hacen de la Laboral un lugar
único para programar proyectos de site specific y para
generar trabajos vinculados al edificio y a su memoria
histórica.
La idea del Teatro de la Laboral y del British Council es
crear lazos y generar redes que faciliten la movilidad y la
creación de vínculos entre artistas de diferentes disciplinas y países. S.P.A.C.E. UK es una muestra de la última
generación de artistas británicos contemporáneos que
desarrollan su trabajo en el ámbito de la performance.
Todos ellos son creadores cuya obra está pensada para
ser vista en una variedad de espacios y no sólo en el
escenario teatral convencional.
Debbie Kermode
Las propuestas que el público y los programadores
podrán ver en el Teatro de la Laboral durante dos intensos días comparten diferentes formas de expresión. El
live art, action art, intervenciones, manoeuvres, se nos
presentarán de la mano de artistas como Kira O’Reilly,
Rajni Shah, Peter Reder, Marc Rees…
S.P.A.C.E. UK será además un lugar de discusión para
los profesionales que dialogarán sobre los usos de los
espacios públicos para las artes escénicas a la vez que
servirá como catalizador y punto de encuentro para los
creadores locales.
Dirección y piano: Michael Nyman; Soprano: Marie Angel; Violín: Gabrielle Lester y Catherine Thompson; Viola: Catherine Musker; Chelo: Anthony Hinnigan; Bajo, Guitarra:
Martin Elliott; Saxofón soprano, Saxofón alto: David Roach y Simon Haram; Saxofón barítono, Flauta travesera, Flautín: Andrew Findon; Trompa: David Lee; Trompeta: Steven
Sidwell; Trombón bajo, Bombardino: Nigel Barr; Ingeniero de sonido: Ralph Harrison; Ingeniero de monitores: John Greenough
22 23
14
marzo
20.30 h
Michael Nyman Band
& Marie Angel
Mozart 252 & I Sonetti Lussoriosi
PAÍS Reino Unido DURACIÓN 90 min. aprox. con intermedio
LUGAR Teatro de la Laboral
Michael Nyman es pianista, musicólogo y compositor
minimalista, conocido sobre todo por las obras escritas
durante su larga colaboración con el cineasta británico
Peter Greenaway. Su popularidad se disparó después
de componer la banda sonora de la galardonada película de Jane Campion, El piano (1993).
Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para su
propio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976
para una producción de Carlo Goldoni. Compuesto originalmente por instrumentos antiguos como el rebec y la
chirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón,
pasó a usar un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxofones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sido
modificada para algunos trabajos.
Reconocido por haber sido el primero en aplicar el término "minimalismo" a la música, en 2005 crea su propio sello
discográfico, MN Records, con el que ha editado obras
instrumentales, óperas y bandas sonoras originales, así
como re-ediciones de sus más célebres bandas sonoras.
En 2008 edita su álbum más reciente, Mozart 252, como
resultado del encargo realizado por la BBC con motivo
del 250 aniversario de Mozart, y ahora lo presenta en el
Teatro de la Laboral.
Michael Nyman siempre se ha caracterizado por ser un
artista abierto y colaborativo, con un marcado sentido del
humor y una enorme imaginación literaria, lo cual le ha
permitido conectar con una gran audiencia en todo el
mundo.
Concepto: Colis&Jalbas Entertainment; Dirección: Silvia Grijalba y Javier Colis; Producción: Joan
Vich y Sebastián Rosselló (Primeros Pasitos); Comunicación: Lorena Jiménez (La Trinchera) y Joan
Vich; Coordinación: Bárbara Sanzano; Diseño Web: www.lapielsuave.com
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20 . 21 . 22
marzo
20.30 h
PALABRA Y MÚSICA
V FESTIVAL INTERNACIONAL DE
SPOKEN WORD
PAÍS España LUGAR Teatro de la Laboral
Tras cuatro ediciones que han visto momentos estelares como los protagonizados por Alessandro Baricco y Leonor Watling, Julian Cope o Blixa
Bargeld, entre otros, el Festival Internacional de Spoken Word Palabra y
Música se ha consolidado definitivamente como una de las citas esenciales de este género en Europa. En su quinta edición, la segunda que se
celebra en el Teatro de la Laboral de Gijón, da un paso más allá, siguiendo las líneas maestras de su filosofía, en la que grandes pioneros de este
género híbrido, artistas esenciales dentro de la experimentación de vanguardia y escritores de culto que pocas veces han visitado nuestro país,
se unen en un cóctel que desgrana otra forma de entender la literatura, la
música, el videoarte y las artes escénicas.
Este año, el “repaso” por la historia del spoken word llega con la gran
dama del género, Diamanda Galás, quien ofrecerá un espectáculo centrado en la palabra, sin olvidar sus canciones de terror y pasión. La gran
apuesta literaria corre a cargo del escritor Irvine Welsh, un autor esencial
dentro de la literatura con tintes pop y contraculturales de los últimos tiempos. La visita del autor de Trainspotting coincide con la publicación del libro
de relatos If you liked school, you’ll like work. Y la querencia por leyendas
de la experimentación y la música y literatura de vanguardia llega de la
mano del miembro de Einstürzende Neubauten Alexander Hacke y de
Danielle de Picciotto, con su espectáculo Ship of Fools, un show basado
en la obra del autor del siglo XV Sebastian Brant. Estas tres son las primeras confirmaciones de un festival por el que han pasado artistas míticos
quienes, en muchos casos visitaban por primera vez nuestro país. Tal es el
caso de Jello Biafra, Henry Rollins, John Sinclair o Richard Hell, sin olvidar
a Lydia Lunch, John Cooper Clarke, Julian Cope, Lee Ranaldo, David J con
Roberto Mendoza, Jarboe, Blixa Bargeld o Nick Hornby con el grupo norteamericano Marah. Pero en este encuentro también se ha apostado por
producciones propias como la de Barry Gifford con Strand, Baricco con
Marlango o John Giorno con Nacho Vegas.
Este año, la presencia asturiana se materializa con la producción "Performance lírica-recital trifásico” dirigida por el poeta Carlos Barral
Álvarez (poesía y recitado), en colaboración con el músico Sergio
Rodríguez (corpus sonoro) y el vídeojockey Rob Loren (visuales).
Coreografía: Catherine Diverrès; Colaboración artística/escenografía: Laurent Peduzzi; Bailarines: Fabrice Dasse, Julien Fouché, Emilio Urbina, Thierry Micouin, Mónica García, Pilar Andrés
Contreras; Músicos: Seijiro Murayama (percusiones), Jean-Luc Guionnet (ordenador), Mattin (ordenador y voz); Artistas invitados: Mónica Valenciano (coreógrafa), Chus Domínguez (videasta);
Iluminación: Marie-Christine Soma; Vestuario: Cidalia da Costa; Producción: Centre
Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne; Coproducción: Théâtre National de Bretagne,
Teatro de la Laboral de Gijón (España), DeMon - Ambassade de France en Madrid, Ville de Lorient /
Grand Théâtre. Con el apoyo de: Cultures France / Ministère des Affaires Etrangères / Ville de Rennes
(Francia), INAEM – Ministerio de Cultura (España). Agradecimentos al Institut Français de Madrid.
Estreno el 12, 13, 14 y 15 noviembre 2008 Festival Mettre en Scène – Théâtre National de Bretagne
salle Vilar.
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27 . 28
marzo
20.30 h
La Maison du Sourd
(La Casa del Sordo)
Catherine Diverrès
Una producción del Centre Chorégraphique National de Rennes et de
Bretagne en coproducción con el Teatro de la Laboral.
PAÍS Francia-España DURACIÓN 80 min.
LUGAR por confirmar AFORO limitado
David Sauveur
Esta pieza se articula a partir de intérpretes coreográficos franceses y españoles y de tres músicos: un
francés, un japonés y un español con el propósito de
conseguir la relación entre la danza y la música, ni
escrita ni erudita, sino imprevisible e insolente.
En este sentido, el escenario se convierte en un espacio de intercambio de artistas invitados que podrán
estar presentes o no en la representación, elegir o no el
trabajar con el núcleo de intérpretes, o intervenir a partir de otros medios: textos, imágenes…
El título de la pieza hace referencia a Goya, a sus pinturas negras realizadas en Madrid hacia el final de su
vida, en el momento de quedarse sordo. A partir de esta
reflexión, Catherine profundiza en las diferentes simbologías relacionadas con la sordera, se pregunta qué
desarrollamos cuando perdemos uno de nuestro sentidos. La Maison, la Casa, considerada como sitio de
intimidad, del sueño inconsciente, lugar de interrupción
o al menos de límite con el rumor del mundo.
Catherine Diverrès hace su aparición en el mundo de la
danza contemporánea a mediados de los años 80. Como
otros coreógrafos de su generación, crea su propio lenguaje, inventa un universo. La trayectoria de Catherine
está marcada por obras de visiones fulgurantes y por
tomas de posición polémicas. Melancolía, sentimiento trágico, enfoque del vacío, abstracción, terrenos escarpados.
Todo esto y una profunda interioridad marcan su danza y
su carrera artística y están presentes en todas sus piezas.
Concepción, coreografía y dirección: Cisco Aznar; Composición Musical: Pablo Palacio; Asistente de coreografía: Laure Dupont; Iluminación: Antón Vázquez; Escenografía: Luis Lara;
Vestuario y máscaras: Luis Lara; Asistentes en vestuario y máscaras: Estefanía Fernández
García, José Fernández Lago y Noelia Pose Antelo; Cámara y montaje de video: Andreas Pfifnner;
Banda de sonido y ambientes: Andreas Pfifnner y Cisco Aznar; Repetidor: Erick Jiménez; Bailarines: Noemi Alberganti, Jorge Brea, Katja J. Geiger, Álvaro Esteban, Alba Fernández, Carmela
García, Satoko Kojima, Amparo Novás, Ana Beatriz Pérez, Miguel Ángel Ponte, Julio César Quintanilla,
Hannah Shakti y Jordi Vilaseca; Coproducido por: Teatro de la Laboral
28 29
3.4
abril
20.30 h
Centro Coreográfico Galego
Dirección y coreografía: Cisco Aznar
Giseliña
Luis Lara y Andreas Pfifnner
PAÍS España LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado
Giseliña es una libre adaptación de Giselle, del coreógrafo catalán residente en Suiza Cisco Aznar, quien con
esta obra pretende insuflar algunos de los ideales del
romanticismo a la época cargada de racionalismo snob
en la que vivimos. En Giseliña se mezclan los ideales
románticos como la demanda de libertad de expresión
para su sensibilidad, el culto a los estados primitivos, a
la inspiración espontánea y las pasiones violentas, con
ciertos códigos de la cultura popular gallega.
Cisco Aznar trabaja como bailarín, coreógrafo y profesor a nivel internacional. Profesional de reconocido
prestigio, en el 2003 fue galardonado con el Premio
Jeunes Créateurs pour la Danse de la Fondation Vaudoise y en 2007 obtuvo el contrato de confianza de
Lausanne, en el estado de Vaud e Pro Helvetia, para formar parte del equipo del Project Danse. Desarrolla
también su actividad en el ámbito pedagógico. Fue profesor de danza clásica y contemporánea y director de
diversos talleres coreográficos en la Academie Nationale d'Art Dramatique et de Cinema de Sofia, en el
Conservatorio de Bienne (Suiza), y en diversos espacios de Barcelona y Brasil.
Concepto y performance: Rachid Ouramdane; Música: Alexandre Meyer; Video Aldo Lee; Diseño
de luces: Pierre Leblanc; Escenografía: Sylvain Giraudeau; Producción L’A: Théâtre Bonlieu
Scène nationale Annecy, Théâtre de la Ville París, Biennale de danse de Lyon with the support of the
Fanal, Scène nationale de Saint-Nazaire, dans le cadre d’une résidence de création; Con el apoyo
de: Cultures France, Wonderful district à Hô-chi-minh (Vietnam), La embajada de Francia en Vietnam,
L’Espace, Centre culturel à Hanoï et le service de coopération et d’action culturelle à Hô-Chi-Minh,
Théâtre 2 Gennevilliers.
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17 . 18
abril
20.30 h
Rachid Ouramdane
Loin...
PAÍS Francia DURACIÓN 60 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro
AFORO limitado
EM
El viaje es a menudo una ocasión para revisitarse, el momento para hacer
una revisión de nuestra identidad o, más bien, de nuestras identidades: las
que heredamos, las que llevamos en la mirada del otro y las que nos proyectamos, las que intentamos emancipar. El viaje cuestiona estos estratos
identitarios que se reconfiguran en todos nuestros desplazamientos. En
estos movimientos es cuando aparece el sentimiento de ser EXTRANJERO.
Durante un viaje reciente a Vietnam y a Camboya descubrí otra manera de
ahondar en este sentimiento de ser extranjero. En el curso de una conversación sobre la violencia de los conflictos que sacudieron estos países
recordé las páginas de la cartilla militar de mi padre, que tuvo que pisar el
suelo de esa antigua Indochina. A medida que la conversación avanzaba,
veía que por el hecho de mi nacionalidad francesa me asignaban el papel
del hijo de un antiguo colono, aunque lo que vinculó a mi padre con aquella Indochina fue el legado de otra colonización, la suya en Argelia.
Me sorprendió que la conmoción y la devastación provocada por la violencia de los conflictos armados nos llevara a reflexionar sobre la imagen de
“el extranjero” en muchas partes del mundo. ¿De qué manera la violencia
de los conflictos armados nos convierte en extranjeros? ¿Qué sensibilidad
nace de esa violencia? Esa es la pregunta que aborda este proyecto itinerante, siguiendo los pasos de un viaje realizado hace más de 50 años.
(Rachid Ouramdane)
Rachid Ouramdane vivió su infancia en un humilde barrio de la localidad
de Annecy, donde bailaba en la calle y aprendía de los mayores. A los 15
años empezó a ir a clases de baile contemporáneo y continuó hasta que
se incorporó al prestigioso Centre National de Danse Contemporaine en
Angers. Desde entonces ha trabajado como bailarín y asesor artístico. En
la actualidad está considerado como un artista multimedia. En 2007,
Rachid Ouramdane crea L'A. como lugar para la exploración artística en
la creación contemporánea. De forma paralela a la creación de proyectos, Rachid Ouramdane está involucrado en la educación mediante la
impartición de talleres artísticos y de investigación, y como moderador de
encuentros artísticos internacionales.
Propuesta de Christian Rizzo; Realización: Julie Guibert; Música: Géromé Nox; Iluminación: Caty Olive; Coreografía, escenografía y vestuario: Christian Rizzo; Dirección de
escena: Jean-Michel Hugo; Producción: l’association fragile; Co-producción: Festival de Danza de Montpellier - Centro Nacional de Danza de Pantin (creación en residencia); Con
el apoyo de Passarelle, Scene Nationale de Saint-Brieuc.
L’association fragile recibe el apoyo de DRAC Ile de France, del Ministerio de Cultura y de la Comunicación y de Culturesfrance para todas sus giras.
Desde 2007, l’association fragile / Christian Rizzo ha estado en residencia en la Opéra de Lille.
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24 . 25
abril
20.30 h
Christian Rizzo / l’association
fragile
b.c, janvier 1545, fontainebleau
PAÍS Francia DURACIÓN 120 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro
AFORO limitado
Solo de danza que se materializa en una suntuosa caja
blanca que contiene objetos, materiales reciclados de
otras obras, y algunos nuevos… una caja que reluce
bajo la suma de la iluminación de Caty Olive, el paisaje
sonoro de Géromé Nox y la danza de Julie Guibert.
Todo ello configura una danza proyectada en el espacio, nocturna, que ahonda en la idea de lentitud. Los
gestos estilizados de la bailarina, sus lentos pasos, sus
curvas conforman la única humanidad visible en la blancura de este vacío. Todo esto resuena con la plasticidad
de la estructura, el sonido y la iluminación en el juego.
Marc Domage
Para b.c, janvier 1545, fontainebleau, Christian Rizzo ha
reunido a Caty Olive, creadora de la iluminación de la
pieza, y Géromé Nox, creador del sonido del singular
proyecto. El coreógrafo vuelca su talento en la creación
de un universo adaptado a Julie Guibert, bailarina clásica a la que conoció en el Ballet de la Ópera de Lyon.
En 1996 Christian Rizzo fundó l’association fragile y
comenzó a presentar eventos, solos y piezas de grupo,
además de varios proyectos y trabajos por encargo en
el campo de la moda y artes visuales. Desde entonces,
más de treinta proyectos han surgido de esta asociación, sin contar sus actividades pedagógicas. Christian
Rizzo imparte clases en escuelas de arte en Francia y
en el extranjero, así como en los lugares dedicados a la
danza contemporánea.
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1.2
mayo
L.E.V. Festival
Peter Greenaway
PAÍS España LUGARES Teatro de la Laboral, LABoral Centro de Arte,
Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias, Iglesia de la
Laboral.
L.E.V., o Laboratorio de Electrónica Visual, es el espacio en el que la música electrónica y las artes visuales y escénicas se unen como nueva forma
de expresión artística con el objetivo de acercar al público una selección
de los trabajos más interesantes de creadores locales e internacionales,
tanto de jóvenes talentos como de artistas ya consagrados.
El Festival, diseñado y concebido por el colectivo asturiano Datatrón 0x3F,
coproducido por el Teatro de la Laboral y con LABoral Centro de Arte y
Creación Industrial como patrocinador principal, vuelve con su tercera edición a Laboral Ciudad de la Cultura.
Continuando con la línea iniciada en la pasada edición, tanto a nivel de
programación como de intervención sobre nuevos espacios, L.E.V. 09
repartirá sus actividades entre el Teatro de la Laboral, LABoral Centro de
Arte, la Iglesia y la Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias.
Alva Noto
Las pasadas ediciones contaron con el directo audiovisual de Plaid & Bob
Jaroc, Alexander Hacke & Danielle de Picciotto, los directos de Mouse on
Mars, Bugge Wesseltoft o Apparat, y las muestras de nuevos talentos
como Lego my Ego, .tape. o Fuss! L.E.V. 08 significó la consolidación del
proyecto gracias a propuestas como Kindertotenlieder de Gisèle Vienne,
KTL y Dennis Cooper, Siren de Ray Lee o los directos de M83, Frank Bretschneider, The Black Dog, Monolake & Deadbeat y Clark, entre otros.
L.E.V., cuyas siglas rinden homenaje a Lev Thermen (científico ruso padre
de los sintetizadores actuales) presenta en esta tercera edición propuestas
como Tulse Luper Vj Performance de Peter Greenaway, el showcase de
Raster-Noton con directos de Alva Noto, Byetone y el proyecto Signal.
Esta edición también contará con el último trabajo del coreógrafo portugués Rui Horta junto con el grupo Micro Audio Waves, artistas como la
alemana AGF o el holandés Kettel, la performance LOSS LAYERS, creación
de Fabrice Planquette con las coreógrafas japonesas Yoko Higashino y
Yum, así como el nuevo proyecto de la coreógrafa griega Apostolia Papadamaki, Electric Girl, con música en directo de Blaine Reininger (miembro
de Tuxedomoon).
Concepto, Coreografía: Anouk van Dijk; Interpretación: Nina Wollny, Birgit Gunzl, Philipp Fricke,
Angie Mueller; Música: Robert van Heumen; Diseño de luces: Isabel Nielen/Koen van Oosterhout/
Anouk van Dijk; Dramaturgia: Jerry Remkes; Equipo técnico: Koen van Oosterhout, Anton Abbes;
Producción: Erin Coppens
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8.9
mayo
20.30 h
anoukvandijk dc
STAU
Anouk van Dijk
PAÍS Países Bajos DURACIÓN 65 min.
LUGAR Caja Escénica del Teatro AFORO limitado
¿La cabeza sudorosa de un bailarín en su regazo? ¿un
cuerpo que hace un aterrizaje forzoso en su rodilla?
¿una mujer que baila a pocos centímetros de su espalda? Todas estas sensaciones se pueden experimentar
en STAU.
STAU disuelve fronteras tradicionales teatrales para examinar la relación entre el espectador y el artista y
transformar la experiencia de la danza contemporánea.
Gestos íntimos, exactos, se transforman en movimientos dinámicos, espectaculares, rápidos y precisos.
Mientras STAU desarrolla el cambio de espacios y de
movimientos, el espectador y el artista viven una relación cada vez más estrecha. Humor, movimiento… todo
ello conduce al espectador de STAU hacia una emoción
íntima.
La coreógrafa Anouk van Dijk puso en marcha su propia compañía de danza en 1998 y ha adquirido fama
internacional durante los últimos cuatro años, con giras
por Europa, América del Norte, Asia, Rusia y Australia.
Anouk van Dijk entrena a sus bailarines en su propio
estilo de baile: la Countertechnique.
Producción: Igor Kecman; Productor Ejecutivo: Film House Bas Celik, Belgrado Serbia; Director de
´ Belgrado Serbia; Cámara: Dragan Rakicevic,
´ Belgrado Serbia; Sonido:
Fotografía: Alexandar Ilic,
´ Belgrado Serbia; Luz: Living Films Entertainment, Siamlite, Bangkok Tailandia; Edición:
Goran Stipanic,
Ramon Coelho - Netherlands Media Art Institute, Montevideo, Ámsterdam Holanda; Fotografía: Director:
Attilio Maranzano, Berlín Alemania; Ayudante: Gaia Bartolini, Berlín Alemania; Coordinación de Proyecto: Outh Litthavong; Arquitectos: Tei Carpenter, Jolie Kerns, Toshiko Mori Studio, Nueva York;
Construcción de la casa y del mobiliario: Jean-Pierre Cuomo, Naturaliamoulage, Luang Prabang
Laos; Participantes de Luang Prabang: Alanya Keovonglar, Aliya Khamsy, Bounlom, Chanthasone
Chaleunsinh, Chonny Seangta, Dalakham Suphanthong, Houmphan Philavan, Khamlah Manisuk, Linda
Phommavong, Melita Chanthavong, Ninthana Mungkurdet, Nitta Phommavong, Phatthanavong
Sitthiphong, Phetoulay Souphanthong, Phetsuda Vannapha, Philarda Keodala, Phonesanit Vonechit,
Piksavanh Parignathong, Saiyavong Tandala, Salinthip Phouangmalay, Sitthikone Keomanithieng,
Sonethavy Vilaysak, Suvanny Sisuphan, Tatun Seangra, Vannavong, Visanon Paseurhkun y Vithana
Lattana; Con el agradecimiento especial a: France Morin, Directora de Proyectos - The Quiet in the
Land, Nueva York EE. UU; Sr. Bounkhong - Departamento de Información y Cultura, Luang Prabang Laos;
Lee Nortoua - Chamán, Luang Prabang Laos; Francis Engelmann, Consultor - The Quiet in the Land Luang Prabang Laos; beaumontpublic gallery / Luxemburgo y París; Chanpheng Singpheth, Director Centro Cultural Infantil, Luang Prabang Laos; Sr. Sengkeo Pasertkoun, Coordinador de Programas y
Educador - Centro Cultural Infantil, Luang Prabang, Laos; Sra. Noukham Sisuphanh, Coordinadora de
Programas y Educadora - Centro Cultural Infantil, Luang Prabang, Laos; Restaurante L'Elephant, Luang
Prabang Laos; Le Café Ban Var Sene, Luang Prabang Laos; Restaurante 3 Nagas, Luang Prabang Laos
Producido en colaboración con "The Quiet in the Land"
Con el alto patrocinio del Departamento de Información y Cultura, Luang Prabang Laos, UNESCO
(Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura). Con la colaboración
de Galerie Guy Bärtschi, Ginebra; Teatro de la Laboral, Ciudad de la Cultura, Gijón España.
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Del 29 mayo
al 30 junio
Marina Abramovic´
8 Lessons on Emptiness
with a Happy End
PAÍS Serbia / Países Bajos LUGAR Iglesia de la Laboral
HORARIOS VISITA VÍDEO-INSTALACIÓN de 11:00 a 14:00
´ “The Family I”, 2008
Marina Abramovic,
y de 16:30 a 19:30
Inauguración el 29 de mayo: presentación del making off en el
Teatro de la Laboral
La obra más reciente de Marina Abramovic,
´ 8 Lessons on Emptiness
with a Happy End (Ocho lecciones sobre el vacío con final feliz), transmite una profunda preocupación por los excesos de las
representaciones contemporáneas de la violencia. Abramovic
´ nos llena
de impactantes imágenes de personas sufriendo a través de una compleja video-instalación que debe entenderse como contrapunto a las
incontables atrocidades que vemos representadas constantemente. Es
la recreación de una guerra representada por niños.
La obra surge de la experiencia de Marina Abramovic
´ en Laos, al observar que todos los niños tenían armas de juguete. A partir de ahí crea
una compleja obra de vídeo multicanal. Abramovic´ inyecta calma en el
paisaje a través de “tomas estáticas” de una cascada, una isla y un
Árbol del espíritu; y después, introduce un conflicto estilizado: las negociaciones, la batalla, el transporte de los cautivos, el de los heridos, la
ejecución, etc.
Junto con la instalación, Abramovic
´ realiza una serie de fotografías que
tituló Family, en las que posa con niños del lugar armados con sus juguetes de plástico. Trece fotografías de gran formato que reflejan, en todos los
casos, diferentes fases de la guerra de una manera esencialmente distinta a la utilizada por la fotografía documental al uso.
Marina Abramovic´ es una artista que defiende que, en la creación, hay
que enfrentarse a las propias limitaciones y ella lleva su arte hasta los
mismos límites de resistencia de su propio ser.
Piano: Philip Glass; Chelo: Wendy Sutter; Percusión: Mick Rossi
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30
mayo
20.30 h
Philip Glass
Una velada de Música de Cámara
PAÍS Estados Unidos DURACIÓN 80 min. aprox.
LUGAR Teatro de la Laboral
Compositor estadounidense de música minimalista,
Philip Glass estudió Filosofía en la Universidad de Chicago pero su interés pronto se orientó hacia el estudio
obsesivo de la música y la exploración de caminos
menos convencionales, colaborando con músicos
orientales como Ravi Shankar.
Raymond Meier
Revolucionario de la música de su tiempo, es un hito en
el panorama musical de los 70. Pionero en distintos
ámbitos, desde la gran ópera, la ópera de cámara o las
sinfonías, a las bandas sonoras de películas como
Kundun, de Martin Scorsese, El show de Truman y El
Ilusionista, Philip Glass ha sido galardonado en numerosas ocasiones y es Doctor Honoris Causa por tres
universidades.
En este concierto le acompañan Wendy Sutter (chelo) y
Mick Rossi (percusión). Wendy Sutter se ha labrado una
excelente reputación internacional por su dominio del
repertorio clásico y contemporáneo. Tanto como solista
como intérprete de cámara ha actuado en las mejores
salas de conciertos de todo el mundo. Mick Rossi es
pianista, compositor y percusionista; conocido por sus
colaboraciones en el circuito musical de downtown de
Nueva York y descrito como uno de los músicos con
más talento y carisma de Nueva York.
Creación: Rodrigo García; Produce: Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC);
Con la colaboración de: Gobierno del Principado de Asturias y el Teatro de la Laboral; Estreno en
Cádiz organizado por Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), Consorcio para la
Conmemoración del II Centenario de la Constitución de 1812; Participa: Festival Iberoamericano de
Teatro de Cádiz; Una propuesta de: Rodrigo García; Intérpretes: Patricia Álvarez, David Carpio,
Amelia Díaz, Rubén Escamilla, Juan Loriente, Nuria Lloansi, Isabel Ojeda, David Pino, Daniel Romero,
Víctor Vallejo; Iluminación: Carlos Marquerie; Animación: Cristina Busto; Vídeos: Ramón Diago;
Música: .tape., Chiquita y Chatarra, David Pino, David Carpio; Director técnico: Roberto Cafaggini;
Sonido: Marc Romagosa; Producción: Mónica Cofiño, Mariate García; Fotografías: Javier
Marquerie; Vestuario: Belén Montoliu
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12 . 13
junio
20.30 h
Rodrigo García
Versus
© Christian Berthelot
PAÍS España DURACIÓN 120 min. LUGAR Caja Escénica del Teatro
AFORO limitado
Un equipo de artistas en escena se unen para repudiar
nacimientos y exaltar la muerte. Y para exaltar nacimientos y repudiar la muerte. Y de camino admitir LA
DUDA como la esencia del ser, hasta confundir conocimiento con ignorancia. Esta anti-conmemoración de la
guerra es a su vez una ingenua –pero no por eso desdeñable– celebración de la vida.
Celebrar la vida y reconocer sus zonas oscuras puede
ser la única contribución del arte, y es lo que ofrecen en
esta pieza a una sociedad que agoniza, entretenida y
jocosa.
Moralista paradójico, Rodrigo García vuelve a los orígenes del rito teatral activando todos los sentidos del
espectador, en el transcurso de una experiencia a la vez
íntima y pública. Rodrigo García no sólo es “el autor de
textos que estallan como bombas”; es también videasta, performer y director de escena. Creador atípico,
conjuga en sus espectáculos elementos del pasado y
de la cultura popular de hoy en día. Junto con su compañía La Carnicería Teatro, elabora un lenguaje teatral
sorprendente donde los cuerpos en movimiento dibujan los nuevos rituales de lo cotidiano. Pero la gran
fuerza de García está en ser un hombre de a pie y de
hacer circular con pasión las ideas y las emociones que
agitan a la nueva generación. Esta última no se ha equivocado al apreciar sus espectáculos corrosivos e
inteligentes.
J. Mulot
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Del 17 al 21
junio
Mugatxoan 2009
PAÍS España LUGARES Teatro de la Laboral, LABoral Centro de
Arte, C.I.F.P. de los Sectores Industrial y Servicios de la Laboral,
Paraninfo
Mugatxoan es un proyecto artístico generado por Entrecuerpos-Mugatxoan
Asociación Cultural activo desde 1998. Mugatxoan, en euskera quiere
decir “en la fronterita”. Su sentido confirma la voluntad de situar nuestro
proyecto en un territorio conceptual sin vocación de constituirse en un
espacio cerrado.
Mugatxoan se construye a partir de la idea de espacio intermedio como
lugar de circulación de códigos, redefinido por los continuos movimientos
y desplazamientos a los que está sometido. Por esta razón, alcanza su
plena significación cuando recorre las tres ciudades en las que se realiza.
Desde el inicio, Arteleku (Donostia-San Sebastián), ha apoyado esta iniciativa y ha sido productor y lugar en el que se desarrolla Mugatxoan. La
necesidad de crear relaciones en lugares singulares de experimentación
motiva la colaboración en 2001 con la Fundaçao de Serralves (Oporto) y
en 2008 se incorpora el Teatro de la Laboral de Gijón.
La edición Mugatxoan 09 plantea un programa de tres semanas, una en
cada ciudad, con varios ejemplos representativos de las artes contemporáneas (performance, artes visuales, danza, teatro) dejando lugar para la
investigación, la reflexión y la producción de nuevas piezas.
En el Teatro de la Laboral se presentarán, por vez primera con una temporalidad común, doce de las piezas de artistas que se han producido entre
2001 y 2006. Estas jóvenes artistas fueron seleccionadas a través de las
distintas convocatorias internacionales realizadas en las últimas ediciones,
participando en los talleres y desarrollando sus proyectos individuales.
Proyectos, que han contado con el seguimiento de Mugatxoan, para
seguir adelante con su proceso y presentación.
Sepropone un recorrido a través de estos trabajos, con la idea de re-visitar
la memoria cercana para situar el presente y pensar el futuro que comienza en Gijón. El programa de actividades se completa con conferencias y
encuentros.
Dora Dream de Sandra Cuesta
Dora transforma su imagen en relación a unos objetos que utiliza para sostenerse. Considerando que alguien la observa, su comportamiento está
detalladamente compuesto. Explora el espacio donde todo ocurre y presenta su comportamiento al público. Todo está pensado para evitar la
pérdida.
El Eclipse de A. de Amaia Urra
La espera es el motor del Eclipse de A., eso y el deseo de dialogar con un
film. Un suceso con un final y un principio. No se trata de perder el tiempo
sino de perderse en el tiempo, en el tiempo de una película donde los desencuentros se vuelven encuentros y los aterrizajes, despegues. Centra su
interés en cómo se articula y se transforma el tiempo dentro de un suceso
fílmico, y como éste puede confrontarse o relacionarse con lo cotidiano y
con un suceso inscrito en un espacio y un tiempo teatrales.
A space odyssey 2002 de Cuqui Jerez
Espacios construidos en espacios reales donde las leyes espaciales y los
marcos de referencia están invertidos, manipulados o distorsionados a través
de la propia naturaleza del espacio. El reconocimiento a través de la memoria. La distorsión del orden de la realidad a través de la propia realidad. El
momento justo antes del reconocimiento, donde la realidad no está todavía en
el sitio adecuado.
Plastificción de Larraitz Torres
Ella: En un trabajo anterior, utilicé varias series de autorretratos para hacer
un trabajo escénico. Fue un trabajo muy solitario, yo era más joven (...)
(suena una música nostálgica y la imagen se desvanece como en un
sueño)
Ella joven: ...de algo aparentemente funcional puede surgir una ficción. Y
¡vaya! creo que estas partes no sirven para avanzar y tampoco para reiterar, son puntos de vista diferentes sobre un mismo tema...
Ella, un poco después: ¡Mira! en este libro lo pone... el estilo indirecto... un
discurso que permite moverse libremente entre la voz del autor y la del personaje.
El caso del espectador de María Jerez
Un sillón (de espaldas al espectador), unos libros, una televisión y una
cámara. Una mujer crea una película en directo de la cual ella misma es
espectadora. El espectador observa a una espectadora observada. A
través del uso de la cámara aparecen dos realidades que transcurren
paralelamente, que no establecen algo absoluto. Desdoblando así la
realidad en una situación escénica y una situación cinematográfica, proponiendo múltiples espacios que conviven en uno, tiempos que
transcurren en contradicción, estructuras que se desarrollan hacia el infinito, dobles imágenes, juegos de realidad y ficción. Es la simultaneidad
de ambas situaciones lo que crea el suceso...
Los cuerpos cuando caen hacen ruido
de Alejandra Pombo
Sigo los rastros frágiles de mi experiencia a través de animales inaccesibles y gestos
excesivamente simbólicos y deseados que me
permiten escapar de las verdades e identidades
fijas, a la frontera del continuo movimiento, vacilación de una certeza que corre y que nunca se
deja atrapar ni revelar en un fin concreto, dejándose sólo visionar bajo el presentimiento y la
intuición de una existencia en la mejor forma
que en cada ocasión se me aparece.
200 gr. de António Júlio
200 gr. no es una forma de decir yo. Es una
forma de exhibición pero no asumida.
200 gr., es una forma de decir uno. Si en un
embalaje sólo existiera la designación de peso,
nada podríamos saber acerca de la naturaleza
de su contenido, esperaríamos para su revelación, ansiaríamos abrir el embalaje y conocer el
producto. Y podría suceder que el producto del
interior fuera otro embalaje con otra designación de peso que nos instigase a continuar.
200 gr., representa una verdad escondida,
muchas veces revelada, muchas veces distorsionada. Es un lugar de la existencia.
Finalmente, ¿con o sin título?
(título provisional) de Loreto Martínez-Troncoso.
Nota de partida: “Llevo entonces casi 6 años
hablando. Y casi 2 diciendo: … 1 año, 4 meses
y 19 días diciendo que… 7 meses y 21 días
diciendo: … 5 meses y 4 días… 2 meses y 7…”
Así terminaba yo Por el momento sin título, hace
hoy exactamente 2 años, 4 meses y 11 días.
Montrouge, martes 18 noviembre 2008.
Précipité de Bénedicte Zanon
Miradas de reojo desde la esquina de la imagen
“Paso la mano, a través y a media altura. El
cuerpo gira lentamente alrededor de esa
mano manteniéndose muy concentrado. La
trayectoria se desvía ligeramente hacia la
izquierda.”
Nuestro trabajo se construye a partir de instalaciones, de estados del cuerpo, de
sonoridades íntimas, de líneas y de perspectivas.
Dos cuerpos en un mismo espacio escénico.
Un cuerpo ligado a las instalaciones sonoras,
el otro ligado a las instalaciones plásticas y
coreográficas.
Activamos un espacio lo más familiar posible
que permita desarrollar una especie de “navegación a vista” entre construcción en directo,
atención a la imagen del pasado/montaje y dulzura de lo cotidiano.
Proyecto (algún día llevará un subtítulo)
de Amaya González Reyes
No sé si puedo llamarlo de otro modo que no
sea proyecto, y proyecto quizá no sea lo más
adecuado tampoco, quizá método estaría
mejor, y podría hablar de qué método sigo, porque un proyecto parte de una idea proyectada,
pero yo trabajo con varias a la vez, o trabajo
siguiendo un método pero no una idea, más
bien, de método voy a la idea, no sé si eso es
un proyecto, no sé si esto es un proyecto.
Escala de Marta Bernardes
Cuestiones de escala: No quería abrir la boca
para decir el vacío. Lo que quería era un día
claro y poder mostrar lo que se esconde entre
el deseo y el decir.
Si el lenguaje es cultura , ¿cómo puedo trabajar con ella y ser contra-cultura? ¿Puedo decir
el silencio hablando de él? Si cada código
implica una pérdida, una distancia, ¿cómo
puedo expresar eso que se pierde? ¿Existe
alguna cosa fuera de código?
desde . La Laboral de Edurne Rubio
“desde” es un proyecto artístico con las características de un site-specific y con la posibilidad
de desplazarse a diferentes espacios. El formato final puede cambiar en función del lugar, pero
el concepto y el proceso de trabajo se articulan
de la misma manera. Mugatxoan 2004 produjo
y presentó “desde . Arteleku”, en San Sebastián
y “desde . Serralves”, en Oporto. Hoy, el Teatro
de la Laboral me invita a realizar “desde . La
Laboral”, en Gijón.
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22, 23 y 25
junio
Edurne Rubio
desde . La Laboral
PAÍS España / Bélgica HORARIO por confirmar
“desde” es un proyecto artístico con las características de un
site-specific y con la posibilidad de desplazarse a lugares cuyo
uso original se transformó para convertirse en centros de arte.
El formato final puede cambiar en función del lugar, pero el concepto y el proceso de trabajo se articulan de la misma manera.
Mugatxoan 2004 produjo y presentó “desde . Arteleku”, en
San Sebastián y “desde . Serralves”, en Oporto. Hoy, el Teatro de la Laboral me invita a realizar “desde . La Laboral”, en
Gijón.
La Laboral, con un pasado más reciente de lo que aparenta,
posee una fuerte carga emocional quizás debido, más que a
sus orígenes políticos, al hecho de que sus habitantes fueron,
y son, principalmente, niños y adolescentes; La Laboral, este
enorme lugar del que todo el mundo tiene opiniones tan rotundas, vive, una vez más, época de cambios.
Tras un año de entrevistas realizadas a un amplio abanico de
personas que han formado y forman parte del edificio,
“desde . La Laboral” se presenta como una audio-guía,
como un recorrido espacial y temporal guiado a través de las
voces de estudiantes, profesores, artistas, políticos, guardianes, vecinos… Un documental en el que la imagen filmada no
es necesaria porque el espectador tiene la oportunidad de
vivir en presente los espacios descritos por los testimonios
sonoros. El discurso se desarrolla a partir del ámbito del
recuerdo o de la interpretación, y a la mirada del entrevistado
se añade la del espectador, creándose así una superposición
imaginaria de espacios mentales.
Desde significa tiempo y espacio: “desde entonces… hasta
ahora…” o “desde aquí… hasta allí…”
Gracias a todas y a todos los entrevistados y especialmente a
Luis Fernández por su inestimable ayuda.
Dirección: Gisèle Vienne; Dramaturgia: Dennis Cooper; Música: Peter Rehberg (música original) y El Mundo Frío de Corrupted; Iluminación: Patrick Riou; Performance creada
en colaboración con: Jonathan Capdevielle; Grabación de voces: in cast; Estilismo: Stephen O’Malley y Jean-Luc Verna; Marionetas: Gisèle Vienne y Dorothéa Vienne Pollak;
Maquillaje: Jean-Luc Verna y Rebecca Flores; Vestuario: Dorothéa Vienne Polak, Marino Marchand y Babeth Martin; Profesor de ventriloquia: Michel Dejeneffe; Traducción del
texto del americano al español: Javier Calvo; Gracias a: l'Atelier de création radiophonique of France Culture, Philippe Langlois y Franck Smith. A Sophie Bissantz por los efectos
sonoros. Las voces y los efectos sonoros han sido grabados por Atelier de création radiophonique; Gracias a: Justin Bartlett, Nayland Blake, Alcinda Carreira-Marin, Florimon, Ludovic
Poulet, Anne S - villa Arson, Thomas Scimeca, Yury Smirnov, Scott Treleaven, la galerie Air de Paris, Tim/IRIS y Jean-Paul Vienne; Equipo técnico de Quartz – Scène nationale de
Brest; Dirección técnica: Nicolas Minssen; Administración y reservas: Bureau Cassiopée; Producción asociada: DACM; Con la colaboración de Quartz - Scène nationale de
Brest; Coproducción: Le Quartz - Scène nationale de Brest, Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort dans le cadre de l’accueil-studio y el Centro Párraga Murcia; Con la ayuda de: Ménagerie de Verre en el marco de studiolab.
La compañía DACM tiene el respaldo de the Drac Rhône-Alpes / Ministère de la culture et de la communication, Région Rhône-Alpes, Conseil général de l’Isère, Ville de Grenoble, y
Culturesfrances para giras internacionales.
Gisèle Vienne es artista asociada de Le Quartz - Scène nationale de Brest.
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26 . 27
junio
20.30 h
Gisèle Vienne
Jerk
Basado en la novela de Dennis Cooper
PAÍS Francia DURACIÓN 55 min. aprox. LUGAR Caja Escénica del
Teatro AFORO limitado
Un hombre, una silla, y cinco títeres. La experiencia íntima de
un asesinato, basada en un hecho real.
Jerk es una reconstrucción imaginaria - extraña, poética,
divertida y triste - de los crímenes perpetrados por el asesino
en serie americano Dean Corll quien, con la ayuda de los adolescentes David Brooks y Wayne Henley, mató a más de
veinte niños en el estado de Texas a mediados de los años 70.
Mientras David Brooks cumple su condena de cadena perpetua en la cárcel, aprende el arte de los títeres, y escribe un
espectáculo que reconstruye los asesinatos cometidos por
Dean Corll. En la propia cárcel, y ante una clase de estudiantes de psicología, estrena su pieza. Aunque el protagonista
principal es David, uno de los adolescentes que terminó en
la cárcel, la pieza presenta a todos los personajes en una
fracción de segundo, sobre todo a las jóvenes víctimas.
Alain Monot
El trabajo de Gisèle Vienne se centra en la relación entre
cuerpos naturales y artificiales. Coreógrafa, directora, artista
visual y de performance, realiza la coreografía y la puesta en
escena de piezas como Splendid’s de Jean Genet (2000),
Showroomdummies (2001), Stéréotypie (2003), y Tranen
Veinzen (2004) con Etienne Bideau-Rey.
Desde 2004, dirige y realiza la coreografía de I Apologize y
de Une belle enfant blonde / A young, beautiful blonde girl
(primera producción en 2005), y de Kindertotenlieder (2007).
Para el 2009, está ya trabajando en una nueva creación llamada Eternelle Idole (estreno en febrero de 2009) con un
patinador sobre hielo y un artista de performance. También
está trabajando con Etienne Bideau-Rey en la pieza
Showroomdummies (estreno en febrero de 2009).
Director artístico: Ryutaro Kaneko; Director técnico: Mattias Ternoot; Jefe de escenario:
Masafumi Kazama; Diseño de luces: Katsuhiro Kumada; Asistente de escenario: Tatsuya
Dobashi; Manager grupo: Takashi Akamine; Asistente manager: Juan Akimoto, Gen Matsui; Entrenador psíquico: Mitsunaga Matsuura; Músicos: Kenzo Abe, Kazunari Abe, Takeshi Arai, Yoshikazu
Fujimoto, Yuichiro Funabashi, Tsubasa Hori, Kazuki Imagai, Mitsuru Ishizuka, Tomohiro Mitome,
Yosuke Oda, Natsuki Saito, Masayuki Sakamoto, Yoshie Sunahata, Shogo Yoshii.
Diorama Arts Centre/UK y KODÔ son asociaciones culturales.
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4
julio
20.30 h
KODÔ
ekkyo: trans-border
PAÍS Japón DURACIÓN 120 min. con intermedio de 15 min.
LUGAR Teatro de la Laboral
Explorando las ilimitadas posibilidades del tambor tradicional japonés, el taiko, Kodô presenta una forma de
arte viva y brillante. En japonés, la palabra Kodô conlleva dos significados, por una parte quiere decir “latido
del corazón” –la fuente primaria de todo ritmo– y por
otro lado quiere decir “niños del tambor”, un reflejo del
deseo de tocar sus tambores de manera sencilla, con el
corazón de un niño.
Kodô procura a la vez preservar y reinventar las representaciones de arte tradicional japonés utilizando el
tambor como un arte marcial, un arte de circo lleno de
profundo espiritualismo.
Los miembros de Kodô viven, entrenan, y trabajan juntos como un colectivo en la isla japonesa de Sado; y
con un total de 3.000 actuaciones en 44 países intentan
siempre recordar al público su pertenencia a otro colectivo mucho más grande: el mundo.
En 2001, Kodô fueron los primeros japoneses en hacer
una aparición en el concierto del premio Nobel de la
Paz, televisado en todo el mundo. En 2002, Kodô contribuyó en el himno oficial del mundial de fútbol en
Corea/Japón.
Julio Calvo
Talleres
Impartido por: Catherine Diverrès; Músicos: Seijiro Murayama (percusión), Jean–Luc Guionnet
(saxo); Bailarín: Emilio Urbina.
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23 . 24 . 25 . 26
marzo
11.30 a 17.00 h
Taller de Danza e Improvisación con Músicos
Principios de Unidad y Acumulación
Impartido por Catherine Diverrès
PAÍS Francia / España PRECIO 40 € (20 € para alumnos y personal
de la ESAD-Gijón y Universidad de Oviedo con acreditación)
LUGAR Sala de Ensayos 1 – Teatro de la Laboral Ciudad de la Cultura
PLAZAS 12 participantes mayores de 18 años. Bailarines profesiona-
David Sauveur
les o al menos establecidos en una trayectoria coreográfica.
Los seis principios del libro de mutaciones chino “Yi
King”: Unidad, Transformación, Tierra, Cielo, Acumulación y Oposición; y las asociaciones semánticas propias
a nuestra cultura europea serán la base para la improvisación de los alumnos con dos músicos de saxo y
percusión.
En este taller se trabajará el principio de Unidad y el de
Acumulación.
El principio de Unidad comprende la relación con el Espacio, fundado en la Escucha, el “actuar juntos”, la
identidad, las unidades de medida, el coro…
El principio de Acumulación es más técnico, se trabajará
la memorización, la energía, la invención, la resistencia
física, siempre teniendo en cuenta a los demás, la escucha, la alerta.
El taller será impartido por Catherine Diverrès, coreógrafa que hace su aparición en la danza cotemporánea a
mediados de los 80, desmarcándose y dándole la espalda a las concepciones de la danza postmoderna
estadounidense que domina la escena. Como otros
coreógrafos de su generación, crea su propio lenguaje,
inventa un universo.
El taller va dirigido a bailarines profesionales o al menos
establecidos en una trayectoria coreográfica, mayores de
18 años. Catherine Diverrès y varios profesionales que
colaboran habitualmente con ella, realizarán la selección
de los 12 bailarines que finalmente participarán en el taller.
Julio Calvo
Información práctica
Los usuarios podrán comprar sus entradas:
·
En cajeros CajAstur Tiquexpress
·
En la web de CajAstur: www.cajastur.es
·
En el teléfono de CajAstur: 902 106 601
Posteriormente las entradas adquiridas se podrán retirar en cajeros Tiquexpress de la entidad
bancaria.
·
En Laboral Ciudad de la Cultura:
Centro de Recepción – Tienda
Horarios: lunes a viernes de 8:00 h. a 20:00 h. (días con espectáculo hasta las 20:30 h)
sábados y domingos: febrero y marzo de 10:00 h. a 19:00 h.; de abril a junio de
10:00 h. a 19:30 h.; julio de 10:00 h. a 21:00 h.
Taquilla del Teatro de la Laboral: el día del espectáculo dos horas antes del inicio de la función. Las entradas se podrán retirar hasta 15 minutos antes del espectáculo
·
Kiosco situado en el Campo Valdés (frente a la Iglesia de S. Pedro en el Paseo del Muro de
S. Lorenzo)
Precios:
Precios desde 5 euros hasta 20 euros dependiendo del espectáculo.
Habrá abonos para ciclos específicos
Consultar precios en la web del teatro www.teatrodelalaboral.com
Para más información:
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902 306 600
www.teatrodelalaboral.com
Teatro de la Laboral
C/ Luis Moya 261
33203 Gijón
Asturias
Otra información:
- No se admiten devoluciones ni cambio de entradas
- Una vez iniciado el espectáculo no se permitirá el acceso a la sala
- No se permite la grabación de vídeos ni la realización de fotografías
- Hay habilitados lugares para personas de movilidad reducida
- La organización se reserva el derecho de modificar la programación siempre que sea por causas ajenas
LABORAL CIUDAD DE LA CULTURA
C/ Luis Moya Blanco 261
33203 Gijón. Asturias
Teléfono información Laboral Ciudad de la Cultura:
902 306 600
AUTOBUSES URBANOS HASTA LA LABORAL:
• Línea 1:
Cerillero-Hospital de Cabueñes
• Línea 18: Nuevo Gijón-Hospital de Cabueñes
• Línea 2:
Roces-Hospital de Cabueñes
TELÉFONO TAXIS:
985 141 111
985 164 444