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DICIEMBRE 2015 / DECEMBER 2015
Bey Paule Band “Not Goin’ Away”. Blue Dot / Christine Vitale 2015. Se dice
popularmente que a la tercera va la vencida. Después de sus dos primeros
álbumes publicados en el 2013, Frank Bey y Anthony Paule vuelven de nuevo a
la carga para vestir de gran música su tercer producto en el que aparecen más
maduros, asentados y frescos que nunca. Si exceptuamos la nueva
incorporación del trompetista Tom Poole el grupo sigue siendo el mismo, es
decir Frank Bey a la voz, Anthony Paule a la guitarra, Paul Revelli a la batería y
percusión, Tony Lufrano a los teclados, Paul Olguin al bajo, Mike Rinta al
trombón y arreglos, Nancy Wright al saxo tenor, además de un trío vocal que
pone el énfasis correspondiente en los temas de corte más soul. Todos ellos
contribuyen en gran medida a dar fuerza y empaque a las diez composiciones
propias más dos excelentes versiones que conforman éste magnífico álbum en
el que básicamente se mezclan a partes iguales el genuino southern blues con
el soul intenso y bailable. Aunque la banda ha cambiado su antiguo nombre
The Frank Bey & Anthony Paule Band reduciéndolo simplemente a Bey Paule
Band, su calidad no se ha reducido ni ha disminuido un ápice sino que incluso
se han superado a sí mismos en un disco excelente. BUENISIMO. It is
popularly said the third time is the charm. After the first two albums published
in 2013, Frank Bey and Anthony Paule come back to dress their third work with
great music and appear more mature, settled and cool than ever. Except the
new trumpet player Tom Poole, the group remains the same, that is to say
Frank Bey on vocals, Anthony Paule on guitar, Paul Revelli on drums and
percussion, Tony Lufrano on keyboards, Paul Olguin on bass, Mike Rinta on
trombone and all arrangements, Nancy Wright on tenor sax, plus a vocal trio
that puts the stress in the more soul compositions. They all really contribute to
give the necessary power to wrap up ten original songs and two excellent
versions that form this magnificent album where genuine southern blues and
intense dancing soul are mixed in equal parts. Although the band has changed
its old name Frank Bey & Anthony Paule Band simply shortening it to Bey
Paule Band, thee quality has not become shorten or reduced an inch, but even
it has increased along this superior album. GREAT.
Omar Coleman “Born & Raised”. Delmark 2015. La nueva generación del blues
de Chicago está magníficamente representada por el cantante y armonicista
Omar Coleman que sigue la estela de los grandes maestros de dicho estilo
como James Cotton o Junior Wells, eso si, con su sello propio y un sonido
elegante y muy actual. Su funky blues visceral, desgarrado junto a su profunda
y atractiva voz que comunica el verdadero feeling de sus maestros y mentores
Bobby Rush y el mencionado Junior Wells, le están reportando mucha
credibilidad y enorme predicamento entre la nueva legión de jóvenes
aficionados al blues de Chicago. Además del propio Omar Coleman cantando y
tocando armónica, en estas grabaciones se encuentran a su lado Marty Binder
a la batería y percusión, Ari Seder al bajo, Neal O’Hara al piano y órgano, Peter
Galanis a la guitarra y finalmente Toronzo Cannon, Mike Wheeler y David
Herrero como invitados especiales en un par de temas cada uno. Todos ellos
consiguen crear un álbum compacto, cálido pero, sobre todo, dotado de un
enorme climax. Muchas veces los fans se preguntan cuál será el porvenir del
blues en los próximos años, pero con artistas de la talla y el nivel de Omar
Coleman pueden estar tranquilos porque el futuro del ‘real’ blues está
asegurado. BUENISIMO. The new generation of Chicago blues is perfectly
represented by singer and harmonica player Omar Coleman, a musician who
follows the path of those great and legendary masters like James Cotton and
Junior Wells but always with his own personal stamp and an elegant very
contemporary sound. His passionate heartbreaking funky blues together with
his deep attractive voice communicate the true feeling of his heroes and
mentors Bobby Rush and the already mentioned Junior Wells, which has given
him much reliability and a wide popularity among the legion of Chicago blues
young fans. Besides Omar Coleman singing and playing harmonica, you will
also find in the recording Marty Binder on drums and percussion, Ari Seder on
bass, Neal O'Hara on piano and organ, Peter Galanis on guitar and finally
Toronzo Cannon, Mike Wheeler and David Herrero as special guests, each one
in a couple of songs. All together have done a compact warm album but, over
all, all them communicate a very exciting climax. Many times fans are worried
and wonder what the future of the blues will be in the next few years but with
artists with the quality and high level of Omar Coleman they can be relieved,
because the future of the 'real' blues is guaranteed. GREAT.
Johnny Tanner “Juke Joint Rambler”. Self Production 2015. Los principios
musicales de este cantante y armonicista se remontan a la década de los
setenta cuando Tanner era un adolescente y escuchaba sin cesar los viejos
vinilos de blues del sello Chess, empapándose de Little Walter, James Cotton,
Walter Horton y demás armonicistas del catálogo, intentando aprender los
fraseos y el tono de todos aquellos maestros. Ahora que Johnny es ya un
hombre hecho y derecho, su amor por el blues tradicional de Chicago sigue
tan vigente como lo estaba entonces. Desde Phoenix, Arizona, Johnny Tanner
y su grupo mantienen su oferta de seguir tocando el viejo material siempre
impregnado de la misma y pura esencia del blues de Chicago de los años
cincuenta. Sus blues son como una extensión de lo que se hacia en aquellos
años con un espíritu y un sonido vintage de lo mas sorprendente que se pueda
imaginar. Además de contar con Tanner cantando y soplando la armónica, le
respaldan siempre con acierto los guitarristas Rusty Zinn, Junior Watson y
Billy Flynn, los bajistas Larry Taylor y Randy Bermudes, el pianista Fred
Kaplan y el inolvidable Richard Innes a la batería, además de Jeff Turnes y Tom
Faberge a los saxos. Un disco de auténtico blues provisto del clásico sonido
Chess de los cincuenta, eso si, interpretado con la precisión y la maestría que
sólo los músicos mas brillantes están capacitados para poderlo lograr.
BUENISIMO. The musical start of this singer and harmonica player come back
from the seventies when Tanner was a teenager and he was continuously
listening to the old Chess label blues vinyls, immersing himself in Little Walter,
James Cotton, Walter Horton and the other harmonica players of that
catalogue, trying to learn the phrasing and tone of all those masters. Now that
he has become a grown man, his love for traditional Chicago blues remains the
same as it was then. From Phoenix, Arizona, Johnny Tanner and his band keep
their offer to play old blues always impregnated with the same and most pure
essence of fifties Chicago blues. His blues are like an extension of what was
done in those years, as they gather the spirit and the most surprising vintage
sound one could imagine. Tanner’s singing and blowing harp, is perfectly
backed by guitar players Rusty Zinn, Junior Watson and Billy Flynn, bass
players Larry Taylor and Randy Bermudes, piano player Fred Kaplan and the
always missed Richard Innes on drums, plus Jeff Turnes and Tom Faberge on
sax. This is an album with the most genuine blues and the real fifties Chess
sound, performed on a precise and mastery way only the brightest and really
able musicians can do it. GREAT.
Kern Pratt “Broken Chains”. Self Production / Frank Roszak 2015. La música
folklórica del Delta del Mississippi, los blues profundos mezclados con el rock
y el funky, corren con fulgurante vitalidad por la venas del cantante y
guitarrista Kern Pratt. Nuestro protagonista se entrega a su trabajo con la
fuerza, la energía y la experiencia que ha atesorado a lo largo de las
incontables actuaciones que tiene a sus espaldas y los muchos años de
escenarios recorridos a lo largo y ancho de los USA. Gran guitarrista y
cantante dotado de una voz rota y cruda. Kern ataca el repertorio con
autoridad y enorme expresividad cromática. Puedo asegurar con toda la la
impunidad que me corresponde como conocedor de estos géneros, que Kern
Pratt es un músico competente y fuera de serie y que éste disco contiene una
serie de canciones más que sorprendentes. El álbum está muy bien producido
e interpretado con un gusto exquisito por parte de todos los músicos que
abordan el repertorio con precisión, gusto, agilidad y ganas. Los participantes
suenan compactos y bien conjuntados en todas y cada una de las doce
canciones que forman este estupendo “Broken Chains”. En suma, una pura
delicia poder saborear este álbum de un músico singular y muy correoso.
BUENISIMO. Mississippi Delta folk music and deep blues mixed with rock and
funk, run with a great vitality through the veins of singer and guitar player Kern
Pratt. Our man delivers to his work with the strength, energy and experience he
has accumulated over the countless shows he has on his back and the many
years of stage presence and tours all over the United States. Great guitar
player and singer gifted with a broken raw voice, Kern plays his repertoire with
authority and a huge chromatic expressiveness. I can tell you with all the wide
vision that gives me the many years and the expertise on these musical
genres, Pratt Kern is an able and outstanding musician and this recording
includes a bunch of more than exciting songs. The album is very well produced
and performed with exquisite taste by all musicians who approach the songs
with precision, good taste, musical agility and a lot of commitment. All
participants sound compact and teamed in each and every one of the twelve
songs that form this wonderful "Broken Chains". In short words, it is a real
delight to savour the album coming from a singular tough musician. GREAT.
David Michael Miller “Same Soil”. Self Production / Frank Roszak 2015. “Same
Soil” es un tributo a la tradición del ‘roots blues’ que siempre ha estado
presente tanto en la vida como en la música de este cantante, compositor y
guitarrista llamado David Michael Miller. Para llevar a cabo este proyecto David
ha decidido emplear únicamente instrumentos y amplificadores vintage
fabricados hace más de cuarenta años y utilizar asimismo las técnicas
antiguas de grabación, lo que ncluye también grabar las canciones sin
demasiados trucos de estudio, algún doblaje pero poco mas. Para ello ha
reclutado a un puñado de experimentados y veteranos músicos de la zona de
New York como son Jim Ehinger a los teclados, Jeremy Keyes armónica,
Jason Moynihan al saxo, Shannon Street y Carlton Campbell a la batería o
Robert ‘Freightrain’ Parker y Richi Valentino bajo y contrabajo. Todos ellos se
adentran por los caminos del blues para explorar sonidos y canciones
inspiradas en Muddy Waters, Jimmy Reed o Bo Diddley, partiendo siempre de
su propio sello personal, aderezado también de influencias gospel y soul para
de este modo conducir al oyente a un viaje a través del mas excitante blues
acústico, grasientos shuffles, emotivo gospel, impresionantes baladas
souleras o funky-blues-rock y todo ello interpretado directamente desde el
corazón y el alma, pero también desde la precisión y el tecnicismo
instrumental de todos los músicos participantes. BUENISIMO. "Same Soil" is a
tribute to roots blues tradition that has always been present in both the life and
music of this singer, songwriter and guitar player celled David Michael Miller.
To carry out this project, David decided to only play with vintage instruments
and amplifiers used more than forty years ago, and also employ the old
recording techniques, without too many study devices and a very few dubbing.
For doing it he has recruited a handful of experienced veteran musicians of
New York area like Jim Ehinger on keyboards, Jeremy Keyes on harmonica,
Jason Moynihan on sax, Shannon Street and Carlton Campbell on drums or
Robert 'Freightrain' Parker and Richi Valentino on bass and double bass. All
them run across the roads of blues to explore sounds and songs inspired by
Muddy Waters, Jimmy Reed or Bo Diddley, done from their own personal
stamp, spiced with gospel and soul influences to drive all listeners to a magical
journey along the most exciting acoustic blues, greasy shuffles, emotional
gospel, impressive soulful ballads or funky-blues-rock, all performed directly
from the heart and soul with the precise instrumentation and the excellent
technique of all participating musicians. GREAT.
Sue Palmer & Her Motel Swing Orchestra “Bricktop”. Self Production 2015.
Fantástico este nuevo álbum de la pianista y compositora Sue Palmer que una
vez más y en un nuevo alarde pirotécnico nos deleita con su neo swing de
largo alcance con once temas clásicos de las orquestas de baile de antaño.
Después de la maravillosa introducción al disco con “Bricktop”, compuesto
por la propia Palmer, le sigue un tema de Cole Porter titulado “I Love Paris”
que muestra la fascinación de Palmer por la ciudad de París y que en manos
de la Motel Swing Orchestra cobra vida propia con unos arreglos francamente
buenos y originales, donde los dotes vocales de la cantante Deejha Marie
imprimen un sentimiento profundamente arrastrado y triste, con un aire
invernal que adquiere una importancia relevante a lo largo de la canción. Con
este nuevo disco la intuitiva, inteligente y creativa Sue Palmer ha querido
rendir otro homenaje a aquellas mujeres que en los años veinte, treinta y
cuarenta del siglo pasado dieron vida propia y voz a las maravillosas y
nostálgicas orquestas de swing tan populares en aquella época. Un disco
efervescente que nos hace evocar todo el glamour y el esplendor de aquellos
night clubs y salas de baile donde el lujo, el champañ y la buena música tenían
un papel preponderante. MUY BUENO. Fantastic new album from piano player
and composer Sue Palmer who, once again and in a new firework display,
delights us with her far reaching neo swing with eleven classic songs coming
from old time dancing orchestras. After a wonderful introduction with
"Bricktop", a Palmer’s own song, comes a Cole Porter’s composition entitled "I
Love Paris", that shows Palmer’s fascination for the city of Paris that,
performed by the Motel Swing Orchestra, gets a new life with really good and
original arrangements, where the vocal abilities of singer Deejha Marie give a
deep dragged and sad feeling, surrounded by a winter atmosphere that gets a
relevant importance along the song. With this album the intuitive, intelligent
and creative Sue Palmer pays a new tribute to those women that in the
twenties, thirties and forties of the last century gave life and voice to the
wonderful and sentimental swing orchestras which were so popular at that
time. This is a high spirited album which makes us relive all the glamour and
the brightness of those night clubs and dance halls where luxury, champagne
and good music had a prominent role. GREAT.
Micke Bjorklof “Ain’t Bad Yet”. Hokahey! 2015. // Micke & Lefty Featuring Chef
“Up The Wall”. Hokahey! 2010. // Lumberjacks “Lumberjacks” Hokahey! 2012.
“Ain’t Bad Yet” es el sexto álbum de la banda finlandesa de blues-rock Micke
Bjorklof & Blue Strip. Ganadores de los premios finlandeses de blues del 2015
como ‘Mejor Banda’, éste nuevo trabajo ha sido producido por John Porter,
legendario por sus producciones de Buddy Guy, B.B. King, Taj Mahal, Keb Mo’,
Santana, además de más de diez discos ganadores de un ‘Grammy’. Durante el
pasado octubre del 2014 la banda viajó a los estudios Rockfield en Gales,
estudios han acogido a algunos de los artistas más importantes del rock como
Black Sabbath, Rush o los Oasis. En 1975 fueron los primeros estudios
utilizados por el grupo Queen para grabar “Bohemian Rhapsody” uno de los
discos mas emblemáticos de la música pop. El líder de los Blue Strip, el
cantante y guitarrista Micke Bjorklof es un experimentado músico que sabe dar
a las composiciones que interpreta un aire moderno, absorbente y dinámico
donde el blues desprende solvencia y atractivo y donde, en algunas ocasiones,
también se respira algo de música industrial. En el segundo disco que
comentamos la situación es totalmente diferente. Fue grabado hace tres años
también por Micke Bjorklof, pero en esta ocasión en formato de trío, además
deja la guitarra y la voz para tocar batería, percusión y armónica. Junto a él
comparten protagonismo los carismáticos Lefty que toca todos los
instrumentos de cuerda y se alterna a la voz con el bajista y contrabajista Chef.
Para cerrar la trilogía de estos discos editados por el sello Hokahey!, tenemos
al grupo Lumberjacks en cuyas filas encontramos nuevamente a uno de los
músicos anteriores, el bajista y vocalista Chef, que apoyado por Urmas ‘Big
Hand’ Niemi voz y guitarras, Janne Käpilä batería, percusión y voz y Jarkko
Salo voz y teclados, nos muestran un amplio abanico de músicas de diferentes
colores y tonalidades cromáticas, moviéndose siempre entre el blues más
ardiente y sofisticado, aderezado de un pop ligero y fragante con unos
arreglos de voces muy bien ambientados en la línea de las bandas inglesas del
‘Mersey Beat’ de los años sesenta, pero interpretado desde la mirada atenta a
las tendencias más actuales y modernas, a pesar de que este disco es el mas
antiguo de los tres que comentamos, pues se publicó hace ya cinco años. MUY
BUENOS. "Ain't Bad Yet" is the sixth album of the Finnish blues-rock band
Micke Bjorklof & Blue Strip. Winners of 2015 Finnish blues awards in best band
category, this new work has been produced by John Porter, the legendary
producer of some Buddy Guy, B.B. King, Taj Mahal, Keb Mo' or Santana
records, who has also more that ten records awarded with a Grammy Award. In
October 2014 the band travelled to Rockfield studios in Wales, the impressive
studios where have also recorded some of the most important rock artists like
Black Sabbath, Rush or Oasis which, in 1975 were also the first studios used
by Queen to record "Bohemian Rhapsody", one of the greatest pop albums of
all times. Blue Strip leader, singer and guitar player Micke Bjorklof is an
experienced musician who knows how to give the most actual, dynamic and
wrapping air to all the compositions he plays, where the blues always sounds
attractive and reliable and, sometimes, with a breath of industrial music. On the
second album the environment is totally different. It was recorded three years
ago by Micke Bjorklof but, this time, in a trio format. Besides, Micke leaves
guitar and vocals to play drums, percussion and harmonica. The two
musicians who share the recording are the charismatic Lefty who plays all
string instruments and alternates on vocals with electric and acoustic bass
player Chef. To close the trilogy of these albums released by Hokahey! label,
comes Lumberjacks, a band which includes again bass player and singer Chef,
who is backed by Urmas 'Big Hand' Niemi on vocals and guitars, Janne Käpilä
on drums, percussion and vocals and Jarkko Salo on vocals and keyboards.
They give us a wide range of coloured music, full of nuances and tonalities,
that move along the most sophisticated and warm blues, seasoned with a light
and fragrant pop, together with a well teamed vocal arrangements in the path
of sixties ‘mersey beat’ English bands, performed with an attentive gaze in the
most actual trends, although the album is the oldest one of these three ones,
as it was published five years ago. VERY GOOD.
Jack Bon Slim Combo “What A Good Life!”. Starasso Prod 2014. El cantante y
guitarrista francés Jack Bon lidera con pulso firme a los Slim Combo que
incluyen a Laurent Falso a la batería, percusión y voces y Chris Michel al bajo
y voces. En esta ocasión han contado asimismo con la valiosa aportación del
armonicista Fred Brusse quien proporciona su toque personal lleno de
sensibilidad en algunas canciones del álbum. Este disco es una buena muestra
del blues-rock más contemporáneo al tiempo que influenciado por los grupos
de los años setenta, estilo del que Jack Bon es un destacado representante en
el país galo. Su música está impregnada de funk y boogie y su guitarra destila
fiereza confiriendo un sello característico y muy reconocible para todos sus
fans que le siguen por decenas. Todo ello convierte a la música que se incluye
en éste “What A Good Life!”, compuesta en su totalidad por ésta figura
histórica del rock francés, en un racimo de canciones bien hilvanadas que
consiguen que éste álbum sea de fácil digestión y altamente recomendable.
MUY BUENO. French singer and guitar player Jack Bon leads with strong pulse
the Slim Combo which includes Laurent False on drums, percussion and
vocals and Chris Michel on bass and vocals. This time they have also counted
with the valuable contribution of harmonica player Fred Brusse who provides a
personal touch full of sensitivity to some of the album songs. The recording is
a good example of the most contemporary blues-rock but, at the same time, it
is deeply influenced by seventies rock bands, a kind of music Jack Bon is a
prominent representative in the French country. His style has a deep touch of
funk and boogie and his guitar communicates a terrific wildness which gives
an identifiable hallmark for the legion of fans which follow him. All these things
make the music included in "What A Good Life! ", that has been totally
composed by this historical figure of the French rock, to complete a bunch of
well built up songs that form an easily digestible and highly recommended
album. VERY GOOD.
Diane Durrett “Soul Suga’”. Blooming Tunes Music / BlindRaccoon 2015. Los
amantes de las grandes voces del rhythm and blues y del soul tienen ahora la
oportunidad de disfrutar del enorme talento de una extraordinaria cantante,
compositora, guitarrista y productora llamada Diane Durrett. Este nuevo y
brillante disco recoge once canciones en las que Diana se ha rodeado de la flor
y nata de los músicos de la zona de Georgia. Todos ellos constituyen el pilar,
la base, el mejor soporte y aportan el protagonismo necesario para que Diane
Durrett brille a un óptimo nivel y gran altura. Durrett ha sido comparada con
artistas de la talla de Gladys Knight, Janis Joplin, Aretha Franklin o Melissa
Etheridge, pero lo cierto es que nuestra protagonista tiene la suficiente
personalidad como para que después de ella y a partir de e un próximo futuro
no muy lejano, una nueva cohorte de cantantes sigan la estela de esta nueva
vocalista que empieza a despuntar muy alto. En todas y cada una de las
canciones del disco, Diane consigue despertar nuestros sentidos,
emocionándonos e incluso nos hace sonreir y bailar a partes iguales. Un disco
brillante y atrevido con la participación de más de veinticinco músicos que
afrontan éste viaje sonoro con un cuidado exquisito que da como resultado un
álbum de una enorme calidad musical. MUY BUENO. All followers and lovers of
the great voices of rhythm and blues, have now the opportunity to enjoy with
the amazing talent of an extraordinary singer, songwriter, guitarist and
producer called Diane Durrett. This brilliant new album includes eleven songs
where Diana is surrounded by the cream of Georgia area musicians. All of them
become the real foundation, the basis, the best support and provide the
necessary quality to let Diane Durrett shine at a very high level. Durrett has
been compared with such great singers like Gladys Knight, Janis Joplin,
Aretha Franklin or Melissa Etheridge but, the true thing is she has her own
personality. Probably in the next future she will create a school of new singers
who will follow the path of this singer who, little by little, stands out as a rising
star. In every album song, Diane awakens our senses, moves us and she even
communicates happiness and dancing in equal parts in some passages of the
album. This is a bright daring recording with more than twenty musicians
involved on it. All together face this magical journey with an exquisite taste and
care, which makes as a result an album with an undeniable musical quality.
GREAT.
Jim Singleton “8 O’Clock In The Afternoon”. Self Production / BlindRaccoon
2015. Jim Singleton es un cantante y guitarrista que suele trabajar por la zona
de Pennsylvania, lugar que conoce bien y en donde a su vez es reconocido por
decenas de seguidores. Jim siempre tuvo gran admiración por un guitarrista
británico llamado Bernie Marsden. Ambos se hicieron buenos amigos hace ya
bastante tiempo y por eso Bernie le propuso que se fuera con él a Clarksdale,
donde iba a rodar un documental sobre el blues del Delta. Viajaron al
Mississippi en varias ocasiones y allí tuvieron la oportunidad de conocer a
diferentes músicos locales, e incluso entrevistar al actor y propietario del club
de blues Ground Zero en Clarksdale, Morgan Freeman. Con este disco Jim ha
querido rendir tributo al rock, el folk y sobre todo la ‘roots music’ que se toca a
ambos lados del océano. Creo personalmente que se necesita un talento
especial para combinar de forma convincente el espíritu del Delta con la
música rock y lo cierto es que Jim Singleton, bien secundado por más de
quince músicos, tiene esa habilidad que atesora tanto en su corazón, como en
su voz y en su manera de tocar la guitarra. En todo ello Jim Singleton se revela
como un maestro consumado que además sabe transmitir con habilidad. El
resultado es un disco convincente lleno de buenas y atractivas canciones que
cautivarán totalmente al oyente. MUY BUENO. Jim Singleton is a singer and
guitar player who usually works at Pennsylvania area, a place he knows very
well where he is recognized by a legion of followers. Jim deeply admired a
British guitar player called Bernie Marsden. Both became good friends and,
one day, Bernie suggested him to travel to Clarksdale, where he was going to
film a documentary about Delta blues. They travelled to Mississippi several
times where they had the opportunity to meet different local musicians and
even interview great actor and owner of Ground Zero blues club in Clarksdale,
Morgan Freeman. With this new album Jim wants to pay tribute to rock, folk
and especially roots music which are now played on both sides of the Atlantic.
I personally believe one needs a special talent to combine in a convincing way
the spirit of the Delta with rock music and the true is Jim Singleton has the
necessary skills to do it and, besides, he holds it in his heart, his voice and the
way he plays guitar, well supported by more than fifteen musicians. Jim
Singleton reveals himself as an accomplished master who knows how to
communicate to the audience. The result is an album full of good, convincing
and attractive songs that will completely captivate a wide range of listeners.
VERY GOOD.
Delta Moon “Low Down”. Jumping Jack / BlindRaccoon 20125. Tom Gray y
Mark Johnson son dos excelentes guitarristas de slide que vuelven
nuevamente a la carga para ofrecernos su décimo disco que incluye nueve
canciones originales y tres covers de bella factura. En esta ocasión Gray se
encarga de la voz, guitarras, teclados y armónica, Mark está a la guitarra y
coros, mientras que Franher Joseph está el bajo y coros junto a Marlon Patton
que realiza su trabajo a la batería. Ambos guitarras se conocieron casualmente
en una tienda de instrumentos de Atlanta. Empezaron a charlar y Tom quiso
venderle a Mark un dobro que tenia en el maletero de su camioneta. Después
de mucho regateo Mark no compró aquel dobro, pero se intercambiaron
teléfonos y poco después ya estaban tocando juntos por todos los garitos de
la zona de Atlanta. Este disco que comentamos recoge con singularidad,
vehemencia y una enorme calidad esos ritmos tan característicos de los
tenebrosos caminos del Mississippi, transportándonos a la vez por todos esos
recónditos bares de carretera, donde el blues y la música ‘americana’ se dan la
mano para convertirse y formar parte de ese paisaje que a todos los que
amamos éste tipo de música nos resulta enormemente familiar. MUY BUENO.
Tom Gray and Mark Johnson are two excellent slide guitar player who come
back again to bring us his tenth album that includes nine original songs and
three beautiful covers. This time Gray sings and plays guitars, keyboards and
harmonica, Mark is on guitar and backing vocals, while Franher Joseph is on
bass and backing vocals together with Marlon Patton who plays drums. Both
guitars met by chance in a music store in Atlanta. They started to talk and Tom
tried to sell Mark a dobro on the back of his van. After haggling over, Mark did
not buy it, but they exchanged telephones and shortly after they were playing
together in joints, bars and clubs of Atlanta area. The album picks up all those
original rhythms of the shady and dark Mississippi roads with a unique
intensity and a fine quality, driving us to those hidden road bars, where blues
and Americana music come together and become an essential part of that
special landscape, which becomes familiar to every one who loves this kind of
music. GREAT.
Mitch Mann “Blackwater Creek”. Crazy Chester / BlindRaccoon 2015. Por
motivos obvios el blues de preguerra se interpretaba siempre de forma
totalmente acústica, pero hoy en día es bastante excepcional, sobre todo entre
los más jóvenes, que un intérprete deje de lado la guitarra eléctrica para
centrarse únicamente en un instrumento no amplificado. Esto es lo que ha
hecho y que plasma en este último disco el cantante, guitarrista y compositor
Mitch Mann, acompañado solamente de su guitarra y su voz, con la
intervención de algunos pocos amigos que colaboran en siete temas propios y
cuatro covers. Mann creció en Alabama y empezó a tocar la guitarra con
solamente once años. Pronto comenzó a componer y a tocar con diferentes
bandas locales, lo que le dio seguridad y conocimientos. Se graduó en música
en el Northwest Community College de Alabama dedicándose a la labor de la
enseñanza teórica y practica de la música, consiguiendo en 2007 el Bachelor
Of Arts Degree por la Universidad de Alabama. Este disco nos presenta a un
artista en el mejor momento de su carrera, donde su dominio, elegancia y buen
hacer con la guitarra acústica y su delicada y sugerente voz, dan como
resultado un agradable y relajante álbum de blues, baladas y folk. MUY
BUENO. For obvious reasons pre-war blues was always performed in a totally
acoustic way, but now it is quite exceptional, especially among the younger
ones, that a guitar player leaves aside electric guitar to only focus on a not
amplified instrument. This is what singer, guitarist and composer Mitch Mann
has been doing and is reflected in this album, where he is only backed by his
guitar, his voice and few friends who work along seven own songs and four
covers. Mann grew up in Alabama and began playing guitar when he was only
eleven years old. He soon started to compose songs and play with different
local bands, which gave him self assurance and knowledge. He graduated in
music at Northwest Community College in Alabama and worked teaching
theoretical and practical music training. In 2007 he received the Bachelor of
Arts Degree by the University of Alabama. This recording will make you
discover an artist at the peak of his career, where the elegant mastery, the
great acoustic guitar work together with his delicate and suggestive voice, give
as a result a pleasant relaxing album of blues, ballads and folk. VERY GOOD.
Michael Falzarano “I Got Blues For Ya”. Hypnotation / BlindRaccoon 2015.
Michael Falzarano no es un desconocido en el mundo de la música, pues
posee una dilatada carrera de más de cuarenta y cinco años. Miembro de
bandas tan legendarias como Hot Tuna, The New Riders Of The Purple Sage o
The Memphis Pilgrims, actualmente Michael lidera por derecho propio su
último proyecto y aventura The Extended Family. Con ellos Michael Falzarano
da rienda suelta a su imaginación y saca de lo más profundo de su ser todos
sus fantasmas y tormentos, a través de un blues incisivo y expresivo,
interpretado siempre con gran efectividad y mucho sentimiento, por medio de
magistrales solos de guitarra y de arreglos musicales desbordantes de
imaginación y buen gusto. Su ataque es delicado y a la vez desmedido y sus
intervenciones vocales no tienen desperdicio. Incisivo y arrollador de principio
a fin, con un tono vocal cercano en algunas canciones al mejor Bob Dylan de
los setenta, Michael y su banda afrontan con valentía y en plena forma, un
álbum atractivo y muy personal. MUY BUENO. Michael Falzarano is not an
unfamiliar name in the music world, because he carries a long career of more
than forty-five years on his back. Member of legendary bands like Hot Tuna,
The New Riders Of The Purple Sage or The Memphis Pilgrims, now Michael
firmly leads his last band and musical project The Extended Family. With this
band Michael Falzarano gives free rein to his imagination and takes out his
depths, ghosts and anguishes, with the most sharp and expressive blues you
could imagine, always performed with great effectiveness and a lot of feeling,
thanks to masterful imaginative guitar solos and tasteful overflowing
arrangements. He is gifted with a delicate but at the same time excessive
attack and his voice is always cutting and overwhelming with a pitch tone that
could remain the voice of he best Bob Dylan of the seventies, Michael and his
band are on top form and fiercely approach a work that becomes an attractive
and very personal album. GREAT.
Jon Spear Band “Old Soul”. Self Production / BlindRaccoon 2015. Con éste
disco debuta en el mercado discográfico una banda llamada Jon Spear Band,
en el que muestran su innato talento tanto para componer música, como para
combinar intrigantes letras y creativos ritmos, que dan como resultado una
memorable experiencia sonora. Seis de las canciones incluidas nos presentan
a un joven cantante, armonicista y guitarrista llamado Dara James, quien
contribuye a dar el sonido distintivo del grupo con un estilo propio fácilmente
distinguible, mientras que, por otra parte, la aportación del también cantante y
guitarrista Jon Spear con nueve canciones propias y liderando a la totalidad de
la banda, da la originalidad necesaria y muy amena para que la música y el
sonido del grupo sean fácilmente reconocibles. La formación se completa con
una engrasada y sólida sección rítmica compuesta por el bajista Andy
Burdetsky y el sagaz batería John Stubblefield. El grupo combina juventud y
veteranía, pues aunque la edad de los músicos está separada por varias
generaciones, todos ellos comparten su experiencia y buen hacer para crear
una música a caballo entre el blues, el funk, el rock, el soul y el swing,
atreviéndose incluso a aderezar alguna canción con algún ritmo salsero. MUY
BUENO. Jon Spear Band makes its debut in the music market with this
interesting album. The recording shows the band natural talent for both
compose music with creative rhythms and combine them with mysterious
fascinating lyrics, which gives as a result a memorable experience. Six of the
songs included introduce us young singer, harmonica and guitar player Will
James, who contributes to give a distinctive sound to the group with a
personal easily distinguish style while, on the other hand, the contribution of
singer and guitar player Jon Spear with nine own songs and leading the whole
band, gives the necessary and joyful originality to make their music and sound
easily recognizable. The band greasy and powerful rhythm section includes
bass player Andy Burdetsky and an able John Stubblefield on drums. The
group combines youth and maturity and, although the musicians age is
separated by several generations, all of them share the same experience and
good taste to create a kind of music that includes blues, funk, rock, soul or
swing and they even dare to spice with some salsa rhythms a couple of songs.
VERY GOOD.
Ray Goren “Save My Soul”. RJ Ray / BlindRaccoon (EP) 2015. Ray Goren fue
uno de esos niños prodigio que, con sólo cinco años, ya sabía tocar al piano
canciones de Thelonius Monk, Oscar Peterson o Miles Davis. Curioseando en
youtube descubrió un vídeo en el que B.B. King, Eric Clapton, Jeff Beck,
Buddy Guy y Albert Collins estaban tocando juntos, por lo que decidió que, a
partir de ese momento, se dedicaría a tocar la guitarra. Ray aporta juventud,
frescura y nueva savia al blues, estilo que pasa por un tamiz diferente y
curioso, embarcándose en una aventura, vibrante y totalmente diferente a lo
que normalmente solemos escuchar. Ray Goren pertenece a esa generación
actual que sabe transmitir nuevos conceptos y sensaciones dormidas dentro
de nuestro ser y que reaparecen con intensidad cuando descubrimos a
músicos como Ray Goren que, sin duda, está llamado a ser uno de los nuevos
valores de la música. Además de nuestro hombre a la guitarra, bajo y voz, en
este proyecto se encuentran a su lado Rob Humphreys batería y Jon Sosin a la
producción, sintetizadores y guitarra, además de algunos invitados. MUY
BUENO. Ray Goren was a prodigy child. Only aged five, he already knew to
play on piano songs by Thelonius Monk, Oscar Peterson or Miles Davis.
Browsing on Youtube he found a video where B.B. King, Eric Clapton, Jeff
Beck, Buddy Guy and Albert Collins were playing together. He was so
impressed that he decided he would devote his life to play guitar. Ray brings
youth, fresh air and new blood to the blues, a style he passes through a
different and original filter, to embark himself on a vibrant adventure
completely different to what we usually listen to. Ray Goren belongs to the
actual generation of musicians who know how to communicate new concepts
and feelings which are usually hidden in our minds and fiercely come back
when we discover musicians like Ray Goren who is undoubtedly called to be
one of the new music values. Besides Ray Goren on guitar, bass and vocals,
there have also collaborated on the project Rob Humphreyson on drums and
Jon Sosin on synthesizers, guitar and final production, together with some
guest musicians. VERY GOOD.
Breezy Rodio “So Close To It”. Windchill / BlindRaccoon 2015. El cantante,
compositor y guitarrista Breezy Rodio es un nuevo valor de la escena del blues
de Chicago con un gran porvenir por delante, siempre dispuesto a perpetuar el
sonido del más puro estilo del west y south side de los años sesenta. Después
de iniciarse en New York, Rodio se instaló en Chicago para intentar hacerse un
nombre dentro del estilo que más le gustaba cantar e interpretar, empezando
pues a actuar con regularidad junto a Guy King y otros nombres de la escena
de la ciudad. Linsey Alexander vio el enorme potencial de este músico,
convirtiéndose inmediatamente en su mentor y padrino por lo que, poco
después, Breezy Rodio ya lideraba con gran convicción la banda de Alexander.
Este disco nos presenta siete temas originales y ocho covers que combinan el
blues de siempre con destellos algo más modernos, pero sin perder en ningún
momento el horizonte que marca las fronteras del blues de la ‘ciudad del
viento’, es decir, shuffles o slows de ayer, de hoy y de siempre. Breezy Rodio
es uno de los artistas más prometedores de la nueva hornada del Chicago
blues y, en este disco, tiene como invitados a músicos de la categoría de Billy
Branch, Lurrie Bell o Carl Weathersby. Un álbum totalmente recomendable
para disfrutar y deleitarse por todo lo alto. BUENISIMO. Singer, songwriter and
guitar player Breezy Rodio is a new value of Chicago blues scene with a great
future ahead. He is always willing to perpetuate the sound of the real sixties
West and South Side styles. After starting his music career in New York, Rodio
moved to Chicago with the purpose to build up a name in the music he really
loved to sing and play. He began to perform regularly with Guy King and other
names of city scene. Linsey Alexander saw the enormous potential of this
musician and he immediately became his mentor and godfather so, shortly
after, Breezy Rodio became Alexander’s band leader. This album brings us
seven original songs and eight covers that combine old time blues with some
more actual ones, but never losing the frame and horizon that marks the
borders of ‘windy city’ blues, that is to say, shuffles or slows from yesterday,
today and forevermore. Now Breezy Rodio is one of the most promising artists
of Chicago blues. In this album you will also find such great musicians like
Billy Branch, Lurrie Bell or Carl Weathersby. This is an absolutely
recommended record to enjoy and savour with great pleasure. GREAT.
Mississippi Fever “300 Miles To Memphis” Self Production / BlindRaccoon
2015. “300 Miles To Memphis” es el nuevo trabajo de un grupo no muy
conocido hasta el momento. No obstante esperamos que a partir de ahora
empiecen a hacerse un hueco en el panorama de las nuevas formaciones
musicales que corren actualmente por los Estados Unidos. La banda la forman
el cantante y guitarrista Brent Barker, el bajista Ted May y su hermano, el
batería Tom May. El grupo se formó en el 2009, aunque hay que mencionar que
los músicos ya se conocían desde hacía más de veinticinco años e incluso
ocasionalmente habían tocado juntos por la zona de Los Ángeles. Siempre
supone un desafío grabar un disco únicamente con guitarra, bajo y batería
porque, además de tener calidad, los músicos deben entregarse al máximo
llenando de contenido todas las canciones y aunque en este álbum los
Mississippi Fever han contado con la colaboración de tres músicos como son
Steve Grimmes y Rick Steff a los teclados y Brandon Santini a la armónica, no
por ello el trío suena menos convincente. Si os va el rock sureño, los ZZ Top o
el rock que practicaban los Grand Funk Railroad, entonces creo que este disco
puede llegar a gustaros, por supuesto salvando todas las diferencias. BUENO,
"300 Miles to Memphis" is the new work of a not much known band so far
although I hope from now on they will start to gain a place in the overview of
the new musical groups they are emerging now in USA. The band includes
singer and guitarist Brent Barker, bass player Ted May and his brother Tom
May on drums. The group was created in 2009, although the three musicians
became friends more than twenty-five years ago and even they occasionally
played together in Los Angeles area. It is always a challenge to record an
album only including guitar, bass, and drums because the musicians should
have quality enough and great commitment to fill with content all songs but,
although The Mississippi Fever have counted with the collaboration of three
good musicians like Steve Grimmes and Rick Steff on keyboards and Brandon
Santini on harmonica, this does not mean the trio sounds less convincing. If
you like southern rock, ZZ Top or the rock of Grand Funk Railroad, then I dare
say that, in spite of the obvious differences, this album will probably satisfy
you. GOOD.
Chris Daniels & The Kings Featuring Freddi Gowdy “Funky To The Bone”. Mon
Voyage / BlindRaccoon 2015. Dos grandes maestros del soul y el rhythm and
blues mas actual como son el cantante, compositor y guitarrista Chris Daniels
y el también cantante Freddi Gowdy, se han reencontrado para grabar este
delicioso álbum, donde prima la alegría, el buen humor y sobre todo la
diversión. De hecho este disco es la celebración de ambos músicos por haber
superado cada uno de ellos con éxito un cáncer, por lo que todas las
canciones incluidas son un maravilloso canto a la vida y, sobre todo, un canto
a la supervivencia. Herederos de los grandes maestros del soul como Sam &
Dave o Sly & The Family Stone, sin dejar por ello de lado el funk o el rhythm
and blues, el álbum cuenta asimismo con un nutrido plantel de músicos de
mucha talla y alta envergadura que hacen de este disco un soberbio
muestrario del sonido Motown y Stax de antaño, una auténtica explosión de
puro e intenso ritmo, llevado a su máxima expresión con firmeza, credibilidad y
mucha calidad musical. Mi recomendación es que os hagáis con una copia, la
llevéis con vosotros a cualquier fiesta del sábado noche y tened por seguro
que vais a triunfar entre todos vuestros amigos desde los primeros compases
de “Funky To The Bone”, canción que da título al álbum y con la que se abre el
disco, hasta “Birthday Suit”, que cierra estos diez excelentes temas.
BUENÍSIMO. Two great masters of the actual soul and rhythm and blues as
singer, songwriter and guitar player Chris Daniels and the also singer Freddi
Gowdy, have met again to record this delicious album, where the key is joy,
happiness and fun. In fact the album is what Chris and Freddi have done to
celebrate both musicians have successfully overcome a cancer, so all songs
included are a celebration to life and especially a hymn to survival. Heirs of
great soul masters as Sam & Dave or Sly & The Family Stone, they do not let
aside funk or rhythm and blues, they perform together with a wide bunch of
high quality and very professional musicians who make a superb showcase of
the real Stax and Motown old sound, a true explosion of pure intense rhythm,
they led to the highest expression with a strong credibility and musical quality.
My advice is you get a cd copy, bring it to a Saturday night party and be sure
you will succeed among all your friends since the first notes of the opening
song "Funky To The Bone", that gives title to the album, to "Birthday Suit" that
closes these ten excellent tracks. GREAT.
Anthony Gomes “Electric Field Holler”. Up 2 Zero / BlindRaccoon 2015.
Originario de Toronto, Canadá el cantante, compositor y guitarrista Anthony
Gomes ha creado un estilo único, personal y virtuoso con un poderosísimo
sonido sin ambages ni concesiones, basado sobre todo en el power blues,
algo que ha sido su sello principal y marca de la casa desde que publicara su
primer álbum en 1998. Con doce discos a sus espaldas, Anthony nos presenta
su nuevo trabajo en el que incluye doce temas propios dotados de su
característico sonido ‘hard and heavy rock blues’. Según palabras del propio
Gomes, su propósito en este disco ha sido aglutinar una colección de rock
blues atemporales con altas dosis de energía apocalíptica, electricidad y
desmesurada pirotecnia incendiaria y corrosiva a base de solos guitarreros
altamente eficaces, dicho de otro modo, quería publicar un disco compacto
pero que recogiera la tradición del blues americano como B.B. King o Muddy
Waters, pasado por el filtro del blues británico y el rock de los Cream, Free,
Jeff Beck e incluso de AC/DC. Debo decir que efectivamente Anthony Gomes
ha llevado a cabo su audaz y provocativo proyecto con mucha eficiencia y
cohesión. MUY BUENO. Toronto coming singer, songwriter and guitarist
Anthony Gomes has created a unique, very personal and virtuoso style with an
extremely powerful sound, performed with no ambiguities, primarily based on
power blues, something that has been his hallmark since he released her first
album in 1998. With twelve albums on his back, Anthony brings us his new
work that includes twelve own songs, all them with his distinctive 'hard and
heavy rock blues' sound. According to Gomes own words, his aim has been to
gather a collection of timeless blues rock with high doses of apocalyptic
energy, electricity and incendiary caustic fireworks, based on highly effective
guitar solos. In other words, he wanted to publish a solid powerful album
which included American traditional blues in the path of B.B. King or Muddy
Waters but passed through the filter of British blues and the rock of Cream,
Free, Jeff Beck and even AC/DC. I must say Anthony Gomes has carried out
this daring provocative project with an effective coherence. VERY GOOD.
Eddie Taylor Jr. “Stop Breaking Down” Wolf 2015. Acompañando a Eddie
Taylor Jr. en su último álbum se encuentran Tony Palmer como segundo
guitarra, Greg McDaniel al bajo, Timothy Taylor a la batería, junto a Harmonica
Hinds y Bob Waleso a las armónicas. Este puñado de buenas canciones con
las que nos encontramos cubren todo el espectro del blues de Chicago, tanto
el clásico como el más moderno, con temas como “Ghetto Woman” de B.B.
King en la que Eddie suena estilísticamente similar al gran e inolvidable Fenton
Robinson, o la maravillosa versión del clásico de Jimmy Reed “Baby What You
Want Me To Do”, donde el limpio y cristalino sonido de guitarra de Eddie
Taylor Jr. rinde homenaje a su padre. En un esfuerzo considerable para
adaptarse a un público cada vez más joven, Eddie ha ido modernizando su
estilo, experimentando incluso con diferentes pedales y efectos de guitarra, de
los que sale muy airoso. El resultado es un disco altamente satisfactorio y ello
se hace evidente en muchos de sus solos de claro matiz rockero en ocasiones
suavemente distorsionados por la pedalera que emplea, especialmente en la
canción de Doctor Clayton “I Got To Find My Baby”. Un buen disco de blues de
Chicago si no fuera por el armonicista Bob Waleso que está fuera de lugar y
estropea en ocasiones las canciones en las que interviene. MUY BUENO.
Backing Eddie Taylor Jr. in his last album you will find Tony Palmer on second
guitar, Greg McDaniel on bass, Timothy Taylor on drums, together with
Harmonica Hinds and Bob Waleso on harmonica. The handful of good songs
that form the album cover a wide range of Chicago blues, both traditional and
actual ones, with songs like "Ghetto Woman" by B.B. King where Eddie sounds
stylistically similar to the great and unforgettable Fenton Robinson, or the
wonderful version of Jimmy Reed’s "Baby What You Want Me To Do," where
the neat and crystal sound of Eddie Taylor Jr.’s guitar pays tribute to his father.
On a big effort to adapt himself to an increasingly young audience, Eddie has
modernized his style, experimenting with different pedals and guitar effects
and he has really succeeded. The result is a highly satisfactory album, which
becomes evident in many of his rocky solos that sometimes have a gently
pedal distortion, especially in Doctor Clayton’s song "I Got To Find My Baby".
This is a good Chicago blues album if it was not for harmonica player Bob
Waleso who does not contribute to a good final result and sometimes spoils
the songs where he plays. VERY GOOD.
Ronnie Earl & The Broadcasters “Father’s Day”. Stony Plain / Karonte 2015.
Una vez más el guitarrista de blues Ronnie Earl nos sorprende gratamente con
un álbum impoluto en ejecución y solidamente interpretado como la mayoría
de las ocasiones en las que cualquier trabajo suyo sale al mercado. Dotado de
una técnica elegante y de mucha emoción, Ronnie desarrolla en este “Father’s
Day” su estilo característico de interpretar y sentir los blues con algunas
pinceladas jazzy que, en ocasiones, llega a recordar el estilo de Dave Specter o
también a Duke Robillard y Luther ‘Guitar Jr.’ Johnson. A diferencia de algunos
de sus anteriores discos en los que la mayor parte de sus temas eran
instrumentales, en esta ocasión Ronnie Earl ha contado con dos reputados
vocalistas dotados de unas cualidades vocales de enorme enjundia, como son
la maravillosa Diane Blue y el magnífico Michael Ledbetter. Ambos ponen toda
la carne en el asador y se reinventan en cada uno de los temas que abordan
con magistral intensidad, pericia y habilidad. Los arreglos, los vientos, la
producción y todo lo que alberga este disco es impecable y extraordinario. Un
álbum que sin duda tiene que estar en cada una de las colecciones de discos
de los aficionados al género. IMPRESCINDIBLE. Once again blues guitarist
Ronnie Earl pleasantly surprises us with a spotless album, performed with an
extreme good taste and a strong commitment, as usually happens every time
he publishes a new work. Gifted with an elegant and emotional technique, in
this “Father’s Day”, Ronnie develops his most characteristic style to perform
and feel the blues, filled with some drops of jazzy influences that sometimes
could remind Dave Specter or even Duke Robillard and Luther "Guitar Jr."
Johnson. Unlike some of his previous recordings where most of the songs
were instrumentals, this time Ronnie Earl has recruited two reputed singers
gifted with amazing vocal qualities, as the wonderful Diane Blue and the
magnificent Michael Ledbetter. Both give the best of themselves to reinvent
their singing with a masterful skill and great feeling in each and every song
they do. Arrangements, horns, production and everything that has been
included in the album are superb and faultless. Definitely “Father’s Day” and
Ronnie Earl deserve a special place in any good blues lover record collection.
ESSENTIAL.
John Primer “Muddy Waters 100”. Raisin’ Music / Karonte 2015. Este es un
disco donde, con motivo del centenario de su nacimiento, se rinde homenaje a
una de las figuras clave del blues eléctrico y, en especial, del blues de
Chicago, ya que sin su figura hubiera sido impensable que el estilo y el sonido
de este tipo de blues fuera el que sentara las bases de casi todo el rock que
posteriormente se expandió como un reguero de pólvora entre todos los
jóvenes de la época y que todavía continúa hoy día. Me refiero al gran Muddy
Waters, pilar imprescindible y arquitecto de un sonido y una música histórica y
que nunca será olvidado. La idea del disco partió de John Primer, cantante y
guitarrista arquetipo del más puro y tradicional blues de Chicago y que
siempre admiró con locura a su mentor y padre musical. El disco contiene
quince canciones a cual mejor y, además de Primer como cantante principal y
guitarrista, en él han participado enormes talentos como James Cotton, Bob
Margolin, Johnny Winter, Shemekia Copeland, Dereck Trucks, Steve Gibbons,
Billy Branch, Keb’ Mo, Kenny Smith y un puñado de fantásticos músicos, todos
ellos entregados en cuerpo y alma al proyecto. Cada uno de ellos interpretan
los temas con los cinco sentidos puestos al servicio de las canciones y
también con un marcado sentimiento y una emoción que se transmite en cada
nota con inusitada pasión. Este es uno de esos maravillosos discos que no
deben pasar desapercibidos, sobre todo porque si lo que se busca es
escuchar BLUES con mayúsculas, éste es el mejor regalo que uno puede
encontrar para su total deleite. IMPRESCINDIBLE. This is album that pays
tribute to the centenary birth of one of electric blues key figures but especially
of Chicago blues. Without him it would have been impossible this particular
style and blues sound had settled the basis for nearly all rock music that
caught like a wildfire among all young people of that time and still follows on
catching people nowadays. I am talking about great Muddy Waters, the
essential pillar and builder of a sound and an historical music which will never
be forgotten. The idea of recording this album came from singer and guitar
player John Primer, one of the best performers of the most pure and traditional
Chicago blues who deeply admires his mentor and musical father. The album
contains fifteen excellent songs mostly led by Primer’s guitar and voice, but
you will also find such great talents like James Cotton, Bob Margolin, Johnny
Winter, Shemekia Copeland, Dereck Trucks, Steve Gibbons, Billy Branch, Keb'
Mo, Kenny Smith and a handful of fantastic musicians, all them with a total
commitment and completely delivered to the project. Every musician involved
puts the five senses on what they perform, but they also do it with an
enormous feeling and passion that becomes evident in every impressive note
they play. This is one of these wonderful albums that should not go unnoticed,
especially if you are looking for BLUES with capital letters. This is the best gift
you can find for your total joy and happiness. ESSENTIAL.