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CAPÍTULO 1
La Cuna de la música Occidental
Objetivo
Comprenderá que La música occidental recibió influencia en su formación de las culturas griega
romana y judía
Introducción
Se conoce como Música Occidental a la que tiene su origen en Europa y en las zonas del mundo
que han recibido su influencia, la importancia de esta música radica en que a través de los siglos
de su historia ha creado sus propios fundamentos teóricos y un sistema fidedigno de escritura por
medio del cual el hombre ha podido expresar con la música lo que no se puede decir con las
palabras
Tres culturas influyeron en el desarrollo de la música occidental, la griega, la romana y la judía,
debido a que el desarrollo de occidente tuvo sus fundamentos en la religión cristiana y esta a su
vez había sido influida desde su formación por estas tres culturas. Recordemos que en los inicios
de la iglesia cristiana primitiva los judíos se encontraban dominados por los romanos y estos a su
ves culturalmente habían recibido influencia de los griegos.
Se cree que la teoría musical occidental tuvo su origen en la Grecia antigua aunque no hay duda
que estos a su vez tomaron sus ideas de Mesopotamia y Egipto. Existen por lo menos una docena
de ejemplos de música griega, escritos en una notación alfabética que no se a podido descifrar
con certeza. Las teorías griegas y romanas sobre la naturaleza y función de la música fueron
desarrolladas en las obras de filósofos como Pitágoras, Aristóteles y Boecio. En Grecia la música
y la gimnasia constituían las dos ramas principales de la educación. Los griegos pensaban que la
música influía en las acciones y en los pensamientos humanos (Doctrina del ethos).
 Características De La Música Griega
La música griega fue en sus comienzos monódica (una sola melodía cantada o tocada sin
armonía). A veces uno o más músicos tocaban al mismo tiempo una variación de la melodía
mientras otros interpretaban la versión original. Esto produjo una técnica musical algo más
compleja denominada heterofonía. El ritmo de la música griega estaba íntimamente unido al
lenguaje. Algunos de sus instrumentos eran la kithara o gran lira, la flauta y el aulós.
Ejemplo
Epitafio de seikilos
Mientras estés vivo, brilla; no dejes que nada te entristezca más
allá de la medida
Porque corta es la vida por cierto, y su retribución el tiempo
exige.
Los romanos asumieron las tradiciones musicales griegas sin añadir nada sustancial.
Desarrollaron, sin embargo, varios instrumentos de metal que utilizaron en las batallas y en los
desfiles militares.
El pueblo de Israel poseyó una música autóctona, la cual se vio influenciada por las culturas con
las que se relacionó, después del cautiverio egipcio a partir del 1300 antes de Cristo se inicia el
ascenso decisivo de la música judía, su música constituye una de las fuentes principales del canto
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Historia general de la música
de la iglesia cristiana. Algunos de sus instrumentos son el kinnor o pequeña lira, never o arpa, el
shofar (cuerno) y la trompeta.
CAPÍTULO 2
Edad Media (414 A 1470)
Objetivo conocerá de una manera panorámica las características de la música litúrgica y profana
así como su contexto histórico y social durante el largo periodo de la edad media.
Contenido
Introducción
La Música Litúrgica
Ars Antiqua
Ars Nova (XIV)
Notación Musical
Música Profana
Formas musicales populares
Introducción
Durante el inicio de la era Cristiana el imperio romano dominaba la mayor parte de los países de
occidente y oriente. El emperador romano Constantino en el año 313 reconoció a la Iglesia
Cristiana como la religión oficial, y en el 330 Constantinopla
(Estambul o Bizancio) es nombrada capital del imperio romano de oriente, quedando Roma como
capital del reino de occidente.
Se llama Edad Media al largo periodo (10 siglos) que comienza con la caída del imperio Romano
de occidente (saqueo de Roma por Alárico, en el año 410), y culmina a finales del siglo XV con
dos hechos de gran importancia: el invento de la imprenta y el descubrimiento de América (1492).
En el siglo V los pueblos germánicos y eslavos dominan el Imperio Romano en las zonas de
Europa central y occidental. Gentes enérgicas y movedizas, son portadores de nuevas costumbres
y formas de entender la vida, después de las invasiones y ya estabilizados los pueblos, estos
quedan impregnados de la cultura clásica que han destruido, la cual por supuesto era mucho mas
evolucionada que la suya.
Tres son los grandes legados de Roma a los pueblos bárbaros:
El Derecho, la Religión Cristiana y el idioma, latín, que los invasores adoptaron por ser
vehículo de relación común y con más posibilidades expresivas que sus lenguajes.
Estos tres elementos significaron un formidable vínculo de unión y de universalidad, muy pronto y
a pesar de esto las antiguas provincias del imperio, fueron fragmentándose de manera autónoma,
adquiriendo y desarrollando características peculiares de las cuales poco a poco, surgirían las
diferentes naciones de Europa.
En el siglo VII otro pueblo, el de la Península Arábiga, movilizado por el ideario religioso
MAHOMA y el afán expansionista de los Califas, se extiende en poco más de medio siglo desde la
India hasta el sur de Francia, tras conquistar todo el norte de África, cercar Constantinopla
(Bizancio) en dos ocasiones y apoderarse de la península Ibérica (711), lugar donde
permanecerían casi ocho siglos.
Durante el siglo VII Europa deja atrás los primeros siglos de oscuridad y en manos del rey
Carlomagno progresa culturalmente. A su muerte el imperio es fragmentado y sufre
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Historia general de la música
modificaciones y ampliaciones que irán delimitando los nuevos reinos bajo la fuerte influencia de el
feudalismo y de la iglesia quien sigue ejerciendo una influencia absoluta en todos los aspectos.
Occidente recupera su dinamismo cultural y social. Durante el siglo XI Las cruzadas, sirvieron
para solidarizar a los estados europeos (Cristianos) frente al creciente poderío oriental (Islam).
El desarrollo del comercio da vida a las ciudades las cuales son cada vez más importantes, la
burguesía es una nueva clase social, la nobleza se orienta hacia el ideal caballeresco, la iglesia
sigue siendo omnipotente, aunque ya se advierten síntomas de secularización, y los reyes
empiezan a querer establecer sus monarquías.
En 1054 las iglesias cristianas de oriente y occidente se separan definitivamente en lo que se
conoce como el gran cisma de oriente.
Se recobra parte de España en 1212, que se encontraba dominada por los musulmanes y esto
contribuye para dar más unión a Europa.
En 1348 La peste negra sembró muerte y desolación en Europa por tres años.
La Música Litúrgica
Desde algunas décadas antes de las invasiones bárbaras, la religión cristiana fue adoptada por el
Imperio Romano. Desde sus orígenes, la liturgia (y, naturalmente, su música) estuvo
condicionada por la tradición judía, a la que vinieron a sumarse la influencia griega y romana.
La celebración religiosa de los primeros cristianos fue un nuevo tipo de música austera, puramente
vocal y profundamente fiel a la idea religiosa a la que servía.
Estos cantos litúrgicos tenían dos formas principales:
El responsorio era una especie de estribillo con que los fieles respondían a cada versículo de un
salmo entonado por un solista
La antífona es una frase musical que introduce a un salmo cantado alternativamente por dos
coros y que al terminar el salmo, cantan de nuevo todos la antífona.
 El Canto Gregoriano
El Papa Gregorio (540-604) trabajó con sus ayudantes recopilando un repertorio de música
litúrgica que se llamó romano antiguo y que contenía la práctica musical de los primeros
cristianos con mayor fidelidad tratando de unificar las distintas interpretaciones que se daban en
las regiones. Durante el siglo VII y los siguientes se fue constituyendo y seleccionando el
repertorio.
En el siglo XI se establecen las reglas de su escritura musical (notación) y durante los siglos XII y
XIII se enriquece con nuevas aportaciones; a partir de esa época, al contacto con la música extra
litúrgica y profana, cada vez más progresiva, se inicia un largo declive que, tras un nuevo
esplendor a principios de nuestro siglo XX, acaba en nuestros días por desaparecer prácticamente
de la liturgia.
 Características Del Canto Gregoriano
Monódico, o sea, de una sola línea melódica en la que no interviene para nada la armonía ni el
contrapunto.
Colectivo, anónimo y vocal, sin acompañamiento de instrumentos.
El ritmo del canto gregoriano es libre, no sometido a la rigidez métrica del compás; la música
fluye potenciando el sentido del texto.
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Historia general de la música
 La Técnica De La Polifonía
Podemos decir que la monodia alcanzo su límite expresivo por lo que aparece esta renovación,
iniciándose el canto a dos voces, como ensanchamiento de la línea melódica.
Se basa en el contrapunto. Esto es la forma más antigua de escribir música en dos partes, en la
cual las dos partes se ajustan una con otra, nota contra nota (punto contra punto). El interés
musical se reparte equivalentemente entre las diversas partes, que avanzan separadas y
producen una textura entrelazada.
El canto llano es el punto de partida para el desarrollo de la polifonía. La primera elaboración del
llano, hacia el siglo IX o quizás antes, consistía de la melodía del canto llano acompañada todo el
tiempo por simples intervalos paralelos de octavas, quintas y cuartas. Se le llamó organum, quizá
porque los órganos antiguos también tocaban en intervalos paralelos. Otro estilo que se desarrolló
fue el discantus donde las melodías se ejecutaban al mismo tiempo pero avanzaban en sentidos
opuestos
Tipos De composiciones
Conductus es un canto utilizado en las procesiones y acompañaba los movimientos del sacerdote
Motete composición formada por la superposición de una segunda voz al canto del tenor, a la que
después se le añade una tercera voz, que al igual que la segunda poseía un texto independiente
de las otras voces.
Misa
Partes de la misa
Introito o entrada del sacerdote
Kyrie Señor ten misericordia de nosotros
Gloria basado en el texto gloria a Dios en lo alto
Credo testificación de la fe
Sanctus himno de alabanza
Benedictus bienvenida a Cristo redentor
Agnus dei canto propiciatorio del sacrificio de Cristo
 Ars Antiqua
Se llama así a la forma de hacer música de los siglos XII y XIII en los que se parte a los primeros
ensayos de polifonía y se enriquece hasta sentar las bases de la polifonía en su etapa de plenitud.
Sus principales representantes son Leonin y Perotin, organistas de la catedral de Notre Dame en
París, fueron muy célebres y conocidos en Europa sus composiciones llegaron a ser hasta de 3 o
4 voces.
 Ars Nova ( XIV )
La música adquirió más dificultad y el teórico Philipe de Vitry escribió un tratado sobre cuestiones
de notación musical donde le daban a cada nota un valor fijo en relación a las demás.
El más grande expositor del ars nova fue Guillaume de Machaut su obra más interesante es la
misa de Notre Dame, la primera que tiene auténtica unidad formal y en la que se relacionan los
componentes rítmicos melódicos y tonales buscando un efecto de conjunto, por primera vez en las
cinco secciones del ordinario de la misa (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) La
preocupación principal de los músicos de ars nova era la medida y el ritmo de sus obras.
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Historia general de la música
 Historia de la notación Musical
El apogeo de la composición polifónica estuvo en estrecha dependencia con el desarrollo de las
formas apropiadas para anotar los sonidos
.Los griegos habían utilizado nombres de letras para las notas de la escala; este fue el sistema
que paso a la Europa medieval gracias a Boecio (h. 470-525).
Hacia el siglo VII empezó a utilizarse el sistema de neumas como anotación aproximada para el
canto llano. Los neumas eran signos que representaban notas o grupos de notas; indicaba al
cantante cuando tenia que subir o bajar el tono, pero no señalaba los intervalos exactos. En el año
900 Hucbald estableció un punto de referencia para la escritura de la música una línea horizontal
que representaba el do, más tarde se fueron añadiendo otras líneas En el siglo XI el monje
benedictino Guido d´ Arezzo inventó los nombres silábicos para las notas de la escala, como
medio para ayudar a leer lo que no se cantaba. Este es el sistema que aun hoy se utiliza; y
constituye la base del solfeo moderno. Mientras tanto fue evolucionando gradualmente la
anotación en pentagramas y se estableció un sistema de anotación proporcional para los valores
de tiempo
Música Profana En La Edad Media
 Juglares
La música profana con la decadencia de la cultura grecorromana, pierde parte de su importancia y
pasa a manos de los juglares. Estos eran poetas y músicos ambulantes narradores de viejas
leyendas y portadores de noticias y novedades, haciendo de ello una profesión. Sus cantos eran
sencillos con influencias gregorianas e improvisadas por el juglar. Solían ser canciones de gestas
báquicas, burlescas, bélicas, amorosas, recreativas y de admiración por la naturaleza
 Trovadores
Los trovadores nacen en el sur de Francia, en Provenza, generalmente eran personas de la
nobleza, que iban por los castillos creando un ambiente de delicadeza recitando y cantando sus
poesías. Se extendieron por Aragón, Cataluña, Levante y Baleares.
Formas musicales populares
Caccia cantos que narraban escenas de la vida cotidiana con espíritu humorístico
Madrigal melodía basada en poemas de amor pastorales o satíricas
Balada composición dedicada al baile la melodía superior es cantada en la inferior predominan los
instrumentos.
Música Instrumental De La Edad Media
La iglesia consideraba paganos a los instrumentos debido a que se relacionaban con el uso dado
a los instrumentos por las culturas paganas para la adoración de sus dioses. Sólo se aceptaba el
órgano que se construía desde los más pequeños, portátiles, hasta los enormes órganos
instalados en las catedrales.
La música profana poseía una amplia gama de instrumentos de viento cuerda y percusión flauta
gaita, arpa, trompeta, lira y un antecesor del violín el rebab árabe. A partir del siglo XII los
instrumentos proliferaron y se encuentran testimonios de que fueron usados por la iglesia en la
arquitectura y en obras literarias.
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Historia general de la música
CAPÍTULO 3
El Renacimiento 1440 – 1600
Objetivos
Analizar de que manera los hechos históricos y religiosos influyen en los cambios ocurridos en la
música del renacimiento
Entender las principales características musicales y los avances realizados desde la edad madia
hasta el renacimiento
Contenido
Introducción
La Escuela Borgoñona
Escuela Neerlandesa
La Reforma
La Contrarreforma.
Música Instrumental
Venecia
Introducción
El término renacimiento es tomado de la historia del arte, que significa literalmente renacer , y se
aplicó a esta época porque hubo un reavivamiento del estudio de las artes de Grecia y Roma
gracias a la emigración de eruditos bizantinos que llevan a Italia la antigua cultura clásica,
después de la caída de Constantinopla en manos del Imperio otomano en 1453.
Un aspecto importante del Renacimiento, fue el humanismo El estudio de la literatura antigua, de
la historia y de la filosofía moral, tenía por principal objetivo, crear seres humanos libres y
civilizados, personas de gusto y juicio, ciudadanos. Los historiadores renacentistas rechazaron la
división medieval cristiana de la historia, la Creación, seguida por la encarnación de Jesús, y
termina con el Juicio Final. La visión renacentista constaba de tres partes: la antigüedad,
continuaba con la edad media y se completaba con la edad de oro, o renacimiento.
La burguesía se levanta como un poder económico y al unirse con los reyes se formaron las
monarquías que eran grandes entidades políticas. La antigua imagen del caballero se sustituye
por la del cortesano.
Hechos importantes
1492 el último rey moro es obligado a entregar España, con esa victoria se unifica España y los
reyes Fernando e Isabel adquieren confianza en su poderío. Estos financían nuevas rutas para el
comercio con la india pero lo que descubren fue América.
1517 La iglesia poder absoluto sufría de insuperables tensiones internas y Martín Lutero proclama
la reforma. Publica sus 95 tesis.
Aunque la inquisición fue creada en el siglo XIII, durante el renacimiento en 1542 se instaló la
inquisición romana y el santo oficio.
Música Del Renacimiento
El uso social de la música se orienta a temas profanos. Como reacción a la complejidad del Ars
nova, la mayoría de los compositores de comienzos del siglo XV prefirieron un estilo de mayor
simplicidad, con melodías más suaves, armonías menos ásperas y menor importancia del
contrapunto. Los compositores ingleses fueron los que más impulsaron este nuevo estilo, en
especial John Dunstable. Quien en su música muestra el énfasis, sobre el movimiento paralelo de
terceras y sextas, las melodías triádicas y las armonías consonantes. Los elegantes rasgos de su
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Historia general de la música
música fueron pronto asumidos por los compositores del resto de Europa, en especial por los que
trabajaban en la capilla de los duques de Borgoña.
 La Escuela Borgoñona
Los duques de Borgoña eran vasallos feudales de los reyes de Francia, pero en la práctica, eran
igualmente poderosos. Sus territorios comprendían la mayor parte de lo que hoy son Holanda,
Bélgica, Francia.
La corte y capilla de Felipe el Bueno (quien gobernó Borgoña de 1419 a 1467) fue la más
esplendorosa de Europa y su influencia fue tan grande que por eso se aplica el termino
´´Borgoñon´´ al estilo de música y a los compositores de su época.
Guillaume Dufay (francés) junto con John Dunstable compositor inglés contribuyeron a dar
lógica y orden a la música para muchas voces, el sonido que hoy conocemos como música
occidental por fin tomaba forma. La causa principal que la flexibilidad cediera paso al orden no fue
la creciente sensibilidad a la armonía si no algo que constituye la diferencia capital entre la música
occidental a la de casi el resto del mundo La escritura musical, el sistema para escribir música
había llegado a ser fidedigno en la época de estos compositores.
La misa se convirtió en un género de grandes proporciones comparable a lo que fueron las
sinfonías en el siglo XIX. Las misas se construían sobre un cantus firmus estaban basadas a
menudo en canciones u otras obras profanas, además del canto gregoriano. Este hecho refleja
una creciente influencia de lo profano durante el renacimiento. En la escritura contrapuntística los
compositores de este periodo se apoyaron en gran medida en la imitación. Los compositores
borgoñones destacan por sus canciones. En ellas una voz actúa como melodía principal y otra, u
otras dos, la acompañan.
La influencia de los compositores borgoñones declinó a mediados del siglo XV.
 La Escuela Neerlandesa
Estos músicos solían preferir un sonido homogéneo, en el que todas las voces se combinan en
una textura sencilla. La textura predominante fue la contrapuntística, que asignaba igual
importancia a todas las voces. Los compositores franco-flamencos continuaron la tradición de
componer chansons, motetes y misas. El motete se convirtió en el vehículo de la experimentación.
Los textos, extraídos de cualquier parte de la Biblia o de otras fuentes, evocaban muchas ideas
musicales. Las chansons del siglo XVI se alejaban del sencillo atractivo de las canciones
amorosas borgoñonas. Johannes Ockeghem, Jakob Obrecht, Josquin des Prez y Orlando di Lasso
fueron los compositores franco-flamencos más destacados.
La Reforma
 El coral Luterano
La contribución musical más importante de la iglesia Luterana fue el himno estrófico
congregacional llamado choral. El coral, como el canto llano, consta sólo de dos elementos, texto
y melodía, sin embargo, se presta a enriquecimiento por medio de la armonía y él contrapunto. A
Lutero se le atribuye la música de Ein´feste Burg (una firme fortaleza ), el en realidad escribió
muchos textos de corales, muchas melodías de corales eran nuevas, otras se adoptaron de
melodías preexistentes.
 La Contrarreforma.
Personajes reformistas llegaron la poder en los asuntos eclesiásticos católicos. La iglesia católica,
amenazada por la Reforma, estaba a punto de perder Inglaterra, los países Bajos, Alemania,
Australia, Bohemia, Polonia y Hungría. Por esto se hizo urgente una contrarreforma,. El Concilio
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Historia general de la música
de Trento se reunió, con numerosas interrupciones, entre 1545 y 1563 para tomar medidas
destinadas a purgar a la iglesia del abuso y la corrupción.
Sobre la música (que sólo constituía una pequeña parte de las tareas del Concilio) había las
siguientes quejas:
Espíritu profano (misas con cantus firmi profanos o parodias de chansons)
Compleja polifonía que imposibilitaba la comprensión del texto
Uso excesivo de instrumento ruidoso en la iglesia
Mala pronunciación de los cantos
Espíritu de descuido y actitud generalmente irreverente en los cantos
Entre los músicos italianos más importantes del renacimiento tardío está Giovanni Pierluigi da
Palestrina. Su música simboliza el sereno fluir de la polifonía coral, que fue el principal ideal del
estilo renacentista. Gozo de renombre en su vida, en su tiempo lo nombraban el padre de los
músicos. Compuso misas y un gran número de motetes nuevos, adaptados de antiguas melodías
(lo que se conoció como contrafacta o parodias). Al final de su vida supervisó la revisión de la
música de los libros litúrgicos oficiales. Sus obras se han clasificado como la perfección absoluta
del estilo eclesiástico. Sus obras están escritas sobre cantos gregorianos.
Música Instrumental
Hacia 1600 la Misa y el motete llegaron a un punto tan alto de belleza que ya no se desarrollarían
mucho. Su importancia comenzó declinar. En cambio la música instrumental se desarrollaba tanto
en cantidad como en la habilidad de los compositores para escribir en forma específica para el
género instrumental. Por regla general, los instrumentos estaban vinculados a la ejecución de la
música vocal.
Los instrumentos de mayor uso fueron la familia de las violas, el laúd y el virginal o clave
desarrollan un repertorio especializado y adaptado a sus posibilidades técnicas y sonoras.
Compositores destacados de esa época fueron el organista y compositor inglés William Byrd y el
español Tomás Luis de Victoria
Venecia
En el siglo XVI Venecia era (después de Roma) la ciudad más importante de Italia. Era una
ciudad-estado independiente, aislada por lagunas y que mantenía algunas colonias en tierra firme.
Era además el principal puerto para el comercio de Europa con Oriente. El siglo XV había sido la
cúspide para su poder, riqueza y esplendor. El centro cultural de Venecia era la Iglesia de San
Marcos (del siglo XI). Esta iglesia era independiente y su clero y sus músicos respondían ante el
Dux antes que a cualquier autoridad eclesiástica foránea. La mayoría de las encumbradas
ceremonias cívicas venecianas, se desarrollaban en la iglesia y en la amplia plaza de enfrente. La
atmósfera era cosmopolita y extravagante.
Catedral de san Marcos Venecia
 Andrea Gabrieli y Giovanni Gabrieli
Perfeccionaron el equilibrio entre los coros y los grupos de instrumentos los intérpretes dialogaban
musicalmente. La idea de la orquestación nació con ellos.
Transcribieron canciones francesas para el órgano, canzones que más tarde se transformarían en
las sonatas
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Historia general de la música
Resumen
El hombre pasa a ser el centro de la atención humana desplazando la imagen teocéntrica
(humanismo)
La Reforma luterana busca en el Coral un medio de participación activa de todos los fieles en el
canto eclesiástico, por eso utiliza melodías populares armonizadas con sencillez.
Descubrimientos geográficos y científicos.
Se afianzan las escuelas nacionales.
La notación medida permite que la polifonía se regule y conduzca con precisión y alcance su
apogeo.
La imprenta musical favorece el intercambio de estilos y procedimientos entre países y facilita el
auge progresivo de la música instrumental.
El Motete y la Misa son las formas más importantes de la música religiosa católica.
Los instrumentos se independizan completamente de las voces. El órgano, el laúd, y el virginal
clave desarrollan un repertorio especializado y adaptado a sus posibilidades técnicas y sonoras.
la importancia pasó de la voz del tenor a la superior
los Músicos son considerados como servidores ya no dependen de la iglesia.
Se concede importancia a los temas profanos
CAPÍTULO 4
Período Barroco (1600-1750
Objetivo
Comprender las causas de la evolución de la música del renacimiento a el barroco, las principales
innovaciones en el terreno musical y los principales representantes de la música de este periodo
Contenido
Introducción
Formas Vocales
Formas Instrumentales
Compositores De Música Para Teclado
Los Grandes Músicos Del Barroco
Introducción
A fines del siglo XVI y a principios del siglo XVII, un nuevo tipo de arte y de arquitectura surgía en
el escenario europeo. Era un estilo que difería del más austero y formal estilo renacentista. Este
nuevo estilo fue llamado Barroco (que en portugués significa perla de forma irregular).
En el período anterior se había desarrollado un intrincado estilo musical basado en el contrapunto,
este estilo requería la observancia de muchas reglas. Un grupo de músicos y artistas italianos de
Florencia (conocidos posteriormente como la Camerata Florentina), se reunían regularmente para
explorar nuevos métodos para hacer que la música fuera más expresiva. A partir de estos inicios
se desarrolló un estilo en el cual en lugar de escribir piezas en las que todas las voces participaran
por igual en la música, los compositores se concentraron en la soprano y el bajo le dieron a estas
dos voces el mayor interés rellenando el espacio musical restante con acordes. La colocación
exacta de las notas del acorde era menos importante, por lo que solía dejarse a la improvisación
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Historia general de la música
del intérprete que tocaba el instrumento de teclado. El término bajo continuo hace referencia a la
línea del bajo con relleno armónico. Así se forma una textura característica de la música de este
periodo.
Durante el Barroco la música tuvo mayor unidad y se hizo más entendible a causa de la nueva
práctica de desarrollar composiciones enteras a partir de un motivo presentado en los primeros
compases.
También se enfatizó la importancia de la ornamentación como un medio para lograr mayor
expresividad. La melodía se hizo más llena de significado y más efectiva a causa del uso
decorativo de embellecimientos, que se añadían de la misma manera en que se añaden adjetivos
calificativos a una oración.
Desarrollo En El Área Vocal.
El primer gran compositor precursor de la ópera moderna fue el italiano Claudio Monteverdi. Sus
óperas no sólo utilizan el estilo monódico que hace énfasis en la palabra, sino también canciones,
dúos, coros y secciones instrumentales. Monteverdi, por ejemplo, demostró que se podían utilizar
para la ópera una amplia variedad de procedimientos y estilos musicales con el fin de realzar el
drama. La ópera se difundió rápidamente por toda Italia. Por primera vez se hacía una clara
diferenciación entre los estilos del aria (usados para reflejar las emociones) y el recitativo (que
proviene de la monodia y se utiliza para presentar información y diálogos). El público veneciano
prefería exuberantes puestas en escena y efectos visuales espectaculares, como tormentas o
dioses descendiendo del cielo. Los compositores más importantes en Venecia fueron Monteverdi,
Pier Francesco Cavalli y Marc’Antonio Cesti.
 Formas Vocales
La ópera obra vocal incluye coros arias para solistas acompañada de orquesta que contiene una
trama secular escenografía, vestuario y actuación.
La cantata es una especie de opera en miniatura no escenificada. (Puede ser religiosa o profana)
El oratorio es una cantata de grandes proporciones y contenido religioso.
 Formas Instrumentales
La fuga, es un procedimiento contrapuntístico que lleva las prácticas del canon y la imitación
hasta sus últimas consecuencias.
La sonata, fue l nombre dado a la música tocada por un pequeño conjunto.
La suite fue una de las más populares formas musicales (para teclado y para conjuntos
instrumentales). Contenían varios movimientos de danza como la allemande, la courrante, la
zarabanda y la giga.
Concerto grosso, un grupo instrumental (concertino) enfrentado a la orquesta (ripieno).
El concerto ejecutado por virtuoso y orquesta.
Compositores De Música Para Teclado
Buxtehude, Dietrich (1637-1707) organista y compositor alemán de origen danés, miembro
destacado de la influyente escuela nortealemana de compositores para órgano del siglo XVII.
Couperin, François (1668-1733) Miembro de una ilustre familia que dio cinco generaciones de
músicos. Compositor, clavecinista y organista francés, cuyas obras destacan dentro de la música
francesa del periodo barroco
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Historia general de la música
Un nuevo instrumento supera a todos por su gran agilidad, llegando a convertirse en el núcleo
de los conjuntos: El violín.
Compositores de música para cuerdas
Corelli, Arcangelo (1653-1713), compositor y violinista italiano cuyo estilo interpretativo sentó las
bases para la técnica violinística de los siglos XVIII y XIX. También su música de cámara influyó
de una forma decisiva en la posterioridad. Fue el primer compositor que ganó prestigio
internacional sólo con su música instrumental. Sus obras están consideradas como los primeros
ejemplos del nuevo sistema tonal que se estaba desarrollando, basado en tonalidades mayores y
menores. Usa como recurso técnico fundamental la secuencia.
Durante el período barroco la música instrumental alcanza su total independencia, llegando a un
gran virtuosismo, debido en buena parte al perfeccionamiento de algunos instrumentos. Y así
surgen en esta época los mejores constructores de violines, como Stradivarius y Guarnerius.
 Vivaldi
Gran compositor Italiano del periodo Barroco fue Vivaldi Los conciertos de Vivaldi se convirtieron
en modelo de su género en toda Europa e influyeron en el estilo de sus contemporáneos, incluso
en los de más edad. Fue también un virtuoso del violín que asombraba al auditorio por su técnica,
estableció una de las características básicas del concierto de los siglos siguientes: su uso para
lucimiento del virtuoso. Sus conciertos para violín también fueron decisivos en la evolución de la
ejecución violinística en cuanto a su escritura de cuerdas cruzadas y al desarrollo de una nueva
técnica para el manejo del arco. Su música poseía temas concisos, claros, vitalidad rítmica, sus
conciertos fueron imitados por Bach.
A finales del siglo XVII, el sistema de relación armónica llamado tonalidad comenzó a dominar la
música. A comienzos del siglo XVIII, los compositores habían conseguido controlar
satisfactoriamente las complejas fuerzas de la tonalidad. El control sobre la tonalidad y el énfasis
en el estado de ánimo fueron los principales responsables del sentimiento de seguridad en la
música de este tiempo.
 Johann Sebastian Bach,
La música barroca alcanzó su más alto grado de perfección en las obras de Bach, quien murió en
1750. Su estilo es de una gran síntesis por un lado florece la melodía acompañada por el bajo
cifrado y al mismo tiempo es el mayor compositor de fugas y cánones. En su obra resume y
prácticamente agota las posibilidades expresivas del barroco, en especial la fuga. La música
barroca alcanzó su más alto grado de perfección con las obras de Bach. En su música Bach
absorbió los múltiples estilos y los desarrollo al máximo logrando que los principios opuestos de
armonía y contrapunto, melodía y polifonía, se mantengan en un tenso pero satisfactorio
 George Frederick Handel.
Nació en Alemania pero nacionalizado inglés. Recibe influencia de Corelli y Vivaldi. Tras el éxito
de sus óperas viaja a Londres donde se instala, más tarde compuso muchos grandiosos oratorios.
En su época gozó de mayor fama que Bach, fue cosmopolita hombre de mundo y de negocio. Su
estilo musical tiene una poderosa atracción y combina la elegancia con la espectacularidad. Su
deliberada apelación a la audiencia de clase media fue una de las primeras manifestaciones de
cambio social que continuaría en la ultima parte del siglo y que tendría grandes efectos en la
música.
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Historia general de la música
Los compositores en el período barroco no usaron el término barroco para describir el
estilo de sus obras. Ellos llamaron a su música stile moderno (estilo moderno) como algo opuesto
al período renacentista al que llamaron stile antico (estilo antiguo). Más tarde esta palabra tomó
la connotación de algo “altamente ornamentado”, y se aplicó a la música, al arte y a la
arquitectura.
La música barroca goza en la actualidad de mayor popularidad que la que tenía hace doscientos
años.
Resumen
El Barroco es un estilo musical que surge en Italia y florece en toda Europa.
Revolucionario cambio de la historia musical.
El contrapunto y la polifonía dejan de ser le único motor de la música.
La armonía es rica y variada .
Mayor uso de sostenidos y bemoles lo que conduce al abandono de los modos y se escribe en
dos modalidades mayor y menor
La música se hace más profesional en el renacimiento la música era ejecutada por las personas
cultas. Ahora la música culta la hacen los profesionales.
Arte que intenta ser popular.
Se desarrolló un estilo en el que las voces de más importancia eran la soprano y el bajo
Se aceptó la nueva forma de afinar que permitía una libre modulación a cualquier clave.
Expresividad, fuerza y vitalidad son características de la música.
Aparecen las dinámicas piano y forte.
Los instrumentos de cuerda alcanzan su máximo desarrollo.
CAPÍTULO 5
Período Clásico (1730-1820)
Objetivos
Comprender dentro del contexto histórico la influencia de la ilustración en el terreno de la música
Reconocer los principales elementos, características, formas, estilos y compositores, del periodo
clásico
Introducción
Durante el siglo de las luces, la filosofía, la ciencia, la literatura y las bellas artes comenzaron a
tener en cuenta al público general, en lugar de a un selecto grupo de expertos La música se vio
afectada de un modo similar a medida que iba desapareciendo el mecenazgo, éste iba siendo
reemplazado por un público de melómanos.
Los ilustrados creían que las aspiraciones humanas no deberían centrarse en la próxima vida, sino
más bien en los medios para mejorar las condiciones de la existencia terrena. La felicidad
mundana, por lo tanto, fue antepuesta a la salvación religiosa. Nada se atacó con más intensidad
y energía que la doctrina de la Iglesia, con toda su historia, riqueza, poder político y supresión del
libre ejercicio de la razón.
Hacia la década de 1720 apareció un nuevo estilo muy influyente, el rococó (o estilo galante),
cultivado principalmente en Francia caracterizado por la elegancia superficial, el lujo y la frivolidad.
El llamado estilo expresivo (empfindsamer Stil) surgió algo más tarde, y estuvo básicamente
asociado a los compositores alemanes. Ambos estilos se desarrollaron a partir de la práctica
difundida en el barroco de poner el mayor interés melódico en las voces superiores. La
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Historia general de la música
importancia de la voz del bajo disminuyó de forma radical, dado que su papel quedó relegado al
de mero soporte de la línea melódica principal en la voz superior.
Ambos lenguajes fueron absorbidos más adelante dentro del clasicismo que procuraba componer
melodías que tuvieran simplicidad y claridad. Se empezaron a usar temas contrastantes más que
antes y la textura llegó a ser menos contrapuntista.
 Desarrollo De Las Formas Instrumentales
La obertura de la ópera italiana, llamada con frecuencia sinfonía, no tenía ninguna conexión
temática con la obra a la que introducían. A veces se tocaban oberturas de ópera en conciertos e
incluso obras que seguían la disposición de la obertura sin ser de ninguna ópera. El esquema
formal constaba de tres movimientos, el primero y el último rápido, el intermedio lento. Dentro de
cada movimiento la progresión de ideas musicales seguía un modelo que evolucionó hacia la
forma sonata.
Una vez que los italianos fijaron la idea de escribir una sinfonía instrumental, los alemanes
tomaron la idea y la aplicaron con mucho ingenio. Los principales centros musicales de Alemania
estaban en Berlín, Mannheim y Viena. Como resultado surgieron diferentes géneros y formas
musicales. Se empezó a distinguir entre música de cámara, en la que un instrumento tocaba
cada parte, y música sinfónica, en la que cada parte era interpretada por varios instrumentos.
Dentro de la música de cámara se distinguían varias agrupaciones instrumentales: cuarteto y
trío de cuerda.
Para orquesta se escribieron, sinfonías, y conciertos
Para piano se escribieron Sonatas este instrumento había alcanzado sus mayores avances
durante la escuela vienesa
La sinfonía, la sonata y el concierto, así como el cuarteto de cuerda, siguieron el mismo perfil
formal. Se dividían en tres o cuatro movimientos, uno o más de los cuales seguía la forma sonata.
El primer movimiento
La forma sonata es básicamente una forma ternaria con la exposición (A), el desarrollo (B) y la
recapitulación (A). Las melodías se armonizaron con una armonía triádica, a menudo usando el
bajo de Alberti, llamado así por Domenico Alberti (1710-1740), quien fue uno de los primeros
compositores en usar este tipo de acompañamiento.
Forma de sonata allegro
Liga de interés
Exposición significa exponer el “material principal”. Esto incluía generalmente un primer tema en
la clave del tónico (I), una modulación a la tonalidad dominante (V) [o a la tonalidad relativa mayor
(III) si la composición está en tonalidad menor] y un segundo tema en la nueva clave. El final de
la exposición siempre estaba señalado con un signo de repetición.
Desarrollo significa “libre tratamiento de una parte o de todo el material temático presentado en la
exposición.” En esta sección el compositor hacia libre uso de su imaginación al tratar los temas,
modulando a las tonalidades que quisiera, generalmente evitando caer en la tonalidad del tónico
(I). Esta sección era una prueba para la habilidad del compositor.
Recapitulación significa “recopilación del material temático”, se presentan los temas en el mismo
orden que en la exposición pero todos aparecen en la tonalidad del tónico (I).
El final del movimiento generalmente consistía de una coda (cola) de tamaño indefinido, que se
usaba para darle al movimiento un carácter conclusivo.
El segundo movimiento estaba en un contrastante tiempo lento.
El tercer movimiento era generalmente un minueto (minué). Este movimiento
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Historia general de la música
generalmente se omitía cuando la obra consistía de sólo tres movimientos.
El cuarto movimiento o fínale era a menudo un rondo, y ocasionalmente tenía la forma de sonata
allegro. Un tiempo indicado con mucha frecuencia era el presto.
Las formas usadas en la composición de los varios movimientos de las sonatas llegaron a ser
consideradas como formas clásicas. Según algunos, como resultado de la importancia dada a
tales formas, este período llegó a ser considerado como el período clásico, muchas obras
musicales de éste período han permanecido como insuperables. A menudo se hace referencia a la
“música clásica”, en general (sin importar que esta sea barroca o romántica).
 Desarrollo En El Área Vocal.
La opera El músico que transformó la opera buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus
Mozart. Sus tres obras maestras en lengua italiana, Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Così fan
tutte muestran la genialidad de su música.
El apogeo de la música del siglo XVIII, conocido como estilo clásico o clasicismo, se produjo a
finales del siglo con la música de un grupo de compositores que formaron la escuela de Viena.
Los más importantes fueron:
Estos tres compositores escribieron música caracterizada por tener emociones moderadas,
balance, elegancia, claridad y contraste.
Ludwig van Beethoven conectó los períodos Clásico y Romántico, ya que en sus trabajos
tempranos muestra la influencia clásica y sus trabajos tardíos muestran claramente las
características románticas.
CAPITULO 6
PERÍODO ROMÁNTICO
(1820-1900)
Introducción
Después de la universalidad de la Ilustración, el romanticismo es la edad del individuo. El mundo
no fue el mismo después de la Revolución Francesa (1789-1794). Los hombres fueron animados a
ser libres pensadores e ir por sendas independientes. El período Romántico fue dominado por
artistas para quienes la libre expresión era una de sus más altas metas. El estilo Romántico, así
como la palabra romántico, se originó en la escuela de literatura alemana de finales del siglo XVIII.
Los músicos su unieron al sentimiento general de “Anhelo de algo que no existe”.
La música pronto llegó a ser el arte romántico favorito a causa de la esencia de su material, el
sonido y los sentimientos
El período romántico fue en esencia, una reacción contra el formalismo del período precedente.
Tuvo sus inicios en los cambios sociales y políticos que brindaron mayor libertad de pensamiento
y de expresión a los intelectuales de Europa, libertad que se reflejó naturalmente en el arte y la
música.
El compositor romántico ahora se sentía libre para expresar las más fuertes e íntimas de sus
emociones sin tener que preocuparse por las limitaciones impuestas por la forma musical.
Beethoven, especialmente en sus últimos años, rompió muchas de las cadenas impuestas por el
formalismo, y a menudo es llamado “el hombre que liberó a la música.”
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Historia general de la música
El continuado desarrollo del piano ofreció nuevos sonidos durante el romanticismo. El piano de los
1840’s era muy diferente al pianoforte de Mozart y presentaba mayores posibilidades sonoras,
especialmente con el más refinado sistema del pedal de resonancia. Ahora era posible tener
grandes contrastes en la dinámica, se podía pasar desde el más suave pianissimo hasta el más
retumbante fortissimo. Estos sonidos se equiparan con las envolventes sonoridades orquestales
de la época, ambos constituyeron un medio de expresión perfecto para el pensamiento romántico.
Características de la música
La música romántica frecuentemente contiene melodías armoniosas, es expresiva y cálida, su
armonía es colorida y tiene libertad interpretativa. Este período también tuvo sus contradicciones,
por un lado estuvo la inclinación por las enormes obras para concierto y por los ejecutantes
virtuosos, y por el otro, el aprecio por las pequeñas piezas de salón de naturaleza íntima.
Durante este período las posibilidades del sistema diatónico parecieran haberse agotado debido a
los frecuentes cambios de tonalidad y a las osadas alternaciones entre los modos mayor y menor
entre otras cosas.
 Formas musicales del período romántico
La canción artística (o lied, que unía la poesía romántica, la voz y el piano en un solo concepto
artístico),
La piezas de carácter para piano (obras cortas con una o dos breves ideas), el estudio, la
mazurca, la polonesa y el vals, el arabesque, la balada, la fantasía, el nocturno, la rapsodia y la
romanza.
El poema sinfónico género de música programática para orquesta que se desarrolló en los
siglos XIX y XX. Suelen tener generalmente un único movimiento y están relacionados con
conceptos de la pintura, la poesía, el teatro, los paisajes naturales y otras fuentes extramusicales.
COMPOSITORES
Franz Schubert. primer gran escritor de Lieder utiliza el piano para desplegar su imaginación
descriptiva.
Robert Schumann, crítico agudo, escogió, temas como el dolor de la separación de un amor o de
la patria, el terror en el bosque, los sueños, temas, en los que lo misterioso se mezcla con lo
romántico
Frédéric Chopin exploró la poesía que podía hallarse en la técnica pianística mediante sus
estudios, a la vez que desarrolló la idea de nocturnos a modo de danzas poéticas (valses,
polonesas y mazurcas), así como baladas y preludios que describen atmósferas.
Franz Liszt, que se convirtió en uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos, máximo
representante de lo que se conoció como edad del virtuosismo
Niccolò Paganini, llevo a los extremos las dificultades técnicas de la música para violín.
Brahms fue un fenómeno único en sus días, ya que no seguía las tendencias marcadas por la
moda de su época, su música de gran coherencia interna, utiliza los efectos nuevos sólo para
subrayar los matices estructurales internos. A pesar de que Brahms hizo revivir una tradición
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Historia general de la música
musical como ningún otro compositor había conseguido desde Ludwig van Beethoven, no estuvo
completamente aislado, y la riqueza emocional del espíritu romántico impregna su música.
CAPITULO 7
NACIONALISMO
Además de ser el romántico una era en la que se ensalzaba la identidad personal, también se
descubría la identidad nacional. Compositores-pianistas como Liszt o Chopin eran capaces de
convertir las danzas húngaras o polacas en obras de concierto llenas de virtuosismos.
La ópera fue el medio que permitió la expresión artística más completa del individualismo nacional,
gracias al uso de un lenguaje particular y una música folclórica que sabía utilizar la historia, la
mitología y las leyendas locales.
Desde Italia, el país donde había nacido la ópera, esta técnica se difundió por toda Europa,
teniendo en común la inclinación romántica de reunir todas las artes en suntuosas puestas en
escena, con decorados realistas e ingeniosos efectos de iluminación (y, muy a menudo, con
catástrofe final incluida), con numerosos solistas y un gran coro y orquesta.
Lógicamente donde con más fuerza se hizo notar este movimiento fue en aquellos países que,
como Rusia, España, Hungría o los países nórdicos, al estar tanto tiempo bajo la influencia
germana e italiana, sintieron la necesidad de crear algo distinto, algo nacional, buscando las
raíces de su propio pueblo
Así pues, el primer nacionalismo surgió en Rusia con la ópera La vida por el Zar o Ivan Susanin
(1836) del compositor Mijaíl Glinka, cuyo argumento y melodías son enteramente rusas. ero por
encima de todo destacó el llamado grupo de los Cinco compuesto por: Mili Balakirev, Modest
Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov y Alexandr Borodín.
NACIONALISMO LATINOAMERICANO
Introducción
Con la consecución de la independencia política, los países latinoamericanos hicieron del
desarrollo artístico un objetivo nacional. En la mayor parte de ellos se crearon conservatorios
estatales, compañías de ópera y orquestas
Compositores
Brasil
Heitor Villa-Lobos. fue el primer compositor iberoamericano aclamado de forma internacional.
escribió música nacionalista y obras en el estilo neoclásico internacional de su tiempo.
México
Carlos Chávez. Empezó componiendo en la estética nacionalista y después evolucionó hacia el
atonalismo y otros estilos internacionales
Argentina
Alberto Ginastera. Abandona el nacionalismo en favor de técnicas y estilos de la música
internacional.
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Historia general de la música
CAPITULO 8
SIGLO XX (1900 al presente)
Introducción
En el siglo XX se acentúa la tendencia a encumbrar la individualidad y la expresión personal que
aparece en el romanticismo. La velocidad de las comunicaciones hace posible que los oyentes
puedan juzgar las novedades más rápidamente que nunca. El resultado de todo esto es que se
valora más que nunca la originalidad, la diversidad y el cambio rápido se han convertido en un
rasgo distintivo de la música del siglo XX
CORRIENTES DEL SIGLO XX
POSTROMANTISISMO
Características
orquesta enorme
programática
coros en sinfonía
temas extremos en velocidades
lirismo
NEOCLASICISMO
Características
Abandono de la música programática
Reacciona contra el postromanticismo
El lenguaje armónico deriva de la tonalidad
Textura contrapuntística
Se redujo la masa y el color orquestal (II guerra mundial)
Música absoluta
IMPRESIONISMO
Término que se tomó prestado de las vagas y nebulosas formas de las pinturas impresionistas.
Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Renoir y otros, Querían mostrar la forma de
ver de un artista, o la impresión que un artista tiene de alguna escena u objeto.
Características
Melodías hermosas y delineadas
Acordes paralelos
Tonos completos
Utiliza los modos antiguos
Se deja sentir la tonalidad
EXPRESIONISMO
Termino tomado de las artes visuales los pintores Kokoshka y Kandinsky, usaba la distorsión, la
exageración y el simbolismo, en reacción contra el impresionismo
Características
Textura cargada severa y brutal
Disonante y atonal
Su tema principal el hombre y la forma en que vive el siglo XX
Comunica pensamientos y emociones complejas
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Historia general de la música
PRIMITIVISMO
Características
Uso de percusiones
Mucha Repetición de motivos
Armonías percutivas
Ritmo frenético
Tesitura limitada
DODECAFONISMO desarrollada por el compositor austriaco Arnold Schönberg. Fue él quien creó
este sistema entre 1908 y 1923, cuando buscaba un principio en torno al cual se pudiera organizar
una música atonal
Características
Lo organización de los tonos se basa en determinado juego de los doce tonos
Prima
Inversión prima
Retrograda de la prima
Retrograda de la inversa de la prima
MÚSICA ALEATORIA
Características Ciertas decisiones sonoras pueden tomarse según el resultado de los dados o de
las cartas, o bien componer varias páginas de música y dejar al intérprete elegir cuáles interpretar
y en qué orden. Asimismo, en vez de utilizar la notación tradicional, el compositor realizaría un
dibujo y el intérprete sería el encargado de idear combinaciones de sonidos que se ajustaran a
dichos trazos
LA MÚSICA ELECTRÓNICA, cinta magnética se ha considerado como un instrumento, con
sonidos pregrabados que sirven como acompañamiento. La electrónica ha permitido que los
sonidos sean tratados y distorsionados de diversas maneras, esta tendencia ha ido perdiendo el
interés de parte de los compositores.
Iinventó de instrumentos electromagnéticos y electroacústicos
EL MINIMALISMO.
Utiliza un material rudimentario, a menudo tonal o de escalas y con un pulso fuerte y regular, se
repite durante extensos periodos de tiempo (producen un efecto casi hipnótico)
CONCLUSIÓN
Cada período es en gran medida una reacción contra el estilo inmediato anterior. Una nueva
época es el resultado de la creencia de que es inútil explorar más el estilo y las formas musicales
del período previo. En el siglo XX los compositores han sido forzados a buscar nuevas formas y
nuevos sistemas, luego de que las posibilidades musicales del sistema diatónico fueron llevadas
hasta sus últimas fronteras. Pero en este esfuerzo los compositores no han estado unidos para
avanzar juntos hacia una dirección particular. Han estado avanzando en todas direcciones
tratando de liberarse de las limitaciones de la tonalidad, de la forma, del ritmo, y de la notación.
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Historia general de la música